Os 20 melhores filmes noirs de todos os tempos

No aniversário de 20 anos de 'L.A. Confidencial ', montamos uma lista de filmes noir que, com sorte, criará novos fãs do gênero, assim como' Confidencial 'fez por nós.

L.A. Confidencial chegou aos cinemas neste dia em 1997. O potboiler set dos anos 50 recebeu uma aclamação universal quase sem precedentes e, se você tivesse uma certa idade, provavelmente o apresentaria ao filme noir.



Film noir era um gênero que, como o faroeste, costumava ser o estilo de filme mais popular para os primeiros estúdios de cinema, mas caiu em desuso nos anos 60. Como os faroestes, o filme noir era frequentemente considerado uma classe inferior do cinema em comparação com as adaptações radicais da ficção popular épica. E a imensa consideração que muitos dos filmes mais antigos têm agora, a maior parte veio depois, à medida que a crítica de cinema se tornou mais respeitada e o cinema internacional adotou as obras sombrias da ficção policial.



Jean-Luc Godard em 1960.

O próprio filme noir foi um gênero importante para legitimar o cinema como uma forma de arte - o uso de sombras para o terror, a colocação sedutora de membros, olhares e a maneira como alguém fumava um cigarro substituindo o diálogo. O Código de Produção Hayes tornou mais difícil transmitir sexo, mas o filme noir o codificou usando personagens que trabalham fora da respeitabilidade da força policial, mas em vez disso são contratados em particular para desvendar mistérios que as pessoas que contratam também gostariam de manter privados e fora dos dossiês e das manchetes da polícia. E essa distância da ordem social abriu narrativas para incluir outros menos percebidos: jogadores, alcoólatras, dançarinas burlescas, prostitutas e homens e mulheres desesperados. Como tal, a femme fatale nasceu para contrapor a taciturna e misteriosa detetive particular. Aclamado diretor de cinema Jean-Luc Godard notoriamente começou sua carreira como crítico de cinema escrevendo para a França Notebooks de cinema , onde ele frequentemente defendeu esse movimento cinematográfico pós-Segunda Guerra Mundial por retratar um nível de desconforto e descrença que o resto do cinema popular estava evitando. Godard disse que tudo o que você precisa para fazer um filme é uma arma e uma garota. E isso é em parte o que tornou o noir tão popular nos estúdios de cinema: era barato de fazer e poderia criar uma estrela de cinema a partir de um ator / atriz contratado.



A crítica de cinema também mudou nos anos 40 e 50 para incluir análises mais engenhosas dos filmes (sugestão: leia algumas das críticas de cinema do início dos anos 1940 feitas pelo romancista James Agee quando ele começou em Tempo em 1942; Agee foi extremamente influente para nossos grandes críticos americanos dos anos 60 em diante, como o Notebooks escritores e Pauline Kael e Roger Ebert .) O próprio Agee ficava entusiasmado com os filmes noir e pulp, e muitas vezes lutava para incluí-los em Tempo o que impulsionou seu perfil nos círculos intelectuais e foi extremamente formativo para elevar muitos gêneros décadas depois, como o terror. Agee também mais tarde escreveu o seminal, inspirado no noir Noite do Caçador script que atacou o potencial de hipocrisia na religião. Atacar as convenções e a aceitação aberta do status quo é precisamente o que intrigou Agee. Isso e os ângulos da câmera e o uso da iluminação que transmitiam muito mais do que o bem contra o mal em seu status de preto e branco elevado.

L.A. Confidencial capturou perfeitamente a influência do filme noir na própria cidade de Los Angeles. Do vice-detetive que ganha dinheiro extra criando e prendendo celebridades do nível B ao editor de notícias diárias que traçam a queda das estrelas de cinema, esse desejo público de espalhafatoso corria lado a lado com o lado respeitável de América representada por nossa força policial, autoridades eleitas e estrelas de cinema de primeira linha. Mas tudo está à venda e todos são suspeitos em potencial em L.A. Confidencial porque nada é realmente respeitável e isso é algo que o film noir sempre fez seu público cheirar.

Imagem via Warner Brothers



diretor Curtis Hanson ganhou um Oscar de Melhor Roteiro Adaptado por L.A. Confidencial (com o qual ele co-escreveu Brian Helgeland ), uma das maiores conquistas do Oscar do gênero. E crime. O filme foi baseado em uma extensa James Ellroy romance que foi originalmente definido para a televisão antes de Hanson ter permissão para fazer um filme na Warner Brothers. Sob a direção cuidadosa de Hanson, Confidencial foi um sucesso financeiro e de crítica retumbante, que confirmou uma aposta imensa por parte do estúdio quando Hanson reuniu um grupo incrível de atores para um gênero de detetive de época que Hollywood havia muito ignorado. A maior “estrela” foi Kevin Spacey , que ainda não era amplamente conhecido do público (apesar de ter ganhado o Oscar por Os suspeitos usuais ) O filme de Hanson não foi apenas responsável pelo elenco Russell Crowe e Guy Pearce em seus primeiros papéis importantes em Hollywood, como os detetives Bud White e Ed Exley, mas a história imensamente texturizada de corrupção no LAPD - e como ela se cruzou com acobertamentos de Hollywood e tráfico de drogas mafioso - também reavivou o interesse adormecido de Hollywood na trama labiríntica de filmes noirs clássicos como O grande sono .

A comunicação foi um tema importante no filme noir, já que os detetives estão seguindo palavras de personagens que os colocam em uma situação de observar a verdade enquanto se escondem. Dentro L.A. Confidencial era o rastro de informações que vários policiais encontram, mas precisam uns dos outros para reunir, já que a teia de corrupção é tão grande que se estende tanto aos departamentos de vice quanto aos de homicídios.

Imagem via Warner Bros.

Pessoalmente, L.A. Confidencial foi meu filme de moldagem de cinéfilo. Foi lançado quando eu tinha 15 anos. Eu nunca tinha visto uma história como essa. Foi lançado em uma época que eu tinha fome de cinema, mas Confidencial fez algo incrível por mim. Isso me encantou tanto com a narração de crédito de abertura (por Danny DeVito ) na promessa de Los Angeles - antes que Hanson revelasse seu ponto fraco (mas ainda glamoroso) - que me fez olhar para trás e assistir aos filmes que os principais críticos de 1997 compararam favoravelmente. Primeiro a O grande sono e então para Chinatown e para mistérios ainda mais meticulosamente em camadas que foram criados em meio a sonhos desfeitos, copos vazios de bebida e complexas femme fatales. Em essência, o filme de Hanson era tão rico, esfumaçado e cativante que ele foi capaz de me empurrar para Fritz Lang, Roman Polanski, Humphrey Bogart, Otto Preminger, John Huston E a lista continua. Que presente para um jovem cinéfilo em crescimento.

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Em honra de Confidencial tornando-me uma droga de entrada para o cinema para mim - e muitos outros - em seu aniversário de 20 anos, apresentamos 19 outros film noirs que são necessários para ver a fim de compreender melhor e amar o gênero. Damas, chapéus, cigarros e horas tardias. Este é o nosso guia para iniciantes no filme noir, iniciado com o clássico moderno de L.A. Confidencial . E é uma lista útil que gostaríamos de ter há 20 anos.

The Maltese Falcon (1941)

Não diga que não existe um bom remake. Dashiell Hammett O romance policial clássico de foi adaptado pela primeira vez em 1931, mas o que todos nós nos lembramos é a versão de 1941 apresentando Humphrey Bogart como o detetive investigador particular Sam Spade. John Huston A adaptação de praticamente definiu o P.I. noir, e embora futuros diretores encontrassem maneiras de jogar com as regras, a fusão das sensibilidades de Huston com o livro incrível de Hammett resultou em um filme que ainda é tão marcante hoje quanto era há mais de 75 anos.

A trama segue Sam Spade (Bogart), que começa a investigar a morte de seu parceiro, que por sua vez se torna uma caça a um artefato de valor inestimável, o Falcão Maltês. Muito parecido com o Op Continental de Hammett Colheita Vermelha que começa a jogar cada lado um contra o outro para atingir seu próprio objetivo, Spade entra em contato com um elenco de personagens coloridos, todos os quais estão procurando o Falcon e farão de tudo para consegui-lo.

Mas onde O falcão maltês realmente afunda suas garras em você (se é que já não o fez com seus diálogos crepitantes e performances elétricas) é o final onde vemos o código fatalista dos heróis noir. Uma das coisas que adoro no noir é que ele não tem medo de finais agridoces ou deprimentes. Nem todo mundo consegue o que quer, e uma vez que o Código Hayes basicamente impôs uma moralidade universal às imagens, o smart noir foi capaz de transformar esse requisito em uma tragédia que o deixa com 'a matéria de que os sonhos são feitos'. - Matt Goldberg

A Mulher na Janela (1944)

Quando o filme noir decolou na década de 1940, parecia ser capaz de escapar com palavras mais escandalosas, roupas de dormir mais sedutoras e mais bebidas alcoólicas, porque geralmente aqueles que erraram eram punidos no final. Fritz Lang empurrou o envelope noir o mais longe que pôde contra o Código de Produção Hayes em A Mulher na Janela . E quando eles rejeitaram seu final por ser imoral, ele acrescentou um segundo final exagerado de 30 segundos, caramba-estou-feliz-de-estar-vivo (que mais tarde seria feito com seriedade em Frank Capra's É uma vida maravilhosa ) Apesar de terminar em uma mansão estranhamente tonalmente estranha quando visto hoje, se a decisão final de Lang foi um 'foda-se' cinematográfico para (o que é agora) a MPAA, então seu filme está entre os melhores filmes noirs de todos os tempos. Lang aumentou a tensão, deu um final sombrio e depois dançou palavrões no quadro de censura.

O que também é interessante sobre A Mulher na Janela é que, em vez de nos dar outro detetive cansado, Lang deixa cair seu anti-herói ( Edward G. Robinson ) na academia. Robinson interpreta um professor que abre o filme ensinando a aceitação psicológica de quando o assassinato é considerado justo (em defesa) e quando é visto como imoral (para ganho pessoal; novamente distinções do Código de Produção). Uma vez que ele é seduzido pelo titular 'mulher na janela' ( Joan Bennett ) ele logo encontrará suas teorias postas à prova.

Com Mulher na janela (que foi no meio de quatro film noirs consecutivos do autor que dotou muitas das técnicas visuais que se tornariam predominantes em Hollywood em seu primeiro filme alemão de serial killer, M ), Lang fez uma abordagem acadêmica do assassinato ao incluir um personagem principal que, apesar de ser um acadêmico do dia a dia, também pode ser facilmente seduzido por essas mesmas travessuras polpudas da “classe baixa”. E então, incapaz de ter o final que queria devido ao Código de Produção Hayes, Lang filma seu desejado final mais sombrio e então despiste os censores ao apontar o desejado final mais feliz. É chocante assistir agora porque o final parece tão fora do lugar, mas se você estiver ciente das regras do Código de Produção, é fácil perdoar.

Mulher na janela estava muito à frente de seu tempo e agora foi esquecido pelos cânones dos grandes noirs originais, muito provavelmente por causa de sua marcação no minuto final. Mas os primeiros 105 minutos ainda se mantêm como um dos noirs mais cheios de suspense e arte já feitos. Até o minuto final. Depois, você deve rir. Temos certeza que Lang fez. - Brian Formo

Laura (1944)

Enquanto a Segunda Guerra Mundial estava se intensificando, Hollywood era um refúgio para muitos cineastas que colocaram uma marca enorme na indústria cinematográfica dos Estados Unidos (como evidenciado por quantas vezes Fritz Lang aparece nesta lista depois que ele fugiu da Alemanha um dia após ser questionado por Joseph Goebbels para chefiar a máquina de filmes de propaganda da Alemanha nazista; ele não podia recusar, então ele simplesmente subiu e saiu). Otto Preminger foi um cineasta único de Hollywood que deixou a Áustria-Hungria quando a guerra estava estourando e sua carreira está repleta de filmes que defenderam os marginalizados (Preminger atualizado Carmen Jones como um elenco totalmente negro e trabalhou duro para garantir que o roteirista na lista negra Dalton Trumbo foi creditado com seu nome real em Êxodo ) E como muitos durante esse período, Preminger teve sua maior chance em Hollywood fazendo um filme noir.

Laura essencialmente leva um Daphne du Maurier premissa - um detetive ( Dana Andrews ) está trabalhando em um caso de assassinato e acaba se apaixonando pela mulher morta que está investigando - e reconhece uma limitação que o filme noir terá para sempre: que suas mulheres são meras telas para os homens projetarem seus desejos. Gene Tierney é uma beleza estonteante e, portanto, para noir, sua morte é trágica e essa tragédia se torna consumidora para um detetive, pois como um anjo caído poderia se envolver em tal engano? O homem certo poderia tê-la salvado antes de seu destino prematuro?

Laura é um policial elegante que pensa imensamente sobre o gênero e o vazio do gênero em seus estágios iniciais. E, novamente, um visualista extremamente capaz, Preminger mostra imensa fluidez com a câmera e como o gênero pode levar o meio a domínios de sonho totalmente novos por meio de panelas, carrinhos e push ins. - Brian Formo

Dupla Indenização (1944)

Dupla indenização é um relógio incrivelmente divertido, especialmente se, como eu, você viu uma estrela pela primeira vez Fred MacMurray no saudável Meus três filhos em Nick no Nite. Ele interpreta um personagem muito diferente aqui com o diretor Billy Wilder adaptando John M. Cain romance de (com uma ajuda de diálogo de Raymond Chandler ) sobre uma mulher que se junta a um vendedor de seguros para assassinar seu marido a fim de arrecadar muito em sua apólice (a cláusula de 'dupla indenização' é se o marido dela morrer por acidente).

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O filme funciona brilhantemente em muitos níveis diferentes. Primeiro, ele tem um dispositivo de enquadramento crackerjack com o vendedor de MacMurray, Walter Neff, sangrando em seu próprio escritório, gravando uma confissão ao ajustador da agência Barton Keyes ( Edward G. Robinson ) Nos primeiros cinco minutos, sabemos que tudo deu terrivelmente errado para Neff, e agora ele vai nos dizer como. A partir daí, vemos um protagonista noir clássico - um cara que está cansado e cínico, mas acaba sendo enganado da mesma forma.

E depois Barbara Stanwyck entra em cena como a nefasta, sedutora e clássica femme fatale Phyllis Dietrichson, e o filme vai para as corridas enquanto a química entre MacMurray e Stanwyck chia, mas está tudo cimentado com a nossa compreensão de que ou eles escapam e eles fizeram algo horrível, ou não se safam, e algo horrível acontece com eles. Dupla indenização saboreia a duplicidade e o cinismo de seus personagens, e é um dos melhores filmes de Wilder, que, olhando para sua filmografia, está dizendo algo. - Matt Goldberg

Scarlet Street (1945)

Fritz Lang 'S Scarlet Street é um circo de idiotas que são enganados em fazer coisas mais estúpidas, tudo devido a suposições. É uma espécie de sequência espiritual para A Mulher na Janela em que três jogadores principais são os mesmos: Edward G. Robinson, Joan Bennett, e E Duryea . Robinson é um homem que foi neutralizado por seu casamento de estilo vitoriano. Quando ele resgata uma bela jovem de um ataque (Bennett), ele sente um aumento na libido. No entanto, ele nunca pode recapturar aquele sentimento de ser um homem porque a jovem e seu (provável) grupo de cafetões começam a querer coisas dele porque pensam que ele é rico. Na verdade, sua esposa tem todo o dinheiro e suas pinturas são apenas uma diversão secundária; embora suas pinturas sejam para si mesmo, ele ainda é castrado por sua esposa mais velha por usar um avental de babados no avental. Seu impulso de salvar a jovem veio de uma consciência humana natural, separada dos deveres percebidos de seu gênero de fornecer segurança e estimular. Uma vez que ele percebe que é capaz de ser um homem, ele falha em todas as tentativas de recapturar aquela postura masculina que a mulher mais jovem está tentando manipular, tornando-se impotente. Nem é preciso dizer que a chantagem de crise de meia-idade não sai como planejado.

Scarlet Street não é uma comédia, mas parece uma sátira da polpa. Lang adiciona um enredo imenso para enfatizar as expectativas ridículas de um homem comum dentro desse gênero. - Brian Formo

The Big Sleep (1946)

Já se passaram quase 20 anos desde que vi pela primeira vez O grande sono (Provavelmente levei minha bicicleta para a locadora um dia depois de ver L.A. Confidencial , para o qual a imensa trama de engano foi originalmente comparada). O enredo ainda é um zigue-zague arrebatador que provavelmente inspirou os irmãos Coen a incluir a linha em O grande Lebowski (“Adoro o seu estilo: jogar um lado contra o outro, na cama com todo mundo”). Humphrey Bogart Philip Marlowe não pode descansar em seu caso. A filha mais nova de um homem rico tenta sentar-se em seu colo enquanto ele está de pé, a filha mais velha ( Lauren Bacall ) é um interesse amoroso por jogos de azar, e seu companheiro de vigilância na livraria fecha a loja por causa de um lenço fora da tela.

É mais fácil se concentrar no sexo de O grande sono porque o enredo parece existir apenas como um sonho febril entre todos os vários acoplamentos. eu amo isso Howard Hawks e companhia. abandonou cenas de explicação extra em favor de cenas de flerte de Bogart e Bacall. Dê as pessoas o que elas querem! Sentar no colo em pé! Eu também amei o Dorothy Malone cena da livraria porque ela sabe assobiar muito bem (o 'alô' de Bogart é a porta de entrada para sua atuação ganhadora do Oscar em Escrito no vento )

É imperativo fazer uma dupla função de O grande sono com O longo adeus , Robert Altman A resposta a este e a todos os filmes noirs dos anos 40 que apresentam Marlowe. Philip Marlowe finalmente vai para a cama e acorda para um cochilo de três décadas com vizinhos de garotas nuas tomando banho que lhe pedem para comprar mistura de brownie para a maconha. Hawks protege o público do Código Hayes dos anos 1940 de usar palavras descaradamente que revelam a pornografia óbvia e os pontos da trama das drogas em O grande sono e o Marlowe dos anos 70 simplesmente acorda ao lado dele em plena exibição de risos em O longo adeus . - Brian Formo

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Fora do passado (1947)

Robert Mitchum e Kirk Douglas estrela na Batalha do Filme Noir Chin Dimple! Mitchum interpreta o ex-mafioso que se reinventou como dono de um posto de gasolina depois que o mafioso de Douglas o fez seguir uma mulher por quem se apaixonou.

A maioria dos film noirs começa do início e segue um caso conforme as paredes começam a se fechar, mas Fora do passado conta a história de um caso anterior que fechou as paredes sobre Mitchum e continua quando ele volta para assombrá-lo. Eu amo que este noir seja essencialmente Mitchum tentando resistir à femme fatale ( Jane Greer ) porque ela é realmente fatal (ao contrário de outras mulheres que os homens tentam salvar neste gênero ou mulheres que são coniventes, mas nunca usam a violência, Greer é a pessoa mais violenta do filme).

Quando pegamos Mitchum em sua vida nova e menos sombria, ele está apenas tentando se acalmar e pescar com a garota da porta ao lado. O passado volta, porém, e é sombrio como o inferno. Jogue uma grande cena de abertura em uma estação / café, algumas vistas da montanha, um brilho nos cílios de lagarta de Mitchum enquanto seu coração é manipulado novamente e você tem um noir atípico que ainda se encaixa em algumas grandes lutas sombrias e esconderijos do México.

Para fãs de terror, Fora do passado deve ser de interesse extra porque mostra o que Jacques Tourneur ( Gente Gato ) poderia fazer fora de seu trabalho de terror RKO. As sombras de Tourneur permanecem, mas o significado é muito mais humano e cheio de pesar. - Brian Formo

Ride the Pink Horse (1947)

Não tenho certeza se Monte o Cavalo Rosa é ótimo para um novato noir, mas para os fãs de noir é infinitamente fascinante. O próprio Noir é frequentemente uma crítica ao capitalismo urbano e ao que as pessoas fazem por dinheiro, principalmente após a Segunda Guerra Mundial, quando mais pessoas parecem tê-lo na América, fazendo com que aqueles que não se sintam não se sintam ainda mais desesperados. Cidades fronteiriças são locais noir frequentes por razões óbvias de passagem por lá concede imunidade mágica, mas ser pego lá é uma situação diferente. Mas em O cavalo rosa os mexicanos não são personagens de fundo do salão, mas são partes importantes da história.

Lucky (diretor e estrela Robert Montgomery ) está estupidamente pensando que está mostrando lealdade ao amigo morto ao chantagear seu assassino, mas que apenas egoisticamente dá dinheiro a Lucky e usa seu amigo. É o oposto de lealdade. Quando Pancho (indicado ao Oscar Thomas Gomez ) mostra lealdade a Lucky levando uma surra em vez de falar. Lucky se oferece para lhe dar uma porcentagem do dinheiro. Sua humanidade e capacidade de mostrar gratidão estão ligadas ao dinheiro. Há um grande monólogo de 'fritada' do mafioso tufo, no qual ele zomba de Lucky por não ter pedido mais dinheiro, o que destaca o desdém americano por aqueles que não vendem mais. É a imersão de Lucky com os habitantes locais que o torna mais humano, porque eles mostram a ele a humanidade sem cobrar por isso (a menos que sejam bebidas no bar, claro!). - Brian Formo

O Terceiro Homem (1949)

Carol Reed A obra-prima usou a técnica expressionista do 'ângulo holandês' para fazer referência ao quão desorientado um americano ( Joseph Cotton ) parece estranho neste mistério pós-Segunda Guerra Mundial, mas pré-Guerra Fria. Supostamente, diretor de fotografia Robert Krasker brincando com Reed um nível depois de filmar tantas cenas com títulos. A Academia deu a Krasker um Oscar e Krasker agradeceu a Reed.

O terceiro homem é o melhor filme noir de exportação, ambientado em Viena e feito pelo Reino Unido. Steven Soderbergh descaradamente afirmou: “Uma das coisas incríveis sobre O terceiro homem é que realmente é um ótimo filme, apesar de todas as pessoas que dizem que é um ótimo filme. ' Vai para o esgoto por um período pré Vertigem cena de perseguição e embora tenha elementos de espionagem, ela mantém o final noir: nada sai como planejado. Principalmente pegar a garota.

Embora seja Harry Lime ( Orson Welles ) perseguição que é mais famosa, a tomada final é um dos melhores finais de todo o cinema; em uma tomada estática, uma mulher silenciosamente passando pelo homem que a manteve enganada; escolher deliberadamente encerrar um capítulo de sua vida. O fim. - Brian Formo

Eles vivem à noite (1949)

Nicholas Ray é lembrado com mais carinho por Rebelde sem causa (e com menos carinho por seduzir uma de suas jovens estrelas, Sal Mineo ) Portanto, não é nenhuma surpresa que o melhor adolescente noir veio de Ray em sua estreia no cinema, Eles vivem à noite .

A maioria dos filmes noirs foi ambientada em Los Angeles devido à presença da indústria cinematográfica, mas também para vender a Cidade dos Anjos por não ser angelical (verifique Los Angeles se diverte ) Mas existem muitos grandes noirs rurais sobre pessoas que tentam escapar de seu passado. Eles vivem à noite é um sonolento Texas noir que segue um jovem casal ( Farley Granger e Cathy O’Donnell ) que estão fugindo de seu passado. O jovem foi preso aos 16 anos por matar o assassino de seu pai e escapa da prisão com alguns ladrões de banco. Ele se junta a eles em sua onda de crimes devido à sua lealdade juvenil, ele sente que os deve pela fuga - mas ser preso tão jovem o sentenciou a uma vida de tempos difíceis, independentemente do caminho que ele tomar.

Godard, o coro grego dos campeões do filme noir, disse a famosa frase 'o cinema é Nicholas Ray'. E o primeiro filme de Ray é um coração inchado. Essas crianças fazem escolhas erradas, mas isso não acontece inatamente, há uma pausa para a consciência de seus erros, mas eles não sabem mais o que fazer a não ser tentar apenas chegar ao dia seguinte juntos. Esta é toda música de casais de Bruce Springsteen “nascidos para perder”, feita no cinema em preto e branco. - Brian Formo

Night and the City (1950)

Embora possa não ser um 'grande nome' noir, Noite e a cidade é um dos meus favoritos do gênero. Depois de alugar o filme, eu imediatamente saí e trouxe o Critério porque é simplesmente muito bom. É uma das peças de trabalho mais desagradáveis ​​que o gênero tem a oferecer, quase sem personagens redentores, e ainda assim todos eles são instantaneamente atraentes e você quer ver o desastre sombrio que eles farão juntos.

A história segue Harry Fabian ( Richard Widmark em sua forma mais viscosa), um vigarista e vigarista que quer montar uma empresa de luta livre em Londres sem a interferência do organizador local, Kristo (o sempre brilhante Herbert Lom ) Mas onde o filme realmente ganha vida é no relacionamento de Fabian, Mary ( Gene Tierney ), o único personagem redentor do filme, e então quando ele tem que fugir atrás de Kristo coloca uma recompensa em sua cabeça.

Jules Dassin é um excelente diretor que absolutamente te deixa seduzir, e realmente joga o uso de luz e sombra que é uma das marcas do gênero. Ele transforma Londres em um inferno de pesadelo para o desesperado Fabian, e embora nunca estejamos exatamente torcendo para o vigarista espalhafatoso, somos arrastados para sua situação de pânico do mesmo jeito. - Matt Goldberg

Sunset Boulevard (1950)

Você não pode olhar para noir sem olhar para Sunset Boulevard . Billy Wilder , mais uma vez definindo o gênero, usa as convenções do gênero para contar uma história de Hollywood, visto que, embora o noir seja normalmente território de detetives e gangsters, ele funciona tão bem quanto ao contar a trágica história do estrelato esmaecido.

depois de amanhã data de lançamento da sequência

O filme começa com um começo ainda mais sombrio do que Double Indemnity como protagonista Joe Gillis ( William Holden ) flutua morto em uma piscina e depois, por meio de narração, conta como chegou lá. Tudo começa com ele sendo um roteirista esforçado que não consegue se recuperar e, em seguida, acaba contratando a ex-estrela do cinema mudo Norma Desmond ( Gloria Swanson ) O relacionamento deles dá voltas profundamente distorcidas e Norma se torna mais possessiva e dominadora e Joe, incapaz de encontrar uma saída, torna-se confuso em seu dedo, mas desesperado para escapar.

Há tantas coisas brilhantes em Sunset Boulevard , não apenas nos tropos noir padrão sobre ambição fracassada e figuras trágicas, mas também especificamente em relação a Hollywood e como ela trata atrizes mais velhas, o desespero para permanecer no centro das atenções e as bolhas hermeticamente seladas que mantêm a realidade longe. É um filme que realmente tem de tudo, inclusive uma piscina. - Matt Goldberg

The Prowler (1951)

Joseph Losey ( O Servo) poderia ter liderado uma revolução cinematográfica paralela Nicholas Ray em Hollywood se ele não estivesse na lista negra. Roteirista Dalton Trumbo também foi colocado na lista negra após este filme, tornando The Prowler um dos mais importantes lembretes de como o macarthismo era tolo e como ele roubou a indústria de alguns grandes cineastas. Losey foi para o Reino Unido para trabalhar e nunca mais voltou para os EUA e o ponto sem volta, para não ser empurrado e voltar para o seu agressor, é apropriado para ambos The Prowler , noir em geral e a resposta de Losey a Hollywood.

The Prowler é noir, mas tem elementos de terror. Você pode ver a influência de usar a câmera como um observador que viria a influenciar Psicopata e Espiando Tom quase uma década depois. Mas há um horror extra na possessividade dupla de dois homens. Um que ouvimos no rádio enquanto o disc-jóquei exige sua esposa ( Evelyn Keyes ) escute e não saia porque não confia nela. Ele assina assustadoramente suas transmissões com a frase: 'Vejo você, Susan'. Quando ela é espionada em seu chuveiro, ela chama a polícia e um dos policiais de resposta ( Van Heflin ) começa a visitá-la, já que conhece sua programação. O tempo de Susan não é dela, é gasto se escondendo de seu marido com outro homem que se excita com a confiabilidade de sua solidão e ela fica presa porque seu marido vai perguntar a ela sobre a transmissão (e não sobre o dia dela, o que há para perguntar?) .

Quando a policial Garland (Heflin) decide encenar um cenário de espionagem quando seu marido está em casa, é mais uma tentativa de obter controle total sobre Susan, eliminando seu marido. Em Susan, temos as primeiras impressões digitais do horror à invasão de uma casa. E em Officer Garland, há um pouco de paranóia que se espalha pelos filmes da Guerra Fria, o medo de ser usado como bode expiatório / descoberto, apesar de 'não ser pior do que ninguém'; todos enganam o sistema, mas precisam de uma pessoa para cair por todos os outros pecados. E os maníacos levam essas desculpas de 'todo mundo' ainda mais longe. A conversa sobre sua carreira / educação fracassada no basquete universitário é fundamental aqui, conforme a América começou a dar aulas que nunca haviam recebido um diploma universitário, a ultrapassagem de Garland com seu treinador o tira do sistema do New Deal e aumenta seu medo de ser deixado para trás, cortado do New Deal.

Este começo espiando é anterior Janela traseira , Psicopata e Espiando Tom , mas é um McGuffin clássico. O rastejador não é o vagabundo que nos dá o ponto de vista de Susan tomando banho, mas é o homem que conhece os horários de uma mulher solitária e pode manipulá-los a seu favor. - Brian Formo

The Big Heat (1953)

Fritz Lang A última obra-prima de também foi a mais furiosa. The Big Heat é um filme de caça e cheirada de cão de caça. Segue um policial ( Glenn Ford ) cuja esposa foi assassinada e ele não reúne evidências enquanto reúne todas as suas suposições em um punho e vai atacar todos. Este é um precursor fabuloso para À queima-roupa e não só porque Lee Marvin está aqui jogando uma caneca de café na caneca de uma mulher; é fogo ardente com alguns diálogos profundamente cortantes.

De muitas maneiras, você poderia dizer que o filme noir estava mudando para isso, testando sua consciência para perseguir essas emoções. The Big Heat é um desabafo completo enquanto a polícia e a máfia se entrelaçam e nosso executor desonesto é tão implacável quanto aqueles que ele procura. Noir já focado em anti-heróis, mas The Big Heat pode ser nosso primeiro neo-anti-herói que se tornou comum nos filmes de exploração dos anos 60 e 70. - Brian Formo

Kiss Me Deadly (1955)

Se os melhores filmes noirs são um reflexo grotesco de nossas ansiedades, Robert Aldrich 'S Me beije com vontade é o filme mais tóxico dos anos 1950 já feito. Muito antes Pulp Fiction A pasta 666 brilhante, Mortal tomou O falcão maltês McGuffin à beira da aniquilação com uma mala que é quente demais para tocar porque pode muito bem conter os ingredientes de uma bomba atômica.

O filme começa com uma mulher frenética ( Cloris Leachman ) que está em uma rodovia remota vestindo um sobretudo e nada por baixo e conta a história de um enorme plano de saúde mental no carro do smarmy detetive ( Ralph Meeker ) que a pega na berma da estrada. Quando ela é torturada até a morte enquanto ele está inconsciente, o detetive embarca para descobrir a verdade do 'grande que é isso.' Me beije com vontade é essencialmente o Repo Man dos anos 50, totalmente em sintonia com a desconfiança daqueles que deveriam nos proteger, mas também poderiam nos matar a todos. O poder de proteger e o poder de destruir são os mesmos na visão de mundo noir de Aldrich. - Brian Formo

Touch of Evil (1958)

Orson Welles aberto Toque do mal com a cena mais elaboradamente complexa da época. Russell Metty A câmera se move de um close-up para uma bomba-relógio e, em seguida, é lentamente levantada por um guindaste que localiza Charlton Heston enquanto ele vagueia por uma rua mexicana, se perde na multidão e na infraestrutura e depois emerge novamente para se beijar Janet Leigh ao mesmo tempo, ocorre uma explosão. O movimento do guindaste é gracioso e o design de produção é impecável, mas a magia do tiro é intensificada mostrando a bomba primeiro, porque inconscientemente obriga o público a seguir e reencontrar Heston assim que ele está estabelecido depois de ver a bomba. Quando o encontramos em seu carro com Leigh, o guindaste baleado impressionantemente segue por um longo período e desce suavemente até o nível do solo quando os pombinhos param na cidade. Há algo de voyeurístico em rastreá-lo também, há uma suspeita que Welles quer que você sinta, mas não há evidências. O beijo, é claro, é a alegria da vida no momento exato em que a morte chega perto.

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Toque do mal é um filme impecável e mostra, assim como o terror é agora, que o gênero é um campo fértil para novas técnicas cinematográficas. Welles, claro, fez isso antes com a cena do carnaval do corredor dos espelhos em A senhora de Xangai , mas Toque do mal é um filme mais completo fora daquela famosa explosão de tiro. - Brian Formo

The Long Goodbye (1973)

Robert Altman descreveu sua opinião sobre Philip Marlowe como sendo semelhante a “Rip Van Winkle”. Deve acontecer logo após os eventos de O grande sono , exceto Marlowe de Bogart realmente dormi um pouco e acordei quase 30 anos depois, Elliott Gould , que drolly cambaleante por uma estranha nova existência.

O longo adeus começa com uma gloriosa imagem de Marlowe fechando os olhos, sendo acordado por seu gato faminto e indo para a cozinha para alimentá-lo. O patife olha para sua tigela de comida e - totalmente insatisfeito - continua a miar para deixá-lo saber que ele não está realmente interessado nessa mesma merda de sempre (apimente, meu homem!). Marlowe sai de seu apartamento para ir ao supermercado comprar comida de gato nova, e ele encontra vizinhos de ioga nus em sua varanda que querem um pouco de mistura de brownie do supermercado também. Marlowe dorme passando por gato e mulher, mas atende seus pedidos. Na loja, eles não têm a marca de que seu gatinho mais exigente gosta e o funcionário mais próximo diz a Marlowe que toda a comida de gato tem o mesmo gosto. A resposta de Marlowe, 'Você não tem um gato.' A resposta do lojista? “Para que eu preciso de um gato? Eu tenho uma garota.' Marlowe murmura: 'Ele tem uma menina, eu tenho um gato.'

O gato é nossa introdução a Marlowe. Isso o acorda de seu sonho. Altman diz que o sonho era o cara durão noir de Chandler e a indústria cinematográfica de outrora. Este Marlowe acorda 30 anos depois, em um local bizarro onde belezas relaxantes agora são belezas nuas do ioga que podem ser independentes dos homens. Onde os pássaros não ditam as coisas, os gatos o fazem. E onde as pessoas querem coisas menos importantes de um detetive: não, consiga algumas fotos de um marido traidor, mas consiga uma mistura de brownie e um pouco de comida de gato deliciosa! O longo adeus é uma desconstrução do filme noir, atualiza todos os tropos dos anos 70 e mantém aquela distância noir adequada das normas sociais. Philip Marlowe finalmente conseguiu dormir um pouco e os tempos mudaram - Arnold Schwarzenegger está aí! - Brian Formo

Chinatown (1974)

Chinatown foi rotulado por muitos como o melhor roteiro já escrito. Bem como Ellroy faria por seus romances, Robert Towne incluiu eventos históricos reais que noir nunca realmente fez para colocar seu mistério em uma realidade de paranóia. O roteiro de Towne usa as guerras da água de Los Angeles - uma decisão polêmica de sugar água de um vale ao norte para alimentar Los Angeles em extensões de terra que indivíduos ricos compraram, tudo como um terreno para cultivar e sustentar Los Angeles em meio ao enfraquecimento de pequenas comunidades agrícolas quem perderia aquela água - como pano de fundo para um mistério dos anos 1940.

A verdadeira guerra da água aconteceu em 1913, mas o cenário dos anos 1940 não apenas define Chinatown dentro do período clássico dos filmes noirs mais frequentes de Hollywood, também fornece um cenário de um período de tempo em que a desconfiança em relação aos funcionários do governo estava emergindo. A guerra para acabar com todas as guerras acabara de ser travada e a promessa da América - e particularmente de Los Angeles - estava sendo vendida como um cartão-postal insustentável. Isso é muito semelhante a L.A. Confidencial A sequência de crédito de abertura de 'problemas no paraíso', onde foi declarado abertamente, mas é tudo subtexto em Polanski romano 'S filme.

Como muitos grandes filmes noirs, assistir ao filme mais de uma vez é extremamente gratificante. Mas Chinatown A tragédia de é mais pessoal. A primeira vez que você vê, você fica maravilhado com Jack Nicholson A nova visão de Humphrey Bogart papel de PI solitário. A segunda exibição é devastadora por causa de Faye Dunaway. Ela tem um segredo que promove a ideia de que os ricos e poderosos são muito poderosos que as leis e a decência não se aplicam a eles. E essa verdade feia é o verdadeiro “problema no paraíso”. - Brian Formo

Blood Simple (1984)

O Irmãos Coen reimaginaram o noir muitas vezes, mas sua estreia no cinema impecável, Blood Simple , compartilha o mais em comum com o clássico noir. Enquanto Fargo envolve um esquema de sequestro e detetives que podem enganá-lo e O grande Lebowski é um riff distanciado do stoner sobre o gênero (talvez mais em linha com as primeiras comédias policiais de O homem magro série, exceto com muito mais piadas sobre coito), Blood Simple é uma desconstrução da configuração noir clássica.

Um homem ( E Hedaya ) contrata um sapateiro ( M. Emmet Walsh ) para descobrir se sua esposa ( Frances McDormand ) o está traindo. Quando isso for confirmado, o dito gumshoe deve matá-la.

A maneira pela qual os Coens atualizam e quebram o gênero antigo é tornando o pau privado um pau de verdade. Ou, melhor dizendo, eles essencialmente o tornam um monstro da velha escola do Universal Studios. Walsh está além do anti-herói, pois ele não é um herói. Ele é um exterminador que se deleita com o caos e sai com mulheres menores de idade. Seu trabalho é feio e ele o torna ainda mais feio. É por isso que ele faz isso, ao que parece. Há um cerco a McDormand que fecha o filme que parece um filme de terror, mas é filmado (por um pré-diretor Barry Sonenfeld ) como um filme noir clássico. É tudo sobre quebrar lâmpadas e porquinho, porquinho, deixe-me entrar. - Brian Formo

Vice inerente (2014)

Paul Thomas Anderson ' adaptação de Thomas Pynchon É imensamente traçado Vício inerente é um cartão postal do sol se pondo na Califórnia. O movimento hippie está diminuindo, os magnatas do mercado imobiliário estão expulsando as comunidades negras e Reagan fechou todas as instituições de saúde mental, abrindo caminho para que instituições privadas de babá de luxo ocupem seu lugar. É a divisão dos que têm dos que não têm.

Eu entendi tudo isso desde a primeira vez que assisti a Inherent Vice? Não. Na primeira visão, o mistério parecia uma locomotiva que eventualmente se afastou de mim porque eu estava tentando acompanhá-la. Foi um contato alto que passou. Doc ( Joaquin Phoenix ) está investigando uma pista sobre um magnata do setor imobiliário desaparecido ( Eric Roberts ), foi dado por seu ex ( Katherine Waterson ), que agora também está desaparecido.

Muito parecido O grande sono , há tanto enredo aqui, mas Anderson está mais interessado nos momentos que existem entre o enredo real: a festa da pizza da banda de rock, o dentista coked ( Martin Short ), e todos os modos de vida excessivos que confundem nosso simples investigador particular. A segunda visão pareceu uma deriva majestosa que me levou para o mar. Siga o conselho: deixe Vice lavar sobre você. Warner Brothers (o mesmo estúdio que lançou O grande sono quase 70 anos antes) me amará por dizer isso: veja Inherent Vice duas vezes. É um filme esplendoroso. - Brian Formo