Os 21 melhores filmes de terror dos anos 1970: um retrospecto de uma das melhores décadas de terror

Vamos olhar para trás, para o constrangimento da riqueza que foi o cinema de terror dos anos 70.

A década de 1970 é indiscutivelmente a década mais frutífera e consistentemente excelente para o cinema de terror. Claro, esse argumento poderia ser o de estender esse período de tempo para o cinema como um todo, e talvez seja por isso que os anos 70 forneceram o terreno fértil para tantos dos maiores autores do gênero, franquias duradouras e criações arrepiantes singulares que alteraram e definiram o curso de filmes de terror para uma faixa que permanecem até hoje. Mas se foi uma época de revolução cinematográfica, foi também uma época de convulsão cultural.



Foi uma época em que a mentalidade na América se obscureceu significativamente em relação ao otimismo do amor livre dos anos 60. Em seu lugar, surgiu uma dura sensação de realidade. Os horrores da guerra do Vietnã haviam se infiltrado na atmosfera nacional, tanto intimamente nas casas de milhões de homens e mulheres que serviram, quanto em uma escala maciça, onde as imagens horríveis da guerra eram constantemente transmitidas pelo rádio. As tensões raciais chegaram ao auge em resposta à revolução social do movimento dos Direitos Civis. Nixon, Watergate, aumento das taxas de criminalidade ... Os cinéfilos americanos enfrentavam o terror e as lutas da vida real diariamente e, como resultado, não eram mais movidos para o terror por imagens góticas, monstros clássicos ou retratos de personagens danificados e insanos. Ao mesmo tempo, os censores americanos abriram as comportas do imaginário violento, resultando em uma estética emergente de realismo e violência visceral sangrenta que cortou até o osso.



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Mas a América não foi a única nação experimentando e expandindo seu vocabulário de terror. No exterior, a Europa também estava alcançando novos patamares cinematográficos com sua produção de gênero. Talvez o mais famoso é que as emoções horríveis e os mistérios compactos do movimento italiano Giallo estavam no auge. Na Grã-Bretanha, Hammer continuou a entregar um fluxo constante de monstruosos arrepios na espinha na última década de produção em massa do estúdio, enquanto produtos menores e mais esotéricos também chegaram ao público. A Espanha também teve um movimento de terror excepcional, apesar de ainda estar sob o domínio de um ditador fascista pela primeira metade da década.

Basicamente, em qualquer lugar que você olhe na década de 1970, verá o nascimento de diretores lendários, movimentos cinematográficos em pleno andamento e filmes de terror de primeira linha à medida que uma geração de cineastas empurrava e cutucava os limites do gênero. Explorando as infinitas permutações da alegoria do subgênero, esses cineastas aproveitaram ao máximo as oportunidades ilimitadas de autoexploração, comentários sociais e boas e antigas meditações sobre a mortalidade e a condição humana. E eles cobriram tudo com sangue, sujeira e vísceras.



Confira 21 dos melhores absolutos de uma década brilhante abaixo e, para listas adicionais, confira nosso resumo do melhores filmes de terror dos anos 80 e dos anos 90 .

O massacre da serra elétrica do Texas (1974)

Tobe Hooper O filme do segundo ano é uma desconstrução brilhantemente contundente da mortalidade humana que nos força a confrontar a realidade de que somos todos, menos carne e osso, correndo em direção ao momento inevitável em que deixamos de ser qualquer coisa, exceto um cadáver em decomposição. É brutal e básico, e essa eficiência implacável é o que o torna um relógio tão cansativo e enervante até hoje. O que mais, O massacre da Serra Elétrica do Texas deleita-se com a realidade de que a morte não tem simpatia, não se importa com quem você é - robusto e forte, jovem e bonito, de boa índole, gentil, fraco, manso, capaz ou deficiente - a morte vem para todos nós.

A configuração é simples e está tudo no título, um grupo de bons garotos faz um desvio no Texas onde são massacrados um a um, às vezes com uma serra elétrica. É uma entrada que define o gênero no horror do sertão, um ataque implacável de carnificina que invoca marretas e ganchos de carne e, é claro, motosserras como instrumentos de violência horrível e depravação. É quase feio e eficaz demais para ser realmente 'apreciado', um pouco como encarar o pior cenário subjacente aos medos mortais inerentes à humanidade, mas é uma conquista inegável do gênero de terror que evoca o terror com tais eficácia e agressão que possui uma eficácia incessante.



Não olhe agora (1973)

Nicolas Roeg de Não olhe agora é um dos filmes de terror mais emocionalmente devastadores, assustadores e sensuais já comprometidos com o cinema, e é o mais elegante que o terror pode ter. Uma meditação sobre luto, perda e mortalidade com base na linhagem literária de Daphne Du Maurier , Não olhe agora une os incríveis talentos de Donald Sutherland e Julie Christie na história de um casal que se muda para Veneza na esperança de ser curado após a trágica morte de sua filha. Mas, assim que chegam, encontram um médium idoso que traz o aviso de mais uma perda trágica que aparentemente não podem evitar.

Existe uma qualidade no luto que acentua tudo na vida; cada respiração, cada batida, até mesmo a quietude se torna intensificada em um mundo que de alguma forma parece re-iluminado e refeito pelo fogo do sofrimento. Não olhe agora puxa de um feito incrivelmente raro, capturando aquele imediatismo desesperado. Em seguida, ele o usa para atormentar você por meio de um medo quase inconsciente que se desenrola à medida que o filme mistura presente, futuro e passado para evocar paralelismo e suspeita do predeterminado em uma cadência agonizante em direção ao sobrenatural. Roeg usa metáforas visuais e dicas sutis de desgraça iminente para arrastar o espectador para as profundezas da culpa e do desespero, criando um casamento improvável, mas contínuo entre drama doméstico total e sustos sobrenaturais e, finalmente, juntando as peças até que formem uma imagem de comovente , horror de partir o coração.

Alien (1979)

Ridley Scott O terror gótico carregado de sexo no espaço é um filme de ficção científica perfeito. E um filme de terror perfeito. E inferno, eu vou dizer isso, apenas um filme perfeito. Scott usa a narrativa básica seguindo a tripulação do Nostromo, uma expedição espacial malfadada, enquanto eles se deparam com o predador mais mortal da galáxia, o H. R. Giger projetou Xenomorph e o infunde com manifestações hiper-violentas de imagens que invocam a violação sexual, os perigos biológicos da gestação e do nascimento, todos os tipos de ansiedade sexual.

Ian Holm O ciborgue secreto de Ash, que abriga terrores tecnológicos próprios, descreve o Xenomorph como um 'organismo perfeito. Sua perfeição estrutural é igualada apenas por sua hostilidade. ” O mesmo pode ser dito do filme de Scott, que é um exercício de puro terror, criado tão especificamente com a intenção de evocar o pavor de que cada camada da construção do filme funcione em direção a esse objetivo fixo. Os designs esteticamente bonitos, mas intrinsecamente perturbadores de Giger, E O'Bannon O roteiro habilmente ritmado, as performances naturalistas e perfeitas do elenco (lideradas por uma virada que definiu a carreira de Sigourney Weaver ), e o dom de Scott para distorcer a tensão e o medo em cada momento entre as aparições em constante evolução do Xenomorph - cada elemento individual do filme funciona em conjunto para empurrar o público ainda mais em seu medo. E cada vez que o alienígena assassino aparece, salta ou corre para a tela, sua presença corta como uma faca, transformando a dor persistente do mal-estar em um terror agudo e penetrante.

The Tenant (1976)

Talvez não seja surpreendente que um cineasta que sofreu tão prodigiosamente Polanski romano (e cometeu seu próprio pecado imperdoável ao confessar o estupro de uma garota de 14 anos) é mais capaz de conjurar o escorregadio domínio humano sobre a identidade e o temível ataque sensorial de cair na loucura. Para O inquilino , Polanski se apresenta como Trelkovsky, um homem manso que se muda para o apartamento onde uma mulher, Simone, recentemente tentou o suicídio. Fascinado com o que a levou a tentar tirar sua própria vida, e ficando aquém da pressão altista da sociedade para se conformar, Trelkovsky começa a deslizar lentamente para a insanidade ao descobrir que está se identificando intensamente com Simone e perdendo seu senso de identidade.

Vou ser honesto, foi difícil para mim colocar Polanski nesta lista, uma única entrada na luta regular para separar a arte do artista, mas deixá-la de lado parecia insincero. O inquilino foi recebido com uma resposta mista da crítica quando estreou (Ebert é famoso por odiado ), mas como tantas vezes acontece, a verdade do tempo revelou que ele é um clássico inexorável da paranóia e da ameaça aterradora de se tornar um estranho para si mesmo em face da pressão constante da conformidade. À medida que o domínio de Trelkovsky sobre a realidade diminui, Polanski cria uma série de imagens desconcertantes que o arrasta com ele, bagunçando sua mente enquanto o enterra na estética de pesadelo primorosamente elaborada. O inquilino sente um sonho febril compartilhado entre Edgar Allen Poe e Franz Kafka , e pode muito bem ser o filme mais perturbador de Polanski.

Black Christmas (1974)

Antes Bob Clark tornou o Natal maravilhoso com a de 1983 Uma História de Natal , ele tornou isso aterrorizante com seu clássico de terror de 1974 Natal Negro . Muitas vezes mal atribuído como o primeiro filme de terror (você encontrará isso em outra parte desta lista), mas corretamente atribuído como um dos melhores de seu tipo, Natal Negro é elegante e sutil, mas um exercício extremamente eficaz na tensão. As estrelas do filme Olivia Hussey e Margot Kidder como duas irmãs em uma casa de fraternidade sitiada por telefonemas abusivos e pornográficos de um predador de voz rouca que se desenrola como um mistério de assassinato encontra a casa dos terrores. Quando os telefonemas obscenos se transformam em assassinato, Clark executa a violência com mão contida, permitindo que suas imagens efetivas façam o trabalho pesado com uma ocasional indulgência atrevida com as armadilhas do feriado - o favorito é quando um bando de cantores abafa os sons de A morte de Kidder por ornamento.

Black Christma s também é um dos raros assassinos que trata suas vítimas com total respeito, nunca as sexualizando abertamente e nunca as punindo por sua sexualidade presumida. Na verdade, a 'última garota' de Hussey não é apenas abertamente sexualmente ativa, ela está lutando contra sua decisão de fazer um aborto. E ela nunca foi penalizada por isso. Da mesma forma, o personagem de Kidder é cativante, apesar de ser um bêbado. Inferno, até a mãe da casa consegue ter uma personalidade. Do conceito à execução, Natal Negro é uma das entradas mais dignas do gênero slasher que parece ter sido feito para adultos em busca de emoção, em vez de adolescentes em busca de perversidade.

Dawn of the Dead (1978)

Madrugada dos Mortos pode muito bem ser o maior filme de zumbi de todos os tempos, embora lute em uma competição feroz com seu antecessor Noite dos Mortos-Vivos , a estonteante estreia em um longa-metragem com a qual George Romero sozinho inventou o moderno filme de zumbis como o conhecemos. Para sua sequência, Romero evitou a tentação de reformar um território familiar (uma qualidade que ele manteria para cada um de seus filmes subsequentes 'dos ​​mortos', mesmo quando eles se tornassem uma série de retornos decrescentes), abandonando os confins íntimos de uma casa para o extensões extensas (mas ainda confinadas) de um shopping center e trocando sua tristeza em preto e branco por uma paleta de cores saturada divertida.

Madrugada dos Mortos é uma sequência de terror em todos os sentidos, maior e mais sangrenta, mas mantém o compromisso de Romero em distorcer os comentários sociais, desta vez combatendo o consumismo americano. Também é embalado até a borda com o olho habilidoso de Romero para a violência visceral reproduzida com os efeitos sangrentos da velha escola de Tom Savini , o lendário artesão da carnificina que transplantou sua experiência como fotógrafo de combate no Vietnã para uma carreira dedicada à criação de pesadelos na tela por gerações. Como em todo o grande trabalho de Romero (e o melhor horror em geral), o derramamento de sangue atua como pano de fundo para um drama de personagem convincente, enquanto o grupo de estranhos em busca de refúgio no complexo comercial abandonado enfrenta o crescente conflito interpessoal conforme o mês passa neste refúgio seguro de um mundo apocalíptico enlouquecido. Romero dirige tudo com inteligência e empatia, e um olho inabalavelmente atento para quando largar o próximo grande susto.

The Wicker Man (1973)

Robin Hardy começou sua carreira rara e incomumente esparsa como diretor (ele fez três filmes ao longo de 45 anos) com sua magnum opus, O homem de vime . Mas ei, quando você fez um filme tão excepcional, talvez qualquer outro seja ganancioso. O homem de vime se aproxima de você. É sutil e sedutor, e seus segredos desagradáveis ​​são revelados com uma paciência de especialista, mas quando termina em seu destino final, vai deixá-lo enrolado em uma bola com uma náusea latente na boca do estômago.

Centrado na investigação do desaparecimento de uma jovem, O homem de vime segue Edward Woodward Seargeant Howie para um vilarejo em uma ilha remota da Escócia, onde ninguém está oferecendo respostas e as pistas nunca fazem sentido. Muito do filme não passa de terror, mas uma espécie de viagem jovial e vagamente misteriosa a uma sociedade peculiar onde o ritual pagão reina supremo sob a liderança benevolente do governante da ilha, Lord Summersisle (um local perfeitamente utilizado Christopher Lee ) Anthony Schaffer O roteiro de é uma subversão perversamente inteligente da expectativa, e Hardy nutre a tensão de ebulição lenta com todo o seu valor, cautelosamente dando dicas do mal que se esconde por trás do artifício do charme folclórico coroado por flores. Assim que o enigma for resolvido, você desejará que não tivesse sido, assistindo ao show de terror predestinado enquanto você fica indefeso ao lado do herói, incapaz de impedir que o destino sombrio se desenrole. O homem de vime é emocionante e assustador; uma versão completamente incomum do terror

Jaws (1975)

Creditado por ter inventado o blockbuster de verão, Stephen Spielberg de mandíbulas não é apenas um gigante do horror, mas do cinema como um todo, e pode muito bem ser a maior conquista no embaraço das riquezas que é a carreira de Spielberg. Cada elemento do filme funciona como um relógio perfeito, mas tem tanta humanidade que é como se aquele relógio fosse operado sozinho por um gênio louco com domínio sobre cada engrenagem e parafuso. Esse gênio louco é, claro, Spielberg, que dirige Peter Benchley e Paul Gottlieb a adaptação com roteiro do romance de sucesso de Benchley com um compromisso perfeitamente estruturado com a substância em vez de sustos fáceis. Spielberg exige um desempenho tremendo de todo o elenco, mas principalmente do trio principal de Roy Scheider , Richard Dreyfuss , e Robert Shaw , dando aos personagens o cuidado e a atenção que eles merecem para garantir que, quando nossos heróis se enfrentarem contra o monstruoso grande branco, o público fique boquiaberto na beira do set em uma expectativa ansiosa.

mandíbulas é um clássico genuíno, uma aventura cinematográfica duradoura que nunca perde seu efeito. Eles dizem que a necessidade é a mãe da invenção, e Spielberg lutou contra 'Bruce', o tubarão não confiável no set que o forçou a reavaliar e usar a besta gigante com moderação - um movimento que faz de sua grande aparição um ás na manga quando o filme finalmente cumpre a promessa da enorme besta primordial. mandíbulas fará com que você estourar o estômago um momento antes de torcer essas entranhas em um suspense e horror intoleráveis ​​no próximo, muito daquele terror inerente graças a John Williams 'pontuação inovadora. Um filme sobre um tubarão gigante não tem negócios tão excelentes, mas o que Spielberg e companhia. arrancar desse conceito básico é um tremendo drama de personagens que coloca os heróis espetacularmente representados contra o maior antagonista de todos, aquela vadia mãe natureza. E é a prova inabalável de que Spielberg é uma força da natureza tão feroz quanto qualquer uma das maravilhas que você encontrará em seus filmes.

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O Abominável Dr. Phibes (1971)

O Abominável Dr. Phibes é um delicioso refrigerador Grand Guignol que combina humor atrevido com momentos tranquilos de terror de fazer o estômago embrulhar e coloca o inimitável ícone do terror Vincent Price para trabalhar em um de seus papéis mais memoráveis. Como o Dr. Phibes titular, Price cria um vilão fenomenal, completamente desprezível, mas apenas simpático o suficiente para nos levar através de sua missão equivocada de vingança. Considerado morto em um terrível acidente de carro, o Dr. Phibes está terrivelmente desfigurado e decidido a desferir uma vingança assassina à equipe de médicos que considera responsável pela morte de sua esposa na mesa de operação. Inspirado pelas pragas bíblicas, o Dr. Phibes inflige horrores inventivos às suas vítimas, às vezes humorísticos - veja a máscara de mascarada esmagadora de crânios que ele usa para despachar o 'psiquiatra' vou ter que me dizer) - e às vezes perturbador - ver a morte prolongada por sangramento que é absolutamente arrepiante.

Com um floreio Art Déco, O Abominável Dr. Phibes é propenso a momentos de ostentação exagerada. Dr. Phibes executa opus sinistros em seu órgão interno, entrega monólogos através de uma boca imóvel e está sempre acompanhado por sua bela assistente muda, Vulnavia ( Virginia North ), que toca violino como pano de fundo para os atos horríveis do Dr. Pibes e tem uma dedicação determinada aos chapéus de pele. Subdiretor Robert Fuest orientação de, O Abominável Dr. Phibes atinge um acorde encantador entre horror e humor com Price servindo como o maestro perfeito.

The Omen (1976)

No que diz respeito aos clássicos thrillers satânicos, O pressagio classifica-se lá em cima com O Exorcista e Bebê de alecrim como um dos melhores do gênero, embora seja reconhecidamente mais baseado em emoção e menos introspectivo do que seus antecessores. O pressagio estrelas o extraordinário Gregory Peck , que traz uma gravidade inerente a qualquer projeto que toca, como um embaixador americano que começa a suspeitar que pode estar levantando o Anticristo. Os talentos de Peck são comparados atrás da câmera pelo extraordinário que agrada ao público

Os talentos de Peck são comparados atrás da câmera pelo extraordinário que agrada ao público Richard Donner - sim, o diretor por trás Arma letal e Super homen também fez um dos grandes clássicos do terror - que cria um cenário engenhoso após o outro. A babá se enforcando alegremente na festa de aniversário de Damien, a criança sinistra girando a toda velocidade para bater é a mãe do corrimão do segundo andar, o padre lançado do alto por uma torre de igreja - cada morte inventiva se tornou um momento de iconografia de horror , e sua execução rápida cria um filme ensinado e cheio de tensão que nunca diminui o ritmo. O pressagio nunca aspira pelo medo que perscruta a alma, e não é necessário quando sua forma e função se fundem de forma tão eficaz para criar uma viagem de emoção tão consumada, envolvente e propulsora.

A Bay of Blood (1971)

Um dos melhores e mais formadores diretores do subgênero Giallo, Mario bava vinha produzindo thrillers de terror de primeira linha por uma década quando ele dirigiu Uma baía de sangue (alternadamente intitulado Contração do nervo da morte e Última Casa à Esquerda Parte II, entre muitos outros). Porque este mundo é leve na justiça, talvez seja mais conhecido agora como o filme que inspirou fortemente os inferiores Sexta feira 13 e o surgimento do subgênero destruidor em geral. Isso não é para menosprezar Sexta feira 13 , que cristalizou admiravelmente Uma Baía de Sangue ' Os elementos mais sinistros em sua forma mais pura de terror, mas considerá-lo “aquele filme que inspirou Sexta-Feira 13” é subestimar o complexo e descarado mistério do assassinato de Bava.

Centrado em torno de um conjunto guerreiro de membros da família dispostos a fazer o que for preciso para garantir sua herança, Uma baía de sangue mantém o público em dúvida ao longo do filme, estabelecendo a imprevisibilidade da primeira cena brilhante. O filme começa com o assassinato de uma velha pelas mãos de um homem misterioso em luvas pretas, apenas para girar as expectativas em suas cabeças quando esse mesmo homem é imediatamente assassinado por um segundo assaltante misterioso. Ao todo, há cinco assassinos em Uma baía de sangue , cada um tão criativo e implacável quanto o outro, e Bava consegue orquestrá-lo de uma forma que nunca é confusa. É essencial para qualquer fã do gênero slasher, o padrinho acidental inteligente do gênero visceral simplista que o seguiu, e é um dos melhores esforços de uma voz lendária do terror italiano.

Eraserhead (1977)

David Lynch é o campeão indiscutível do surrealismo cinematográfico moderno e ele consolidou esse status imediatamente com sua estreia no cinema Eraserhead . Concluído ao longo de cinco anos, Lynch descreveu o filme como um 'sonho de coisas sombrias e perturbadoras 'e isso é bastante preciso. Mas é mais um pesadelo do que um sonho, e essas coisas sombrias e preocupantes tendem a girar em torno do medo do casamento, da paternidade e dos papéis pré-atribuídos da sociedade, misturados com uma paranóia biológica doentia. Através da habilidade de Lynch, Eraserhead é tão bonito quanto é nojento, um sonho febril preto e branco e um ataque sensorial de texturas e som ambiente sinfônico.

Mas para todos Eraserhead É uma realização técnica, uma peça lendária do cinema porque nunca é mais confusa do que envolvente. QuandoHenry ( John Nance ) descobre que um caso antigo resultou no nascimento de umverme, semelhante a lagartomalformidadecuja fome é tão interminável quanto seus gritos, sua vida é virada de cabeça para baixo em uma série de visões e tangentes inquietantes onde cada indulgência prepara uma armadilha para mais terrores. Lynch prova um comando emocional notável com sua capacidade de obter simpatia pela criatura patética e pútrida que permanece ali durante todo o filme como um nervo em carne viva e uma fonte constante de agitação. Eraserhead é uma força de visão singular, com Lynch servindocomo diretor, produtor, escritor,editore designer de som, ecomo resultadoele desdobra horrores singulares que desafiam a categorização de gênero e anuncia o surgimento de uma das vozes mais enervantes e sedutoras do cinema.

Zombie 2 (1979)

Zombie 2 (lançado sob o título Zumbi na América) carrega a estranha distinção de carregar um título com um '2' sem realmente ter uma primeira parcela. Foi anunciado como uma semi-sequência de George Romero de Madrugada dos Mortos (que foi intitulado Zumbi na Itália), mas além dos efeitos zumbis espetaculares, os dois na verdade têm muito pouco em comum, nem narrativa nem tonalmente. O filme segue Anne Bowles ( Tisa Farrow ), uma jovem que parte para uma ilha remota para ajudar seu pai doente, sem saber que a terra está sob uma maldição vodu que traz os mortos de volta à vida.

Dirigido por Giallo maestro Lucio Fulci , Zombie 2 não traz nenhum comentário social ou drama de personagem com nuances de seu antecessor comercializado, mas o que falta em pedigree, compensa em elegância estilística e ação de zumbi de primeira classe. Isso, e uma luta de zumbi contra tubarão, que se formos completamente honestos, pode ser a engenhosa arma de fogo que acertou Zombie 2 nesta lista. É o melhor filme de zumbi da época de ouro do horror gloriosamente frutífero da Itália, mas mesmo assim, Zombie 2 é basicamente lixo de zumbis. No entanto, é o melhor lixo - no topo da pilha - e possui alguns dos conjuntos de zumbis mais criativos e perfeitamente renderizados de todos os tempos (zumbi vs tubarão é o melhor, mas não é o único). E faz isso com efeitos de maquiagem extraordinários que não apenas resistem ao teste do tempo, mas pelo meu dinheiro, correspondem ao catálogo de arte zumbi de seis anos que é Mortos-vivos . Zombie 2 não é profundo, mas nada brilhantemente nas águas rasas.

Carrie (1976)

Com Carrie , Brian De Palma pegou um de Stephen King As histórias mais enxutas de, fundiram-nas com sua estética de alto estilo e criaram uma obra-prima de terror sobre os perigos do abuso que faz seu estômago embrulhar com o conhecimento certo e inevitável de que tudo isso vai acabar muito mal. Embora o estilo característico de De Palma e o dom para o mal-estar paranóico façam seu constructo arrepiante se destacar, ele foi construído sobre dois pilares de tremenda força nas performances indicadas ao Oscar de Sissy Spacek como o telepata púbere titular e Piper Laurie como sua mãe horrivelmente piedosa, que protegeu e atormentou sua filha para uma vida de solidão rejeitada e ingenuidade paralisante.

Quando Carrie fica menstruada, sem saber o que está acontecendo ou o que isso significa, ela é brutalmente intimidada pelas meninas no vestiário da escola, que se unem no tipo especial de feio que vem do pensamento do grupo, gritando e jogando absorventes internos nela enquanto ela grita , chora e estremece nua nos chuveiros públicos. Sobrecarregado pela culpa, Sue Snell ( Amy Irving ) recruta seu namorado Tommy (um leão com juba William Katt ) para levar Carrie ao baile, aparentemente um sonho que se tornou realidade que se transforma em um pesadelo febril quando os valentões da escola atacam novamente, mais cruéis do que nunca. Enquanto o sangue daquele porco chove iconicamente sobre a felicidade de curta duração de Carrie, eles condenam seus colegas a uma morte violenta quando o trauma desencadeia toda a força de suas habilidades telepáticas em uma explosão mortal de raiva. Como Carrie, Spacek é requintada, e você sente uma dor carinhosa pelo sofrimento de toda a vida dessa pobre garota - até que ela se rompe, e você não sente nada além de terror enquanto ela contorce o mundo ao seu redor em uma paisagem infernal com um olhar esbugalhado e uma imobilidade arrepiante . É uma das melhores adaptações de King de todos os tempos, mas também é um produto completo do floreio estilístico da marca registrada de De Palma e um testemunho do dom do diretor de levar todos os gêneros ao sol e transformá-los em um exercício doentio de ansiedade.

The Hills Have Eyes (1977)

Autor de terror Wes Craven fez uma estreia surpreendente e contundente em 1972 Última Casa à Esquerda (que ganharia seu próprio lugar nesta lista se fosse cerca de dez entradas mais), uma exploração profundamente sombria e esmagadora do tormento cíclico da violência. Wiith As colinas têm olhos , Craven pegou seu talento comprovado para representações destruidoras de sadismo e acrescentou uma dose saudável de construção de mundo. As colinas têm olhos explora nosso medo inato do forasteiro e as consequências (figurativa e literalmente) de uma sociedade que fecha os olhos para os monstros que criou, enquanto continua as meditações de Craven sobre os custos corrosivos da ação violenta.

Seguindo a grande e obscena família Carter em uma viagem pelo deserto off-road da Califórnia , As colinas têm olhos opõe a unidade semi-disfuncional a um clã totalmente disfuncional de canibais que chamam de lar o terreno perigoso. Mesmo agora, quase quarenta anos após seu lançamento, As colinas têm olhos permanece genuinamente perturbador por sua vontade ultraviolenta, violenta e maldita de ir para a garganta, enquanto as duas famílias estão travadas em uma guerra em que o vencedor leva todas - bem, pelo menos, todas as partes do corpo e as que amam conseguir segurar. É um choque polpudo no seu melhor absoluto e, sob a direção confiante de Craven, cada perda torce a faca um pouco mais fundo com um traço doentio de crueldade que desmente o famoso cineasta de bom coração por trás disso.

The Brood (1979)

Pelo meu dinheiro, David Cronenberg , ele dos horrores corporais mais horríveis, não alcançou o auge de sua arte até sua escalada nos anos 1980, mas na década anterior ele entregou três delícias de terror inquietantes e tortuosas; Arrepios , Raivoso , e The Brood . É o último deles, apresentado apropriadamente na virada da década, quando o domínio de Cronenberg dos terrores fisiológicos e psicológicos realmente começou a emergir. Aqui nós vemos os estágios iniciais da estética esperta e sci-fi que Cronenberg adotaria em vez da sensação de grindhouse de seus primeiros filmes.

Encenado como um comentário sobre o frio custo do divórcio e a lamentável ineficiência da psiquiatria, o filme segue Art Hindle como Frank Carveth, um homem determinado a descobrir os meios peculiares de tratamento psiquiátrico de sua ex-esposa ( Samantha Egger ) está recebendo nas mãos do praticante pouco ortodoxo Dr. Hal Raglan (o sempre bem-vindo Oliver Reed ) e suas tentativas desesperadas de proteger sua filha ( Cindy Hinds ) Ao mesmo tempo, horríveis malformidades infantis encapuzadas estão assassinando as pessoas mais próximas da família. Cronenberg constrói o mal-estar em um ritmo constante, irrompendo ocasionalmente em chocantes ataques de violência, mas deixando o melhor (leia-se: mais perturbador) para o final em uma revelação que é essencialmente cronenbergiana (ou Cronenbergundian, como ele prefere). Uma combinação picante de terrores biológicos e espirituais - adequada para uma história sobre a maternidade corrompida - The Brood é um excelente exemplo dos horrores idiossincráticos que brotam de uma mente tão singular como a de Cronenberg.

Suspiria (1977)

Dario Argento A obra-prima é um sonho febril em tecnicolor de violência extravagante e design de produção operística que representa possivelmente a encarnação definitiva da estética de Giallo - rica, suntuosa e frenética - um filme que você experimenta tanto quanto assiste. Junto com a incrível conquista que é Vermelho escuro (que lutou com unhas e dentes em minha mente por este lugar na lista), falta de ar cimentou Argento como o santo padroeiro de Giallo e um dos maiores cineastas de terror.

O filme segue uma jovem dançarina de balé americana no exterior, em uma prestigiosa academia de dança alemã, onde ela descobre um antigo e sinistro coven de bruxas. falta de ar é famosa por suas mortes violentas e barrocas Goblin Música de rock progressivo clamorosa e cantada. Tão elegante quanto lascivo, é uma viagem visualmente e auditivamente imersiva por uma toca de coelho tingida de vermelho e azul, onde assassinatos orquestrados intrincadamente são uma ocorrência comum e maldades encantadas espreitam em cada esquina.

Phantasm (1979)

Don Coscarelli nunca foi o tipo de cineasta que opta pelo seguro ou usual, e sua estreia no terror Fantasma continua sendo um dos filmes mais idiossincráticos e incomuns em seu currículo. Não havia nada como Fantasma quando surgiu, e de forma mais impressionante, além de suas próprias sequências, ainda não havia. O filme desafia teimosamente a coerência e as respostas concretas, exigindo que o espectador mergulhe na lógica do sonho de dimensões paralelas, orbes sugadoras de crânio com três pontas e Angus Scrimm o icônico Tall Man, a figura ameaçadora que persegue nossos heróis implacavelmente.

Situado em um necrotério nascido de um pesadelo (ainda mais do que um necrotério comum), o filme encontra nosso trio de heróis, irmãos Mike ( A. Michael Baldwin ) e Jody ( Bill Thornburry ) e seu confiável companheiro Reggie ( Reggie Banniste r - apesar de toda sua estranheza inventiva, Fantasma foi bastante preguiçoso para nomear seus personagens) empurrado para o domínio do Homem Alto, onde ele os cumprimenta com terrores de flexão lógica e envia as almas dos mortos para uma vida após a morte de escravidão. Feito com um orçamento apertado, Fantasma não triunfa por efeitos ou alcance surpreendentes, mas pela pura inventividade que o tornou um clássico de culto instantâneo. Pode confundir a mente, mas também deixará você olhando por cima do ombro para se certificar de que o Homem Alto ou sua Dama em Lilá não estão por perto.

O Exorcista (1973)

O Exorcista é considerado por muitos o filme mais assustador de todos os tempos. Ainda assim, até hoje. Quando chegou aos cinemas, o público mudou completamente . Houve relatos de membros do público desmaiando e fugindo, espectadores adoecendo nos corredores e, embora esse seja normalmente o tipo de coisa que você atribui ao marketing, é completamente crível para o contexto em que o filme chegou. Porque O Exorcista é o filme de possessão demoníaca que moldou o molde, mesmo o mais endurecido público de terror nunca tinha visto nada parecido com William Friedkin É o retrato perversamente pecaminoso e incrivelmente simpático da batalha de uma menina de 12 anos com o diabo.

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Friedkin apelou às suas origens cinematográficas como documentarista para encenar O Exorcista como um ataque extremamente realista e crível do próprio inferno.Mas isso nunca impede que o filme seja cinematográfico, e Friedkin habilmente o encena como um drama íntimo e lento durante a maior parte da exibição do filme, um movimento que torna o confronto icônico e climático com o diabo ainda mais horripilante. Você foi levado a acreditar neste mundo, você investiu completamente na humanidade desses personagens - que, deve-se dizer, são interpretados gloriosamente por todos os envolvidos - e então Friedkin os coloca na batalha final entre o bem e o mal. E ele faz isso com as ações mais vis e ímpias se desdobrando em detalhes primorosamente representados na tela. Em uma época em que vimos quase tudo sob o sol, e depois de décadas de imitadores e avanços tecnológicos, os efeitos inovadores e o valor do choque não são o que o leva para casa, é o compromisso de Friedkin com a narrativa e sua crença em seus horrores inerentes que fazem O Exorcista um exemplo duradouro das alturas que o cinema de gênero pode alcançar.

Halloween (1978)

Filmes de terror certamente não eram novos quando o maestro do terror John Carpenter colocou as mãos no subgênero com seu terceiro longa-metragem, dia das Bruxas , mas eles nunca foram melhores e nunca foram mais visceralmente aterrorizantes. dia das Bruxas pode não ser o primeiro, mas é o definitivo, estabelecendo o modelo para décadas de filmes violentos que viriam que riffs com os dispositivos estilísticos do filme e um medo rastejante e lento tão livremente quanto Carpenter riffs Psicopata e Espiando Tom . E em Michael Meyers, a força implacável do mal no coração da franquia de décadas, Carpenter apresentou um dos maiores ghouls de todos os tempos do cinema - a força do mal em marcha lenta que seria imitada indefinidamente em quase todos os filmes de terror seguir.

Meyers é tão incognoscível quanto imparável; puro assassinato encarnado, um mal sem alma procurando apenas a próxima carne jovem para afundar sua faca. E Carpenter deu a ele uma 'garota final' para combinar, Jaime Lee Curtis 'Laurie, que também estabeleceu o molde para que todos os sobreviventes do terror venham com um desempenho formidável de definição de carreira. Além das criações de personagens dominantes e do ritmo habilmente tenso de Carpenter, não se pode dar crédito suficiente à sua trilha sonora icônica, que transforma as fotos em quadros simples em prolongados tempos de terror. Assistir dia das Bruxas é assistir a um grande gênero definir seus próprios talentos tão implicitamente que escreveu o livro de regras para as gerações vindouras.