25 grandes filmes dos anos 90 que o tempo esqueceu

A nostalgia dos anos 90 está no auge, mas queremos aumentar o volume de alguns desses grandes filmes dos quais não se fala o suficiente.

Todo mundo tem aquele filme que ama ou admira muito, mas ninguém parece falar sobre isso. Não é nenhuma maravilha. Afinal, centenas de filmes são lançados todos os anos; alguns bons, muitos ruins e alguns ótimos, então é fácil para filmes de qualidade escaparem do radar e caírem na obscuridade com o passar dos anos. Mesmo quando a nostalgia dos anos 90 atinge um pico histórico, tende a ser apenas em torno de certos títulos de filmes acordados que melhor representam a década. Mas, como qualquer cinéfilo ou guerreiro VHS sabe, há grandeza a ser encontrada nas rachaduras.



Graças ao VOD e aos serviços de streaming, é mais fácil do que nunca acessar essas joias esquecidas, e você realmente deveria. É uma explosão e um ótimo lembrete de que filmes significam mais do que bilheteria e franquia. Ao montar esta lista, tornou-se óbvio que uma maneira pela qual os anos 90 diferiram dos anos 80 foi uma reverberação dos efeitos do capitalismo descontrolado e papéis de gênero que a Geração X disse 'não, obrigado' e deu um soco na geração Baby Boomer bem no beijo . Como tal, a sátira teve um grande retorno na narrativa, desde contos de fadas sujos até lidar com os vários escândalos políticos da geração anterior.



Esta lista foi iniciada por Haleigh Foutch e Brian Formo pegou o modelo e adicionou algumas décadas - usando um critério de menos de 10.000 votos do IMDb para descobrir alguns filmes realmente subestimados para listas temáticas dos anos 1970 e 1980. Mas, sendo os anos 90 a década que deu origem ao IMDb, esse critério não foi usado para atualizar esta lista. Quase tudo aqui tem menos de 20.000 votos no IMDb, mas mais da metade cai abaixo de 10.000. O título solitário e ainda mais amado nesta lista é um dos favoritos de todos os tempos de Haleigh e apresenta Brian's go to karaokês (por Violent Femmes), então vamos deixar isso passar. Então, vamos continuar; 25 de nossos filmes favoritos esquecidos dos anos 90 estão abaixo.

Aumente o volume (1990)

'Você já teve a sensação de que tudo na América está completamente fodido?'



Lançado em 1990, Aumentar o volume está mais em sintonia com o cinema dos anos 80 do que dos anos 90, mas é muito bom e muito negligenciado para sair da lista. De escritor-diretor Allan Moyle , Aumentar o volume é o filme irmão anônimo de seu reverenciado clássico cult Empire Records . O filme é estrelado por ultra-gata dos anos 90 Christian Slater como Mark Hunter, um estudante colegial socialmente desajeitado e extremamente brilhante que 'não consegue falar' com as pessoas que ele quer em sua vida real, então ele pega as ondas do ar com um programa de rádio pirata como Happy Harry Hard-On, uma voz suja, mas eloqüente, soando as injustiças e dificuldades da adolescência. Tímido estudante A durante o dia e agitador à noite, Mark enche as ondas do rádio com seus protestos contra a injustiça, tentativas sérias de aconselhar seus ouvintes e ocasional simulação de masturbação (afinal, ele é um adolescente). O que começou como uma forma de Mark dar vazão às suas frustrações e se comunicar com o mundo acaba gerando rebelião em seus colegas estudantes e inspirando-os a mudar de vida.

Entre abordar temas pesados ​​como homossexualidade, suicídio e direitos educacionais, o filme ocasionalmente se transforma em melodrama adolescente, mas nunca se afoga em sua própria angústia, graças ao roteiro sincero de Moyle e às atuações de craque de seu jovem elenco. Slater carrega o filme, equilibrando os tons oscilantes da comédia, o material pesado e as personas conflitantes de Mark / Harry com facilidade. Samantha Mathis (que deveria ser uma estrela maior) está radiante como Nora, uma jovem inteligente e talentosa que busca a verdadeira identidade de Harry e encontra seu par em Mark. Embora a subtrama romântica seja um dos elementos mais fracos do filme, e haja uma quantidade realmente bizarra de lamber os lábios antes de cada beijo, os dois compartilham uma química adorável.

Para um filme adolescente de 27 anos, Aumentar o volume aguenta incrivelmente bem. Temas de alienação e insatisfação adolescente estão fadados a permanecer relevantes, mas as idéias que o filme apresenta sobre comunidade compartilhada são estranhamente ainda mais pertinentes em nossa era da Internet. Aqui estamos nós, capazes de nos conectar instantaneamente com quase qualquer pessoa em todo o mundo, e ainda assim nos sentimos isolados como sempre. Os temas permanecem tão aplicáveis ​​que Aumentar o volume está praticamente implorando por um remake com um Hard Harry entoando seus hinos de um podcast ou YouTube Live, ou qualquer uma das novas formas que clamamos para nos conectar. Não que eu queira ver isso acontecer; provavelmente vai. Você foi avisado. Fale muito. - Haleigh Foutch



To Sleep with Anger (1990)

Imagem via Sony Pictures Lançamento

'Você tem que trabalhar no mal.'

Você provavelmente já ouviu o conselho 'não durma com raiva'. Os personagens em Charles Burnett de Para dormir com raiva tem que dormir com raiva porque um amigo da família há muito perdido apareceu e se recusa a deixar os cães dormirem; ele desenterra velhos males e transforma a família em si mesma - apenas testando sua polidez. Esse amigo é Harry e ele é interpretado com charme por Danny Glover porque Danny Glover é um ator encantador. Na altura de Arma letal fama este é Glover em sua forma mais simpática. Quem não o deixaria entrar se ele batesse à sua porta?

A presença de Harry na casa de um velho amigo em Los Angeles é como um fantasma do passado do sul rural. Você pode levar um amigo do sul, mas eles ainda tentarão manter a hospitalidade sulista o máximo possível. E os errantes sabem como levar a hospitalidade até o fim da linha. Harry é um errante. Ele bate na porta da casa de Gideon e avança sobre a criança que atende. Há algo de surreal para uma criança sobre um estranho na porta que é convidado a entrar. Dizemos a nossos filhos para não falarem com estranhos, mas convidamos qualquer pessoa que não vejamos há anos para ficar conosco, embora anos de separação possam fazer as pessoas estranhos novamente.

Harry diz que vai ficar mais alguns dias, mas fica lá bebendo e jogando cartas por muito mais tempo; ele questiona a masculinidade dos homens da família e traz à tona velhos rancores que todos, exceto Harry, enterraram - mas isso sempre é feito com um sorriso. Eventualmente, Gideon ( Paul Baker ) e sua família começa a suspeitar que Harry é o próprio diabo. Para dormir com raiva é o filme mais sulista que não se passa no Sul e é o filme mais próximo de alcançar um realismo mágico sem realmente se envolver com nenhuma magia. É uma abordagem muito interessante de Burnett aplicar um tipo de vodu a um filme onde essas crenças seriam estranhas à área. E Glover é simplesmente magnífico. Embora ele gaste as boas-vindas com Gideon e sua família, ele é sempre um relógio bem-vindo para o público. E assim vai a magia dos filmes: gostamos de passar o tempo com personagens que adoraríamos tirar de nossas próprias casas. - Brian Formo

Trust (1990)

Imagem via recursos de linha fina

'Tive um dia ruim no trabalho. Tive que subverter meus princípios e me prostrar diante de um idiota. A televisão torna possíveis esses sacrifícios diários. Amortece o âmago do meu ser. '

Alguns anos antes Foguete de garrafa coloque uma coroa indie Wes Anderson cabeça de, Hal Hartley foi a estrela de novela indie da classe trabalhadora. E Confiar era dele Rushmore . Os personagens de Hartley têm objetivos delirantes porque assistiram tantas horas de TV e a TV é uma distração de suas vidas miseráveis ​​- mas eles mantêm todos os outros em um padrão que ninguém mais está interessado em cumprir porque a vida é uma merda. Fora de Richard Linklater de Preguiçoso , Confiar é o filme da Geração X mais imaginável. Hartley leva os aspectos de consumo de nossa sociedade e os trata tão sérios quanto Jane Austen fez com os sentimentos.

Eu mencionei que é extremamente engraçado? O enredo para Confiar é quase indescritível, não porque coisas incríveis acontecem, mas porque Hartley se diverte com as tarefas incrivelmente mundanas que temos que fazer. Maria ( Adrianne Shelly ) está no ensino médio e está grávida. Ela conta a seus pais seu plano de se casar com o namorado jogador de futebol e seu pai morre ao ouvir a notícia. Ela conta ao namorado seu plano e ele diz que tem treino de futebol. Depois de ser expulsa de casa, ela conhece Matthew ( Martin Donovan ) que pode ser um futuro serial killer ou sua alma gêmea. Matthew tem um péssimo trabalho manual e seu pai o obriga a limpar o banheiro por horas. Essas são as coisas que podem levá-lo ao assassinato em massa. Ou talvez Maria e seu filho o coloquem no caminho certo para se tornar um idiota entediado que não tem vontade de matar, mas apenas de existir.

Cenas em Confiar mova-se com grande precisão onde a linguagem aumenta rápida e absurdamente, mas a ação não. Essencialmente, funciona como uma novela absurda sem a ação. Os filmes de Hartley são diferentes tipos de entretenimento reunidos em uma narrativa porque temos preguiça de mudar de canal. É um produto único de sua época e se você ama alguma coisa alternativa, você tem que tentar. - Brian Formo

Mo 'Better Blues (1990)

Imagem via Universal

quando é a próxima temporada do vale do silício

'Posso ter nascido ontem, mas fiquei acordado a noite toda.'

Mo 'Better Blues é Spike Lee resposta masculina para Ela tem que ter isso , em que um homem de dois tempos só precisa escolher uma mulher quando seu trabalho não mais lhe fornecer uma identidade. E em Blues , a queda desse homem vem por associação e lealdade a outro homem cujo trabalho é promover sua grandeza. Denzel Washington é um trompetista chamado Bleek que lidera um quarteto com seu nome; mesmo que eles tenham um show regular que está lotado, seu empresário ( Spike Lee ) é provavelmente quem está segurando o grupo porque ele não é grande no negócio (apesar de seu nome ser gigante), pois ele acabou de ser contratado por causa de sua amizade com Bleek; mas as dívidas secundárias de Giant estão recebendo mais atenção do que o conjunto estável de Bleek.

Mo 'Better Blues está cheio de carisma e picos e vales jazzísticos. Trabalhar em um clube de jazz e no quarto de um músico de jazz é o cenário perfeito para o excesso de câmera de free jazz de Lee; a câmera gira, ela desliza pelos corredores e cai na pilha de lixo. Este filme contém talvez o meu momento de câmera favorito de Lee, pois a câmera segue cada uma das duas mulheres de Bleek conforme elas entram no clube com o mesmo vestido vermelho, volta para o gerente de Lee observando-as sentarem e, em seguida, segue-o escada acima para declarar que ele previu que isso aconteceria.

Mas voltando à resposta para Ela tem que ter isso , embora o filme exista em sua própria bolha nebulosa de latão e bunda, o motivo pelo qual Bleek é forçado a se estabelecer é o último momento de masculinidade ferida: perder o trabalho. Ser reverenciado por seu trabalho é o que torna Bleek atraente para mulheres o suficiente para que ele não sinta a necessidade de se comprometer com uma; mas depois que eventos externos o derrubam, tenta escolher uma mulher quando ele precisa ser levantado.

Vindo depois Faça o certo Coisa , esta foi a primeira vez que Lee recebeu a tela de tempo de execução para ficar mais excessivo, e ele continua a narrativa além desse estado ferido para mostrar que é a aceitação das autolimitações que pode criar a aceitação mais plena dos outros e, portanto, um amor supremo. Embora as partes do hangout de Blues são ótimos (aqui é o lugar para conectar isso Wesley Snipes está na banda de Bleek), é o terceiro ato (e o epílogo seguinte) que faz Mais melhor um dos melhores de Lee. ~ Brian Formo

Chameleon Street (1990)

Imagem via Northern Arts Entertainment

'Oh, eu gostaria de poder falar francês assim.'

eu tenho visto Steven Soderbergh de Fora de vista um punhado de vezes e em um elenco de ponta a ponta, o chefe de Jenifer Lopez, Daniel, sempre se destacou em um elenco de quem é quem. Sua querida expressou / acima de tudo, a leitura da linha 'qualquer coisa' com o rolar de olhos e as mãos para cima é tão malditamente perfeito. Enfim, Daniel é interpretado por Wendell B. Harris, Jr . e Soderbergh o contratou porque no ano seguinte sexo, mentiras e videoteipe mudou o Festival de Cinema de Sundance para sempre, Soderbergh serviu no júri no ano seguinte e concedeu a Harris o Grande Prêmio por Chameleon Street , um filme que Harris escreveu, dirigiu, estrelou e produziu, e também que Hollywood o ferrou completamente logo depois que o prêmio de Soderbergh deveria ter estabelecido as bases para uma carreira importante.

Veja, este filme de micro-orçamento tem uma história de Hollywood bem ali: a verdadeira história de um ex-presidiário negro (Harris) que se fez passar por Detroit Tiger, médico, estudante francês e advogado, e até mesmo realizou cirurgias bem-sucedidas que aprendeu na hora. Hollywood tinha um remake do protagonista em mente quando foi comprado, não foi comprado para ser exibido por conta própria. O filme que eles compraram, e não lançou, foi rodado como um filme industrial e usa narração para preencher as lacunas (mas também te acertar com algumas gargalhadas). Chameleon Street carece de entusiasmo padrão, mas tem uma tendência de raiva sobre como os homens negros têm que adotar personas para obter respeito e / ou oportunidades iguais. (Eu mencionei que é engraçado?)

Chameleon Street é uma façanha de se assistir hoje, e somos beneficiados por assistir ao desenrolar do movimento do filme independente dos anos 90, que compartilha um pouco da aparência e tom de outros deuses indie como Hal Hartley e Gregg Araki . Mas Harris levou a melhor e sofreu por isso. A Warner Brothers não tinha intenção de lançar seu filme, apenas refazê-lo, e assim o filme definhou na obscuridade, o videotape premiado que se seguiu sexo, mentiras e videoteipe que foi engolido por mentiras e nunca teve uma distribuição real até que Harris o lançou em vídeo doméstico em 2007. (No entanto, um remake também nunca foi feito Seis graus de separação compartilha muitas semelhanças de personagens e Smith foi considerado para o papel de remake.)

rua se beneficia muito da voz de Harris, que se destacou em Fora de vista , um tom xaroposo que se move lentamente; e conforme ele se move, ele se desenrola. Primeiro, um toque de educação em cada palavra e, segundo, um 'foda-se' escondido para refutar seu estado de transe. Este é um filme de Sundance de 1990 com todas as melhores formas. É inteligente, é pessoal, é tudo montado por alguém que não teve acesso a Hollywood. E apresenta uma cena em que Harris está vestido como a Besta de Jean Cocteau e, embora tenha sido descoberto por um colega estudante francês que ele não é realmente francês, ele ainda está pasmo com o insulto traduzido que vem em seu caminho. Em vez de responder com incredulidade ao ser rotulado de 'travesti sagaz' que deveria estar bebendo 'urina de gato morna', os olhos de 'Harris' se reviram em um estado de orgasmo por trás da máscara de Fera e ele diz: 'Oh, eu desejo Eu poderia falar francês Curtiu isso . ” O verdadeiro paraíso do cinema indie. ~ Brian Formo

Blue Steel (1990)

Imagem via MGM

'Polícia! Abaixe a arma! '

'Oh, saia da minha cara, senhora!'

Aço azul é o melhor filme #MeToo; vem 28 anos antes do movimento há muito esperado, e desde a primeira e única diretora a ganhar o Oscar de Melhor Diretor, Kathryn Bigelow , que subiu na carreira do cinema fazendo 'filmes masculinos'. O filme inteiro é sobre uma mulher ( Jamie Lee Curtis ) fazendo um trabalho que foi fetichizado para tornar os homens heróis e um homem rico ( Ron Silver ) que fetichiza a policial que ele testemunhou atirar em um assaltante no supermercado. Quando o homem começa a persegui-la, ele permite cada entrada assustadora em seu espaço pessoal simplesmente porque ele tem um ótimo advogado e o departamento de polícia não quer a dor de cabeça da imprensa se eles colocarem o cara na prisão. Esta é a narrativa de gênero moderna que é filmada como um filme de exploração dos anos 70; todos os closes maliciosos, rajadas de sangue em câmera lenta e todos os microfones marcados para 11 para capturar cada beijo desleixado, lambida no umbigo e balas que explodem em um megafone.

Desde o início, Bigelow dá um soco no estômago. Bigelow amplifica uma discussão doméstica que soa muito, muito perto de explodir em abuso físico ou pior. Ouvimos o número ser discado enquanto Curtis caminha pelo corredor de um apartamento, arma em punho. Ela entra no apartamento e o homem aponta uma arma apontada para a cabeça de uma mulher. Ela consegue atirar nele primeiro, mas nunca olha para a mulher que vai pegar a arma de seu amante e bater em Curtis seria morto. Seria, porque é uma simulação, a arma da mulher nunca dispara; todos riem dela por não considerar a mulher uma ameaça.

A razão pela qual essa abertura funciona tão bem é porque o som da discussão é tão intenso, apenas espiando pela porta, arma em punho mostra por que os filmes fetichizaram e construíram policiais como heróis encarnados. É corajoso entrar nessa situação e é extremamente horrível porque a raiva de um homem, bem, você nunca sabe o que verá por trás daquela porta. Mas então a batida extra de que essa policial ignoraria a vítima e então seria morta pela vítima é muito revelador. Ela quer pegar bandidos. Mas apenas quando ela é uma vítima simulada, ela começa a ver mulheres vítimas em todos os lugares. E ela começa a defendê-los porque os homens de seu departamento não acreditam em sua história do tiroteio no supermercado porque a arma não foi encontrada. Esse é apenas o piso da pirâmide de poder que a leva literalmente para a zona de helicópteros de homens intocáveis ​​de Nova York.

Aço azul definitivamente tem alguns momentos sexuais confusos, mas Bigelow no final das contas dá um tapinha visceral no ombro de, isso é consentimento, e isso não é. Bigelow encena muitas invasões diferentes do espaço pessoal de Curtis, nas quais ela simplesmente diz que nada pode ser feito. O sistema permite que coisas piores aconteçam com ela. E quando ela é agredida, Bigelow não se concentra naquele ato, mas sim no sistema que silencia as mulheres; particularmente porque este é um coquetel de silêncio sendo executado por homens poderosos com distintivos e homens poderosos com dinheiro.

Também há uma troca muito engraçada quando o policial de Curtis conversa com um homem em um churrasco que é ameaçado por sua profissão, já que geralmente são os homens que têm essa autoridade. Sua atração vai de quente para baixo. Ele pergunta por que ela faria isso e ela diz, 'porque eu gosto de bater cabeças contra a parede.' O homem então fala que tem que ir embora e ela fala pra ele não ser tão sério e se animar um pouco. Não pude deixar de pensar que aquela conversa sobre churrasco poderia ter acontecido com Bigelow como tal, 'O que você faz?' 'Eu sou um diretor de cinema.' - Ah, então você faz com-com-rom? Bigelow: 'Eu bato as cabeças dos homens contra as paredes.' O homem se afasta e Bigelow diz: 'Relaxe, é isso que você gosta de ver, não é?' ~ Brian Formo

Paquera (1991)

'Está tudo bem, você não precisa me dizer ... Mas eu acho que, se eu gostasse de alguém o suficiente, eu iria querer ...'

Assistindo agora, Paquera tem um embutido Meu Deus! fator porque apresenta trabalhos iniciais de futuras estrelas de Hollywood Thandie Newton, Nicole Kidman e Naomi Watts e o futuro ator australiano, Noah Taylor . Mas John Duigan O subestimado joia do amadurecimento é muito mais do que um clipe de 'antes de serem estrelas'. Você ama Harold e Maude ? Considere esta a versão de e se o que separou Harold de Maude não fosse a idade, mas a raça, os continentes e o genocídio.

Fisicamente, o que realmente separa Thandiwe (Newton) e Danny (Taylor) é na verdade um lago que fica entre a academia de meninos e a academia de meninas de um internato australiano particular. Danny, aqui está a parte de Harold, é um desajustado excêntrico que vê o diretor como parte do Terceiro Reich e não tenta fazer amigos na escola. Thandiwe é filha de um diplomata de Uganda que leciona em uma universidade australiana porque sua oposição ao novo governo de Uganda o tornou indesejável. É 1965 e a invasão do rock-and-roll pelo rádio chegou a esta escola distante em um lago muito maior, onde a fustigação ainda é uma parte regular da disciplina e a freqüência ao baile exige um corte de cabelo. Thandiwe sente-se atraído por Danny porque ele tem um espírito rebelde. Ele rema através do lago depois da meia-noite para flertar com ela, ela se esconde no banheiro dos meninos quando passa do toque de recolher. É um namoro muito doce, mas o que o torna diferente aqui do que em qualquer outro filme semelhante é que um conflito na África determina quanto tempo eles terão que passar juntos. É um continente em que os jovens rebeldes nunca pensaram muito na época e tudo o que Danny aprende é novo. Não apenas beijos, preliminares ou sexo, mas ideias inteiramente novas de democracia, globalização e revolução.

Além desse caso de amor de um globo fraturado que se desenrola em um lago, o que faz Paquera mais especial é que Duigan entende o quão complexos os adolescentes realmente são. Em um filme menor, as garotas malvadas que a princípio provocam Thandiwe ficarão mais malvadas e o garoto que intimida Danny por sua gagueira o denunciará por ter saído tarde da noite para se deitar com Thandiwe. Em vez disso, o primeiro gelado Nicola (Kidman) e o agressor revelam ter camadas e compaixão pela situação de seus colegas estudantes. Essa compaixão não vem de um a-ha fala, mas apenas pequenos e naturais momentos em que optam por não deter os pombinhos. É a consciência de que o mundo é maior do que eles e, para este casal, é um mundo que os mantém separados, mas de alguma forma os mantém juntos por um breve momento. Paquera é um filme adorável que qualquer fã dos atores acima ou do drama da maioridade precisa procurar; embora tenha sido reembalado para se parecer com um dos primeiros veículos de Kidman, este é o raro filme 'antes de serem estrelas' que realmente eleva seu ânimo até as estrelas. - Brian Formo

O Homem da Lua (1991)

'Eu quero te conhecer mais ... Eu quero te conhecer tudo que eu puder.'

Um de 14 anos Reese Witherspoon se apaixona por um vizinho ( Jason London ) neste drama perfeito para a maioridade. Ela está dando os primeiros passos em direção à feminilidade e se tornar uma mulher também significa lidar com o ciúme. Quando sua irmã ( Emily Warfield ) se apaixona pelo mesmo menino (que é uma circunstância mais apropriada para a idade - mas tente dizer isso a um garoto de 14 anos), isso testa sua determinação. O Homem da Lua foi o último filme dirigido por Robert Mulligan ( Matar a esperança ) que, embora criado no nordeste, parece mais em casa no extremo sul.

O Homem da Lua não é um filme cheio de momentos românticos arrebatadores, mas ao invés disso, desperta os estranhos sentimentos das primeiras atrações e como tudo parece incrível e horrível ao mesmo tempo. Quando Dani (Witherspoon) pergunta a sua irmã como beijar um menino, sua irmã lhe mostra como praticar em sua mão. O romance aqui está na prática do adolescente para recebê-lo. E a prática leva à perfeição. - Brian Formo

Ham, Ham (1992)

- Você não será famoso. A menos que suas bolas o tornem famoso.

Existem três empresas no suado pueblo espanhol retratado em Presunto presunto : há a fábrica de roupas íntimas, a fábrica de presunto e o bordel. Soa como uma armação para uma piada? Isto é. Mas tem mais. A cidade tem um outdoor de um touro cujos testículos são tão grandes que podem ser vistos a quilômetros de distância. O sol nasce e se põe, lançando sombras de duas grandes bolas.

Conchita ( Stefania Sandrelli ) tem algumas bolas bem grandes também. Ela não está muito feliz que seu filho, José Luís ( Jordi Molla ), engravidou Silvia ( Penelope Cruz ) Pois nenhum filho magnata da cueca dela se casará com a filha de uma prostituta. Conchita contrata um pedaço da fábrica de presunto Raúl ( Javier Bardem ) para seduzir Silvia para longe de seu filho. Mas isso fica complicado quando Conchita decide que também quer Raúl. Esses são os ingredientes básicos para um melodrama amadorístico (prazer culpado). Os personagens estão famintos por sexo e poder - e todas as indústrias da cidade participam da carne animal.

Um sabor delicioso é quase impossível de capturar na tela. Mas um orgasmo não é. Diretor Bigas Luna combina esses dois frequentemente: gosto e sexo.

O presunto duplo é Silvia, que é conhecida pelas suas omeletes: tanto no pequeno-almoço que faz como nos seios, que os seus amantes dizem ter gosto de omelete de presunto. Quando os homens visitam o bordel, explicam que estão com fome. Há metáforas em todos os lugares em Presunto presunto ; você sabe que esses testes de outdoor acabarão sendo castrados; dois homens (vamos chamá-los de porcos) lutam até a morte com grandes pernas de presunto. Presunto presunto é mais delicioso quando fornece uma pitada de preliminares. Como quando Raúl insere um dente de alho no ânus de um porco antes de uma de suas muitas conquistas sexuais. Depois, ele vai matar aquele porco, colocá-lo em uma omelete e vai ter um gosto tão bom quanto o corpo de sua amante. - Brian Formo

Apenas outra garota no I.R.T. (1992)

Imagem via Miramax

Outro dia, eu estava no trem número 2 com minhas amigas, simplesmente pirando, me divertindo, e as pessoas começaram a nos encarar como se fôssemos um tipo de garotas de rua sem futuro. Ei, quando estou com meus amigos, ajo como se não importasse, porque não importa! Mas entre você e eu, essa merda me irrita. Quando eles pensam que podem apenas julgar você pela maneira como você se veste, uh-uh! Sempre recebo As e Bs em todas as minhas aulas. Eu sou o melhor aluno da minha classe de cálculo! As pessoas ficam confusas quando descobrem o quão inteligente eu realmente sou.

Apenas outra garota no I.R.T. é Leslie Harris ' apenas filme e é uma pena, mas pelo menos com um filme ela nos deu um personagem instantaneamente memorável para qualquer um que o assistir. Chantel ( Ariyan A. Johnson ) é um adolescente moderno, franco e extremamente inteligente do Brooklyn. Ela também é negra e seus amigos são negros e, embora ela possa disparar contra as noções preconcebidas de pessoas no trem que nem mesmo a conhecem, ela também sabe que enfrenta desafios externos extras para atingir seus objetivos sem aceitar compromissos. Chantel quer ir para a faculdade de medicina, ela quer constituir uma família e ela quer escapar da vida no Brooklyn que seus amigos aceitaram como sua única opção.

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Chantel fala a verdade em todas as aulas e o filme de Harris está repleto de imensa energia e consciência das expectativas; a individualidade não precisa ser empurrada para baixo a fim de derrotar as expectativas, mas sim para florescer em suas pluralidades naturais. Eu gostaria que este fosse o hit adolescente dos anos 90 que merece ser. ~ Brian Formo

Deep Cover (1992)

Imagem via New Line Cinema

“O dinheiro não sabe de onde vem, mas eu sim. Se eu ficar com ele, sou um criminoso. Se eu der para o governo, sou um idiota. Se eu tentar fazer algo de bom com isso, talvez só piore as coisas. ”

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Deep Cover começa e termina com dinheiro de sangue. Amassado e feio, entregue. Diretor Bill Duke e Laurence Fishburne , que interpreta um policial disfarçado, ataca de cabeça uma conspiração antidrogas em Deep State. 'Siga o dinheiro' não é apenas a maneira adequada de investigar, mas é a tese de todo o filme. Muito do que acontece em Cobrir O retrato encoberto de Fishburne é uma reconstituição visual do famoso filme de Fishburne Boyz N the Hood monólogo sobre por que há uma loja de bebidas em cada esquina de um bairro negro. Mas por mais furioso que o policial disfarçado de Duke e Fishburne esteja com o fato de as prisões por delitos de drogas atingirem os bairros negros, o arco temático do filme não identifica a raça como o que precisa ser superado, mas a pobreza. “Fique negro”, diz um grande apostador, e o barman negro responde: “Fique negro? Que tal ficar longe do crack? ”

Deep Cover o trabalho policial de 'começa e termina com a pergunta sobre a diferença entre um epíteto racial e uma identidade racial; A resposta de Fishburne a essa pergunta no início lhe dá um emprego, mas depois do que ele vê nas ruas e de seu superior ( Charles Martin Smith ) ele muda sua resposta e isso significa seu erro no início. A quem ele desprezou, ele então se torna. Portanto, se a identidade é flexível - e como declarado, sua desconfiança em relação à autoridade / 'traços criminosos' eram tão fortes quanto seus 'traços policiais', tornando-o um bom candidato para trabalho secreto - então a única coisa constante na sociedade moderna é o dinheiro. O que você tem disso, o que falta disso. E então, uma vez que você o tenha, o que fazer com ele.

Obviamente, vivemos em um mundo de racismo e sexismo sistêmico e estruturas de poder que mantêm essa ordem ou a mudam com flexibilidade. Mas o dinheiro é pós-racial. Fishburne trabalha disfarçado com traficantes de drogas latinos e um advogado branco ( Jeff Goldblum ) que lava dinheiro para eles; qualquer nível de desconfiança entre eles é principalmente ética de trabalho, o que traz dinheiro. Eles não discutem a questão racial de por que alguém deveria ser morto, é porque eles não estão tirando sua parte ou descansam sobre os louros - seu dinheiro - em vez de ganhar ainda mais.

Deep Cover é um filme pulsante e raivoso. Às vezes, essa raiva empurra o sangue da narrativa para diferentes corredores, mas é muito inteligente amarrada a uma única linha direta: siga o dinheiro. De notas de $ 5 amassadas e sangrentas a uma van cheia de dinheiro nas docas. Cada moeda é tudo o que você tem no mundo e tudo que você deixa para trás.

Terminando com Dr. Dre O primeiro single pós-NWA 'Deep Cover (187)' sobre os créditos, o filme de Duke mostra raiva sobre o passado, o presente e o futuro. Quanto mais permitimos que o dinheiro mantenha estruturas de poder, menos sabemos do resultado potencial e mais enlouquecedora se torna a pobreza que é forçada aos outros - ela simplesmente se torna um abismo entre os humanos. São US $ 5 cobertos de sangue ou uma van cheia de milhões e muito pouco entre eles. ~ Brian Formo

Passion Fish (1992)

Imagem via Sony Pictures Entertainment

“Eu não pedi a sonda anal.”

Apesar de uma guitarra elétrica autoritária como trilha sonora (particularmente notório durante os créditos de abertura), John Sayles ' Peixe-paixão envelheceu como o melhor dos vinhos. Um filme onde os personagens tomam decisões e têm monólogos e simplesmente existem antes de aprendermos sobre suas histórias passadas e como isso ecoa no presente. Faz Alfre Woodard , fazendo o papel de enfermeira de uma ex-estrela de novela alcoólatra em cadeira de rodas ( Mary McDonnell ), tornou-se um personagem negro estereotipado do início dos anos 90? Sim e não. Sim, ela tinha um passado que interessava muito aos filmes na época, mas Sayles permite que ela se apresente e reivindique a história como um indivíduo com batidas de personagem suficientes do que quando seu passado é revelado; é uma grande bênção pensar em quanta passarela ela recebeu para não ser definida pela revelação, mas apenas para que ela seja vista como uma sombra que a segue, mas não a define. Em vez disso, é a mulher branca que é apresentada inteiramente através de seus defeitos e tem que revelar lentamente sua humanidade.

Pimenta em David Strathairn como um faz-tudo Cajun e um monólogo deslumbrante sobre uma sonda anal (apresentada por um dos amigos da novela de McDonnell sobre uma audição precoce; subtexto: nossas expectativas rotineiramente nunca são atendidas, mas ainda assim dar o seu melhor é o caminho para o contentamento) e aqui está! O filme de Sayles cozinha lentamente os momentos dos personagens, menos interessado em revelações, mas mais em como a companhia é tão vital para nossa força vital, especialmente quando precisamos começar de novo.

Ninguém pede a sonda anal. Mas às vezes, simplesmente entendemos. Este nível de consideração (e capacidade de abraçar algum humor bruto de vez em quando sem estar vinculado a ele) e abertura para apenas sentar-se com as mulheres é o indie americano que se tornou o que é definido Pedro Almodovar Segunda metade de sua carreira. ~ Brian Formo

Light Sleeper (1992)

Imagem via New Line Cinema

“Eu sinto minha vida girando. Tudo que precisava era uma direção. Você vagueia dia a dia, os anos passam. Então vem uma mudança. Eu sou capaz de mudar. Eu posso ser uma boa pessoa. Que coisa estranha aconteceu, no meio da sua vida. Que sorte.'

Paul Schrader traçou o perfil de muitos misantropos vingadores, o mais icônico entre eles é Travis Bickel em Taxista . Nesse filme, o solitário socialmente não refinado deseja abertamente que uma grande chuva leve embora toda a sujeira da cidade de Nova York: os cafetões, as prostitutas, os traficantes de drogas etc. 15 anos depois, Schrader está aqui para reparar essa postura, concentrando-se em um traficante de drogas que na verdade é um cara bom, perto de um padre Robert Bresson substituto, em Sono leve .

Willem Dafoe John LeTour da empresa faz negócios corpo a corpo com compradores de nível superior. Ele já foi viciado, passou direto a se drogar, mas começou a traficar como forma de alimentar o vício e, por isso, já se aproximando dos 40, é praticamente tudo o que ele sabe fazer. A festa acabou. E temos a sensação de que LeTour não se lembra muito disso, perguntando ao seu chefe ( Susan Sarandon ) se alguma vez tiveram relações sexuais nos anos anteriores. “Nós tentamos”, ela diz, insinuando intoxicação. Ele era casado com uma mulher com quem usava drogas. Ele se lembra dos bons tempos, mas ela o lembra que ele saiu por três meses e ligou para ela apenas uma vez.

Apesar do olhar para trás, Sono leve não é um filme taciturno. Para um filme sobre um traficante de drogas aceitando seu passado, é surpreendentemente pacífico e delicado. Muito disso é atribuído ao desempenho discreto e atraente de Dafoe, a atrevimento de Sarandon e a decisão de Schrader de deixar o filme se desenrolar como uma nuvem de fumaça de cigarro subindo em espiral no ar. Menos uma sequência espiritual para Taxista, e mais ainda um olhar para alguém que deve ter passado um tempo naquela mesma sarjeta que Bickel queria que a água lavasse, Schrader começa o filme com um diálogo sobre como os trabalhadores do saneamento de Nova York estão em greve e há lixo espalhado nas ruas e becos. John costuma usar colônia para disfarçar o cheiro ao seu redor, aplicando mais à medida que o filme avança, ouvindo comentários sobre seu cheiro de flores. Ele está perto de sair limpo deste negócio. Ele manda dinheiro para sua irmã. Ele tenta se reconectar com sua ex-esposa. Ele visita uma cartomante. Ele mantém um caderno de composição de traços físicos. Ele distribui drogas. E ele compra CDs (quando Dafoe e Sarandon jantam juntos para discutir suas tentativas de sair do comércio e entrar na área de cosméticos, ela pergunta para onde foi todo o dinheiro sem impostos dele e é maravilhoso como seu rosto se ilumina e ela diz CDs ao mesmo tempo que Dafoe; tenho saudades dos anos 90. Todos os meus CDs já se foram, mas caramba, tanto dinheiro gasto nesses discos).

Igual a Taxista , isso termina com um final violento, mas este é esperançoso, não heróico. Talvez seja Schrader sendo mais velho, mas há um calor crível entre Dafoe e Sarandon e mesmo que os 15 minutos finais deste filme sejam muito semelhantes a Taxista parece que este está ciente de que a humanidade é mais verossímil do que o heroísmo. ~ Brian Formo

Matinee (1993)

'Você faz os dentes do tamanho que você quiser, então você mata, está tudo bem, as luzes se acendem ... '

Um dos muitos clássicos amados pelos grandes Joe Dante , Matinê é uma comédia de amadurecimento encantadora e deliciosa que explora a histeria nacional e o amor profundo pelo cinema. Ambientado durante a crise dos mísseis de Cuba, no auge do medo nuclear, o filme é centrado em Lawrence Woolsey ( John Goodman ), um produtor de filme B que traz seu último recurso de criatura 'Mant' (uma mutação atômica de um homem e uma formiga, naturalmente) para Key West, onde conhece seu maior fã, o estudante Gene Loomis ( Simon Fenton ) Gene é um cinéfilo e fanático por ficção científica que considera Woolsey um grande homem. Ele também é um garoto apavorado com a ameaça de uma guerra nuclear, temeroso por seu pai, oficial da Marinha, e está aceitando seu próprio avanço hormonal (a própria bomba).

Woolsey tem tudo a ver com exibicionismo, percebendo que a era da inocência americana acabou e o público precisa de uma (às vezes literal) sacudida no sistema para ficar com medo do cinema. Ele equipou todo o teatro com truques enigmáticos, incluindo campainhas elétricas nos assentos, isenção de isenção de qualquer responsabilidade legal no teatro em caso de ataque cardíaco e um homem vestido com uma fantasia de Mant que salta para assustar o público. O filme dentro do filme, Mant, é carinhosamente feito e está claro que Dante tem muito amor pelas características kitsch das criaturas do passado. Woolsey também compartilha desse amor óbvio pelo cinema, um homem genial que gosta de seu trabalho e se entusiasma genuinamente em emocionar seu público. Sua exibição de sábado de “Mant” reúne a cidade em um culminar de suas ansiedades nucleares e os jovens hormônios transbordantes. O público está confuso nas mãos de Woolsey enquanto seu medo da aniquilação humana e mutações nucleares os leva ao pico da histeria - com uma pequena ajuda dos truques de Woolsey.

Dante encerra a resolução docemente, amarrando os fios da desgraça iminente e maturação hormonal em um cenário culminante que é um sonho para qualquer viciado em cinema como eu. Matinê é um pequeno filme adorável que consegue capturar a inocência de um tempo muito passado. Não é uma comédia divertida, mas é um prazer alegre que colocará um largo sorriso em seu rosto. - Haleigh Foutch

Wild Reeds (1994)

- Você se acha inteligente, mas é apenas um Tarzan cafona.

Andre Techine é uma das vozes mais interessantes no cinema queer porque frequentemente mostra como a resposta emocional de repulsa e excitação está intimamente relacionada à sexualidade, independentemente da orientação. E, consequentemente, como a heterossexualidade e a homossexualidade estão sempre próximas de cruzar correntes, principalmente nos anos mais jovens. Juncos Selvagens apresenta a dificuldade de encontrar conforto com a excitação de ambos os gêneros na vanguarda de uma história de amadurecimento que também está repleta de influências ideológicas que estão constantemente mudando em torno da Guerra Franco-Argelina. Se as idéias ideológicas de nações e guerra mudam constantemente, por que as idéias de sexualidade não podem ser tão fluidas?

É 1962 e quatro adolescentes estão lutando contra identidades nacionalistas e sexuais no idílico interior da França. François ( Gael Morel ) percebe sua homossexualidade com um novo aluno, Serge ( Stephane Rideau ) em uma sessão de estudo tarde da noite que não se repetirá, mas mudará François para sempre. A próxima obsessão de François é Henri ( Frederic Gorny ), que nasceu na Argélia e é pró-França no governo do país muçulmano; Enquanto isso, Serge, cujo irmão acabou de morrer após ser convocado para lutar na Argélia, está de olho no melhor amigo de François, Maite ( Elodie Bouchez ), que secretamente se apaixonou por François desde que eram crianças. Ela se identifica como comunista e resiste aos avanços de Serge, mas é atraída por Henri, apesar de desprezar suas ideologias políticas.

Nesse dilema de quatro vias de potenciais pares sexuais, todos têm motivos para não se unirem; nos pares que ocorrem, o apego persistente existe para uma das partes sozinha, a outra jurando não se repetir. Cada aluno está experimentando a sexualidade com a mesma abordagem desajeitada de iniciante que os alunos tentam ao experimentar ideologias. Um comunista pode se tornar um socialista ou um liberal moderado e alguém que é a favor de uma união França-Argélia em um ponto, ainda tem a capacidade de mudar de posição com novas informações que orientem seus sentimentos. Por que nossos órgãos genitais não deveriam fazer o mesmo? - Brian Formo

Joan the Maid (1994)

Imagem via Bac Films

“Os homens pensam que porque bombeiam algumas vezes para criar vida que eles são os criadores do mundo, quando é a mulher que mantém a semente viva.”

Jacques Rivette e Sandrine Bonnaire participou de um filme de duas partes sobre dois capítulos distintos da vida de Joana d'Arc: o que a levou a se preparar para a batalha e como ela se portou na prisão antes de seu julgamento e execução.

Embora Bonnaire coloque uma armadura e aprenda a justas e ordene as legiões para a batalha, o que As batalhas O que mais preocupa são as batalhas de Joana d'Arc com os homens para derrotar seus egos massageando seus egos. Rivette não se preocupa se Deus realmente falou com ela ou não, na verdade suas conversas são mais observadas por pessoas ao seu redor que descrevem observar sua tranquilidade junto ao fogo, ouvindo; em vez disso, Rivette mostra como ela foi capaz de conquistar tantos homens ao atacá-los diretamente: você é o rei legítimo, diz ela ao delfim, que estava esperando no exílio para ouvir isso; os homens gostam dela dormir ao lado deles porque os faz sentir especiais deitar ao lado de uma bela virgem que deseja ir para a batalha, ela até ri de seus pensamentos impuros que os envergonham e eles vão usar isso para ir à batalha por ela quando os ingleses a chamam de prostituta. Rivette até mostra Joana d'Arc como uma valentona, empurrando os homens até que eles entrem na linha. Ela é diferente de qualquer mulher que eles encontraram e eles gostam da abordagem.

Embora apresentado da forma mais prática possível e sem aventura crescente, há reverência delicada e loucura em jogo Batalhas . E Joan não é apresentada como uma mártir, mas sim como alguém que é convincente em suas crenças, jovem em sua energia, e como essa combinação lhe dá acesso a homens que se sentiram derrotados pelos ingleses e precisavam de alguém para mexer com eles -importância. Na verdade, ela é capaz de fazer com que todos ao seu redor se sintam importantes, seja o futuro rei, ou seu tio, ou uma freira local, o que é ajudado por sua crença na mão guiadora de Deus. Por um tempo, ela ficou entre os homens porque você não atira no mensageiro quando o mensageiro está lá para exaltar sua posição superior na sociedade.

Ainda assim, apesar do foco na massagem do ego, Rivette insere uma mensagem direta de que a ordem social está centrada em torno dos homens de maneira injusta. Mas, como foi ordenado como tal, foi assim que Joana, a Donzela, conseguiu obter acesso, apesar da posição social e do gênero, apelando para a ascensão de um homem para governar.

Sabemos que Joana d'Arc eventualmente será queimada na fogueira, mas isso são apenas quatro minutos desse filme duplo de mais de 5 horas. Esse runtime tem como objetivo mostrar a vida, os feitos e a convicção de Joana d'Arc, mas também tem o objetivo de mostrar como os homens se comportam ao seu redor e isso porque eles assumiram todos os papéis de poder - tribunais, sacerdócio, bispos, governadores, reis, etc. - o que mais os irrita é que ela se recusa a usar vestido. E nessas cinco horas vemos Joana d'Arc comandar um exército, acariciar o ego de um aspirante a rei, homens e mulheres valentões, tudo isso enquanto usa um top e um bottom.

As vozes em potencial que ela ouve não são o problema quando Rivette e Bonnaire nos levam a As prisões , é que uma mulher se inseriu em uma trégua franco-inglesa e isso não é algo que uma mulher deve fazer. Sua ruína final é colocar de volta sua 'roupa masculina' simplesmente porque os guardas ingleses usaram seu status de pária para dar-lhes a liberdade de acorrentá-la, molestá-la e degradá-la. Nessas cenas desconfortáveis ​​ela está com um vestido e recorre a recuperar o traje que lhe conferiu algum respeito, ou pelo menos não este tipo de tratamento. E assim, Joan the Maid , visto como um todo é uma dupla característica em que todos nós sabemos o que está por vir, mas com seu tempo de execução de cinco horas é na verdade uma dissecação épica de narrativas desprezíveis e frequentes do tipo 'ela merecia'. Pela primeira vez ela está em um vestido e quando os homens têm uma narrativa de quem ela é, uma virgem que 'ouve vozes', então aqueles homens que a rotulam como inferior a eles então pensam que podem fazer qualquer coisa vil que eles pensem. Joan observa que esse tratamento não aconteceria se ela estivesse em uma prisão com guardas, ou pelo menos a presença de uma mulher em uma prisão de igreja. Porque ela agora está em um vestido - ela está acorrentada, o que foi prometido a ela não foi cumprido, e um 'ela mereceu' paira no ar de cada ação imaginável. Ela é queimada na fogueira por se recusar a voltar para o vestido. E os homens, que ocupam todas as posições de poder durante esta discussão, vêem isso como heresia, nada a ver com ouvir vozes de Deus, mas desobedecer ao controle de seu corpo.

Bonnaire apresenta uma atuação magnífica em dois filmes; dentro Batalhas, ela é perfeitamente equilibrada e estóica, com traços femininos suficientes (como chutar as pernas enquanto fala em uma cena ou rir da conversa lasciva de um homem em outra). Ela tem convicção e charme. Dentro Prisões , embora o tormento nos momentos finais não seja tão intenso quanto o clássico filme mudo, A Paixão de Joana D'Arc, Bonnaire joga de forma diferente, também não olhando para a potencial insanidade de Joan para tiques em sua performance, mas sim como firme, até o final. ~ Brian Formo

The Addiction (1995)

'Não somos maus por causa das coisas más que fazemos, mas fazemos mal porque somos maus.'

Dentro O vício , Lili Taylor —Uma das rainhas indie dos anos 90, agora mais conhecida pelo jogo de palmas que evoca espíritos em The Conjuring - estrela como uma estudante de filosofia que está faminta por conhecimento antes de ser mordida por um vampiro em um beco de Nova York e então ficar 'com fome' por sangue. Tornou-se muito chique investigar os aspectos negativos da vida eterna nos últimos tempos, mas Abel Ferrara O filme esparso em preto e branco definitivamente luta com a maioria dos problemas, usando um novato vampírico para explorar a religião, a dependência de drogas, o estupro e a epidemia de AIDS. Felizmente Taylor encontra um de língua sedosa Christopher Walken —Como um guia espiritual Nightwalking — que lhe dá uma lição sobre como se adaptar à sua nova aflição. O vício é extremamente acadêmico, mas embora se torne filosófico, tem um ritmo digestível específico que não desligaria as inclinações não-Jean-Paul Sartre.

No centro de O vício é a ideia de como sempre mudamos nossa filosofia de vida para melhor atender às nossas circunstâncias atuais - seja um vício, uma reação ao trauma, as discrepâncias econômicas em uma cidade cosmopolita ou um vampirismo repentino e inesperado. - Brian Formo

Clockers (1995)

- São filhos da puta como vocês que roubaram Rosa Parks.

Em um nível básico de história, Spike Lee de Clockers é uma polêmica sobre garotos de esquina traficantes de drogas que ficam pendurados em bancos o dia todo sob a vigilância do chefão da vizinhança, Rodney Little ( Delroy Lindo ) Quando um gerente noturno de uma lanchonete leva quatro tiros, o irmão mais velho, Rocco ( Isaiah Washington ) de um dos filhos da esquina, Strike ( Mekhi Phifer ), confessa o assassinato. Mas os detetives Rocco Klein ( Harvey Keitel ) e Larry Mazzilli ( John Turturro ) acham que ele está encobrindo seu irmão mais novo na tentativa de fazê-lo acordar e se distanciar de Little; os detetives acreditam que Rodney e Strike mataram o homem como uma iniciação para subir na cadeia.

Clockers foi originalmente configurado para Martin Scorsese para dirigir, mas ele acabou passando o projeto para Lee e se tornou um produtor. Lee, trabalhando para um roteiro do autor do romance Richard Price , mudou o ponto de vista original de Klein para Strike e a história resultante tornou-se imensamente mais interessante do que um mistério processual padrão. Strike, embora no final da adolescência, muitas vezes é mostrado brincando com trens durante seu tempo ocioso e bebendo leite com chocolate para aliviar as dores da úlcera. Esses poderiam ser adereços fáceis para mostrar que Strike é um jovem que por acaso está preso neste círculo violento, mas Lee usa isso para introduzir o pensamento de que bairros que são tomados por drogas fazem com que um jovem raramente ultrapasse os interesses dos jovens porque eles estão endurecidos para acreditar que não têm futuro.

Mas Lee não se contenta em fazer de Strike uma mera vítima que tinha o baralho contra ele. Enquanto a investigação gira em torno de Strike, Lee apresenta dois personagens secundários que servem como coro de confronto para Strike. Lá está o policial da ronda, Andre the Giant ( Keith David ) e a mãe ( Regina Taylor ) de uma criança da vizinhança que admira Strike, que dá um sermão em Strike sobre o prejuízo que ele está causando à comunidade por ficar sentado em um banco o dia todo aberto para negócios. Taylor dá uma das melhores performances de todos os tempos em uma única cena e David, magro e feroz, dá uma de suas performances mais ferozes como um policial que está enojado por Strike nem saber quem é Rosa Parks. Embora esses personagens dêem palestras como um Coro grego, eles não são pintados como santos, mas sim que estão transmitindo sabedoria, mas também são falhos porque não ouvem a resposta. A geração mais velha experimentou o Movimento dos Direitos Civis e testemunhou um movimento incremental de mudança e espera que a próxima geração avance, mas também estão alheios que essa mudança estagnou e ajudou a criar um sistema de desigualdade que é quase impossível de escapar de um bairro sem ter para participar do que ganha o dinheiro da vizinhança; um ciclo vicioso foi criado e é extremamente difícil escapar.

Escolher atirar do ponto de vista de Strike dá uma tensão extra à investigação porque, em última análise, você tem esperança de que Strike não seja culpado. É uma tarefa difícil para Lee tornar Strike simpático e, ao mesmo tempo, apresentar que ele poderia ser um assassino e que Strike é realmente falho e travesso, mas é uma experiência de visualização que torna Clockers ao contrário de outros filmes do gênero. Em última análise, Clockers seria devastador, não importa o resultado deste caso. E esse é o ponto. Esse equilíbrio moral na corda bamba e um elenco excelente tornam este o filme mais subestimado da obra de Lee. - Brian Formo

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Devil in a Blue Dress (1995)

Imagem via TriStar

“Certa vez, um homem me disse que você sai de casa pela manhã e já está em apuros. A única pergunta é você está no topo desse problema ou não? ”

Diabo de vestido azul funciona magnificamente como um filme noir, mas o que realmente o faz voar é como nos dá um novo prisma para olharmos. É outro potboiler de Los Angeles dos anos 1940, mas quando este filme for femme fatale ( Jennifer Beals ) diz ao investigador particular, Ezekiel 'Easy' Rawlins ( Denzel Washington ) que seu hotel é “só para brancos” e usar a entrada de serviço para conhecê-la, é apenas um exemplo de como todo o gênero policial tem sido desprovido de diversidade. Existem numerosos casos em que Carl Franklin borrifa isso como se estivesse habitando, não com um martelo na cabeça. Há uma piada corrente sobre Rawlins proteger sua casa de um jardineiro que ele não contratou, mas que tenta fazer algum trabalho sem ser visto, para tentar forçar o pagamento mais tarde. Rawlins freqüentemente aponta sua mangueira para este homem, ou o repreende na rua. Mas é o orgulho severo de Washington que faz essas cenas funcionarem, porque, ao contrário de muitos dos bairros negros da cidade que ele investiga para investigar a mulher desaparecida, Rawlins é dono de uma casa e sua casa é protegida não apenas porque gângsteres durões e a polícia estão passando para agredi-lo, mas porque é um símbolo de seu trabalho árduo; ele é dono de uma casa negra em Los Angeles pós-Segunda Guerra Mundial.

O mistério central de por que a mulher fugiu de seu namorado candidato a prefeito é secundário em relação à tapeçaria dentro da hábil narrativa de Franklin: regras diferentes para diferentes raças. E ao contrário L.A. Confidencial , o tiroteio de encerramento não parece uma tentativa de encerrar a trama perfeitamente, mas sim algo necessário para os personagens fazerem porque a polícia já foi estabelecida como uma força de oposição.

Franklin também apresenta habilmente Don Cheadle personagem icônico de, Mouse. Mouse é mencionado de passagem por Rawlins algumas vezes, mas nunca de uma forma que sua presença pareça próxima, e quando ele chega, ele é o perfeito e clássico filme noir com o terceiro nome nos créditos, cabeça quente. É realmente um crime não termos obtido mais pares de filmes Rawlins e Mouse a partir de Walter Mosley os livros de Washington, como Washington e Cheadle agem em torno de quase todos os filmes neo-noir dos anos 90. Também é uma pena que Franklin tenha estado na prisão de TV por quase todo o século 21. Seus dois primeiros filmes, este e Um movimento falso (quase fez esta lista), são traçados de forma tensa e magnificamente representados. Sua carreira revela que, para Hollywood, é realmente um passo em falso quando se trata de diretores negros, onde hacks de aluguel sempre podem conseguir um novo trabalho, mas uma falha de ignição percebida por uma minoria é impossível de superar.

Quanto a Washington, este é um de seus melhores desempenhos, e embora Washington nunca estrelou uma sequência até O Equalizador 2 , seu Easy Rawlins deveria ser seu Philip Marlowe. Ele é firme, orgulhoso, tem o sorriso mais caloroso e mais largo de qualquer homem que já usou celulóide; o momento decisivo para o desempenho de Washington é sua cena de sexo. Enquanto seu amigo está desmaiado bêbado, Rawlins e a esposa de seu amigo fazem sexo na sala de estar, ela vem atrás dele a noite toda, mas quando ela pára de vergonha conjugal no meio do coito, Washington implora com um estremecimento de perplexidade. Nós nunca vimos Marlowe, ou Spade, ou qualquer uma das estrelas dos anos 40 ter que implorar por isso; eles apenas faziam um gesto facial com um cigarro pendurado do lado da boca e apagavam as luzes. Regras de filmes diferentes para momentos diferentes também. ~ Brian Formo

Autoestrada (1996)

'Estou chateado e o mundo inteiro me deve.'

Toda vez que eu assisto auto-estrada , Eu não posso acreditar no que estou vendo. Violência espalhafatosa, palhaçadas atrevidas e Reese Witherspoon , A queridinha da América, jogando bombas F como se fosse seu dever jurado - tudo isso tão na sua cara que é fácil perder o fato de que o filme realmente faz um trabalho muito bom em retratar a desesperança de crianças desprivilegiadas que entram no sistema muito jovem.

Uma releitura do estilo de exploração de 'Chapeuzinho Vermelho', auto-estrada segue Witherspoon como Vanessa Lutz, uma estudante do ensino médio analfabeta obstinada e desbocada que foge quando sua mãe maluca e seu padrasto lascivo são presos por aliciamento e posse. Em vez de entrar em um orfanato novamente, Vanessa pega a estrada para encontrar sua avó perdida há muito tempo e começar uma nova vida, até que seu carro para na beira da estrada e o lobo proverbial em pele de cordeiro, Bob Wolverton ( Kiefer Sutherland ), um serial killer e necrófilo, oferece a ela uma carona. Bob se apresenta como um conselheiro de jovens de coração mole, extraindo habilmente os segredos mais sombrios de Vanessa e as histórias mais pervertidas de abuso, antes que Vanessa entenda seu jogo e vire a mesa mais rápido do que você pode dizer: 'Que dentes grandes você tem.' A partir daqui, o filme vira à esquerda a cada oportunidade para a narrativa convencional, que se manifesta mais obviamente nos momentos em que você espera que Vanessa seja vitimada.

Por toda a conversa hoje em dia sobre “personagens femininas fortes”, Vanessa Lutz é o verdadeiro negócio em meio a todas essas travessuras trashen. Ela é destemida, autossuficiente e contra todas as probabilidades, sempre no controle de seu próprio destino. Ela opera exclusivamente com base em sua própria agenda, não aceita merda de ninguém e não é nenhum truque, bebê. Ela também é assustadora ocasionalmente. Quando Bob pega essa loira corajosa, ele não tem ideia de que finalmente conheceu seu adversário.

Estou mantendo este breve porque não quero estragar as voltas e reviravoltas deste filme absurdamente ultrajante para aqueles que não o viram, mas as consequências de seu encontro leva a todos os tipos de direções fodidas. É a mais negra das comédias, completamente degenerada, totalmente distorcida e, muitas vezes, divertida e divertida. - Haleigh Foutch