Filmes dirigidos por George Clooney classificados dos piores para os melhores

Incluindo seu mais novo filme da Netflix de 2020, The Midnight Sky.

Uma querida estrela de cinema, membro da realeza de Hollywood e amante de todas as coisas da Nespresso. George Clooney nasceu no Kentucky em uma família de pessoas acostumadas a serem vistas: sua mãe era política e rainha da beleza, seu pai é âncora e apresentador de televisão e sua tia era maldita. Rosemary Clooney . Clooney se destacou como ator graças ao seu papel de protagonista intensamente assistível no influente drama da NBC É , e ele deixou a série em 1999 para continuar promovendo sua carreira de estrela de cinema intensamente assistível. Clooney construiu uma carreira na tela de trabalhos adultos de prestígio, mas divertidos, ganhando elogios por filmes como Três reis , Syriana , Michael Clayton , No ar , Os descendentes , Gravidade e muitos mais, ao mesmo tempo que promove colaborações com cineastas famosos como Steven Soderbergh e a Irmãos Coen . Ah, e em algum lugar lá, ele interpretou o Batman, mas não precisamos falar sobre isso.



No meio de se tornar um verdadeiro ícone da tela, Clooney também cultivou uma carreira infernal como diretor. A recepção crítica em sua produção geral como diretor tem sido um tanto mista e inconsistente, com um de seus filmes sendo amplamente visto como uma obra-prima e o restante ganhando todos os tipos de alcance crítico. Mas sempre gostei e fiquei intrigado com o diretor Clooney, desde sua estréia surpreendente Confissões de uma mente perigosa ao seu mais recente, e ainda surpreendente, mas de uma forma bastante diferente, O céu da meia-noite . Acho que seu domínio e vontade de experimentar a linguagem do cinema são impecavelmente elaborados e corajosos, e considero seus tópicos de interesse consistentemente importantes para nossa sociedade americana moderna (mesmo que seus filmes tendam a examinar a sociedade americana do passado), apresentando uma ampla gama de teses complicadas em métodos que separam a complicação fílmica e a acessibilidade.



Em comemoração ao recente lançamento de seu filme de ficção científica Netflix O céu da meia-noite , classificamos cada filme dirigido por George Clooney do pior ao melhor, e esperançosamente defendemos que ele é um autor americano que vale a pena prestar atenção. E para saber mais sobre o que ele está fazendo como cineasta, aqui estão as informações sobre sua futura adaptação de um John Grisham novela.

7. The Monuments Men

Imagem via Sony Pictures Lançamento



The Monuments Men é, até agora, o maior fracasso de Clooney como diretor. Assistir é o mesmo que olhar para uma roupa particularmente elegante em um manequim; o estilo, a aparência e a sensação superficial do filme gritam 'alta moda', mas em sua essência, sua humanidade é em branco. The Monuments Men , baseado na história verídica de especialistas em arte internacionais que se prepararam para a Segunda Guerra Mundial para salvar nossas melhores obras e artefatos culturais da destruição nazista, quer jogar como uma mistura leve, calorosa e sentimental entre Ocean's Eleven e um Ken Burns documentário; o que quer dizer, o filme papai perfeito. E da leitura mais superficial possível, meio que consegue. Ele tem um elenco estrelado e cheio de prestígio em Clooney, Matt Damon , Bill Murray , John Goodman , Bob Balaban , Jean Dujardin , Hugh Bonneville , e Cate Blanchett . Há, quase objetivamente, uma sensação de 'diversão' em assistir esses artistas secamente cômicos abrindo caminho através de pequenas peças de cenários de filmes de guerra repletos de erros de direção e o que eu poderia chamar de 'baby boomers se dando tapinhas nas costas'. Seu coração está firme em sua manga de uma forma que aprecio, culminando em uma bela sequência final envolvendo o pai real de Clooney, Nick Clooney . E formalmente, The Monuments Men é bonito como o inferno; DP Phedon Papamichael usa cada centímetro do quadro de 2,4: 1 com composições impressionantes e imaculadamente coloridas e compositor Alexandre Desplat transforma em uma de suas muitas pontuações notáveis ​​para uma junta de Clooney, apesar de quão boa a própria junta de Clooney é.

E, no final das contas, esse conjunto de Clooney não é isso, porque Clooney joga contra seus pontos fortes como diretor, em vez de se apoiar neles. Há uma tonelada de narrações em vez de mostrar neste filme, locuções solenes que nos entoam de forma bastante explícita sobre o significado da arte como 'a história de nossas vidas' (locuções que, combinadas com o uso generalizado de cross-fading, sugerem toneladas de material deixado de fora do corte final), sobre a necessidade de colocar nossas vidas em risco quando as apostas são tão altas, e em seu momento mais embaraçoso, sobre a importância do excepcionalismo americano e da interferência nas relações exteriores (talvez o pior uso de uma bandeira americana na tela da história do cinema). Estou argumentando que os americanos não deveria lutar contra os nazistas? Absolutamente não. Mas estou argumentando que Clooney é melhor quando ele é discutindo. Ele não é apenas um refletor ou projetor do bom e antiquado idealismo americano em uma tela em branco, uma penteadeira de roupas em um manequim sem rosto. Ele provoca esses ideais, cutuca-os, dobra-os, exige ver o que está acontecendo por baixo. Para colocá-lo em uma metáfora de arte: Clooney não tem nenhuma placa ao lado dos retratos que ele emoldurou, nenhum contexto, nenhuma dica do que está acontecendo sob seus temas humanos. Ele fica contente em simplesmente apontar e dizer: 'Não é bonito?' E bem, isso não é suficiente.

6. Leatherheads

Imagem via Universal Pictures



E agora, eu me contradigo! Leatherheads é uma imagem curiosamente bifurcada, um filme que usa seus tropos de gênero de comédia maluca retrô, ruidosa e maluca com afeto efetivo. E então, ele se dobra sobre si mesmo, quase exigindo que o levemos mais a sério e reexaminemos tudo o que experimentamos sobre ele até agora. E honestamente? Nós não, tipo, 'precisamos' disso! Quanto mais espumante e rápido for, melhor!

Em uma época em que o curioso esporte do 'futebol profissional' está ganhando força como interesse nacional (ei, com a proibição em andamento, o que mais você vai fazer?), Dodge Connelly (Clooney, impecavelmente se apresentando como um charmoso, mas (desonesto que está enfrentando a irrelevância) é o líder de um time particularmente sujo e sujo. Mas o que acontece quando um herói de guerra saudável ( John Krasinski , não bastante rastreando-se a este mundo) junta-se à equipe, atraindo a atenção de um repórter agressivo e agressivo ( Renée Zellweger , absolutamente rastreando-se a este mundo)? Tudo se solta, resultando em um triângulo amoroso encantador, socos deliciosamente desequilibrados, algumas partidas de futebol surpreendentemente bem compostas e cenários de comédia farsesca (DP Newton Thomas Sigel entregando um excelente trabalho), e o tipo de brincadeira de vaivém que você gostaria desse tipo de filme. Compare tudo isso com um cronômetro constante Randy Newman pontuação, e essa é uma noite divertida no cinema!

Exceto: Leatherheads não quer que tenhamos também muita diversão. Mesmo em seus momentos mais brilhantes e efervescentes, o ritmo do filme não atinge, e não parece interessado em alcançar, as alturas mais estilizadas e estilizadas de Preston Sturges 'melhores trabalhos. Alguns de seus intérpretes querem se inclinar totalmente para o gênero; a maioria deles quer que permaneçamos, de forma um tanto frustrante, amarrados a um modo de atuação mais contemporaneamente 'restrito'. E o mais chocante (e mais revelador dos interesses de Clooney como contador de histórias), Leatherheads eventualmente se torna uma condenação solene da predileção de nossa nação em preferir histórias brilhantes à verdade, orientando esta mudança de história para o personagem de Krasinski de uma forma que não honra totalmente o roteiro que veio antes dele. Conforme declarado em meu exame de The Monuments Men , Eu tendo a preferir quando Clooney olha por baixo das histórias brilhantes nas quais apostamos em tantas estruturas americanas, e esse impulso certamente faz Leatherheads um relógio único com um nó memorável. Mas às vezes os 'impulsos' podem lutar contra um caminho de menor resistência e resultar em um produto final teimoso que parece mais difícil de desfrutar do que o necessário. Não sei por que Clooney decidiu tratar a Segunda Guerra Mundial com menos seriedade do que “diversão futebolística”. Mas, apesar de suas mudanças de tom estranhas (e muitas vezes estranhamente envolventes), Leatherheads continua a ser um filme divertido, idiossincrático e atraente, com falhas e tudo.

5. O céu da meia-noite

Imagem via Netflix

Parabéns a Clooney por fazer um filme que não se parece com nenhum de seus outros filmes! Foi-se o fascínio pela 'cultura americana' e pela 'narrativa'. Em vez disso, Clooney tornou-se um autêntico filme de ficção científica, um que explicitamente alterna entre os subgêneros de 'exploração espacial' e 'desastre distópico', com a audácia de encenar ação, até mesmo cenários de terror nesses espaços! O céu da meia-noite , baseado no romance Bom dia meia-noite de Lily Brooks-Dalton , representa um salto gigante para a voz de Clooney como cineasta apenas por esse motivo, mesmo que outros elementos permaneçam antiquados do Clooney para o melhor e para o pior.

Formalmente, Clooney dispara em alguns novos cilindros. DP Martin calmo (que filmou a adaptação da minissérie do Hulu de Clooney de Catch-22 ) filma o filme da Netflix na proporção pouco ortodoxa de 2,11: 1, dando ao diretor espaço para paisagens espaciais e paisagens árticas expansivas e visualmente esplêndidas, ao mesmo tempo em que enfatiza a claustrofobia de estar preso em um posto avançado ou nave espacial abandonada. Clooney e seu editor regular Stephen Mirrione estabelecer alguns dos melhores padrões de corte de sua carreira; Eu amo sua projeção para frente e para trás entre cortes limpos, desfeitos e disruptivos, frequentemente amargamente irônicos entre o ruído e o silêncio. A pontuação de Desplat às vezes beira o queijo para mim, mas Clooney a usa ao lado de seu talento recém-descoberto para visuais de gênero para arrancar alguns sustos repentinos. E querida? Eles trabalham. Talvez Clooney possa seguir o caminho de seu Leatherheads co-estrela Krasinski e continue puxando o fio do terror ...

... mas para fazê-lo com tanto sucesso quanto Krasinski, ele ainda precisa de algumas sutilezas como contador de histórias. Há uma história A infinitamente fascinante no centro de O céu da meia-noite , um que vai te dar Náufrago encontra Eu sou a lenda vibrações. O próprio Clooney está preso em um posto avançado do Ártico depois que algum tipo de desastre destruidor da Terra destruiu todo o resto. Exceto, ele não está tão sozinho quanto pensava. Entrar: Caoilinn Springall , uma jovem silenciosa que conseguiu se esconder de Clooney até agora, resultando neste homem auto-isolado, doente e quase misantrópico, encontrando sua última reserva de esperança para o bem desta criança (e apenas talvez, o futuro do ser humano corrida). Clooney se direcionou para uma das melhores performances de sua carreira; ele é assombrado, assustador, desesperado e totalmente assistível. A química dele e de Springall é tão adorável, que precisa ser resolvida e tão transformadora para o arco de Clooney (este pode ser o melhor O último de nós nós conseguiremos adaptação para as telas, exceto que a série da HBO seja excelente). É algo fascinante e envolvente.

Pena, então, que passemos tanto tempo em nossas histórias B, e mesmo C, fazendo com que a imagem às vezes pareça um piloto de TV sobrecarregado tentando sobrecarregar muitas batidas de personagem de uma só vez. Nossa espaçonave flutuando no ar, tendo visto se uma recém-descoberta lua de Júpiter pode sustentar a vida, está cheia de toques de desempenho e momentos visualmente impressionantes - especialmente um envolvendo gotas de sangue e falta de gravidade - mas nós simplesmente não temos a sala para nos concentrarmos em por que estamos gastando tanto tempo com eles. Seus momentos não pousam e lutam para ultrapassar seu status de 'tropas e clichês de filmes espaciais'. Mas, se você passar por essas sequências de ar morto e inércia dramática, Clooney tem um final incrível para você, que fará com que esses desvios pareçam não apenas valer a pena, mas grandiosamente projetados desde o início. Mais frequentemente um filme interessante do que um filme puramente 'agradável'; um filme que parece que Clooney pegou o bug de seu trabalho em Solaris e Gravidade e queria experimentar; uma obra que representa um robusto de Hollywood esticando as pernas. Ele avançou, certo, mas as dores do crescimento são sentidas.

4. Suburbicon

Imagem via Paramount Pictures

Quando foi lançado pela primeira vez em 2017, Suburbicon estava maltratado . As pessoas o denegriram por sua costura desajeitada de duas histórias díspares, sua óbvia imitação do Irmãos Coen (para ser justo, é parcialmente um script dos Coen Brothers), e seu marketing incorreto do que realmente é. Eu, portanto, abordei 'o que realmente é' com expectativas de nível básico. E bem, mesmo assim, fiquei bastante chocado com Suburbicon .

O filme é tão explícito de um 'Clooney cutucando sob a superfície da produção americana' quanto ele provavelmente fará; no entanto, ele faz seus pontos mais incendiários, provocativos, enjoativos e necessários de maneira estranhamente sutil, em métodos intencionais que eu acreditava que levaram à sua resposta inicialmente fria. Dois threads ocorrem simultaneamente em Suburbicon , um na superfície e outro nas margens. Inicialmente, temos uma comédia policial sombria, sardônica e brutal sobre a erosão da unidade familiar doméstica, personificada por Matt Damon e Julianne Moore abrindo caminho através de um esquema tingido de noir, e Saia Noah deixado como o filho que deve recolher os pedaços espalhados. Esta unidade oferece desempenhos excepcionais, com Damon arqueando seu trabalho em direção a um final verdadeiramente sombrio e chocante (com este e Os defuntos , Estou exigindo mais performances de vilão Damon!), E Moore especialmente se divertindo torcendo os tropos de 'dona de casa suburbana branca dos anos 1950' em vários modos de origami de performance e meta-performance. Jupe é, simplesmente, comovente de assistir, tão compreensível, empático e aberto.

Faz sentido, então, que Jupe seja nosso tentáculo para Suburbicon outra história mais profunda. Uma família negra, jogada com um endurecido sobrevivencialismo e pontos abertos de empatia por Karimah Westbrook , Leith Burke , e especialmente Tony Espinosa como filho desta família, muda-se para o bairro branco-lírio e preconceituoso de Suburbicon. E o Suburbicon simplesmente enlouquece, explodindo em erupções de racismo sancionado pela cidade, as mais macro 'microagressões' que você já viu no filme, uma enxurrada constante de interrupções barulhentas no modo de vida normal dessa família e, eventualmente, um todo motim. Suburbicon recebeu críticas justas de deixar de lado esses personagens negros simplesmente como sendo 'esses personagens negros', mais símbolos de trauma executados por, dentro e fora do texto, autores brancos do que personagens reais. Eu entendo e respeito essas críticas, e entendo se um argumento de intenção versus efeito não é bem-vindo aqui.

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Mas para mim, as intenções de Clooney são claras por ser pouco claras, e óbvias por ser sutil a ponto de deixar de lado. O filme, na verdade, quer esta história deve ser deixada de lado, para ser alterada, para que possa fazer seu ponto fundamentalmente incisivo sobre os pecados da América branca de se opor aos não-brancos e pintá-los como monstros para ignorar seus próprios, dolorosamente óbvios, dolorosamente monstruosos pecados. Este drama baseado em raça ocorre nas margens da história de Damon / Moore porque Damon e Moore, e os suburbanos brancos em geral, quer Os negros devem permanecer marginalizados, para ignorar a revolta fermentando literalmente em sua porta enquanto se concentram em cultivar sua própria mitologia de um lar e 'ganhar' sua própria besteira (um ponto colocado em foco durante nosso relacionamento nacional e 'lidar' com os períodos de 2020 de agitação após contínuas injustiças raciais). Existe algum ramo, alguma tentativa de trabalho progressiva e construtiva feita entre o opressor e o oprimido?

Vem, simbolicamente, via Jupe e Espinosa. As duas crianças, que só querem ter uma vida normal, porra, sem ter que lidar com todas essas besteiras instaladas por adultos como racismo sistêmico, brincam juntas frequentemente durante o filme, silenciosamente ligando-se sobre seus traumas e situações melancólicas. Correndo o risco de entrar em território de spoiler, um momento assustadoramente assustador chega quando Damon explicitamente ordena Jupe para não brincar mais com essa criança, por razões explicitamente racistas, sua necessidade subconsciente de manter a 'diferenciação', de continuar ignorando os demônios que ele está diretamente responsável por explodir na superfície. A resposta de Jupe a esta ordem, estranhamente, dá Suburbicon um final real de esperança através da escuridão - e quero dizer Através dos a escuridão. Pavimentado, eu lhe digo, pavimentado!

3. Confissões de uma mente perigosa

Imagem via Miramax

Confissões de uma mente perigosa , A estreia de Clooney na direção, é um monstro flex, um trabalho estranhamente experimental, uma produção audaciosa de 'estilo' e, talvez o mais importante, uma indicação clara dos tópicos e temas que Clooney está interessado em explorar como cineasta. Conta a 'história verdadeira' de Chuck Barris ( Sam Rockwell , hipnotizante), um produtor e apresentador de TV prolífico e influente ( The Dating Game , The Gong Show ) que por acaso apareceu como um assassino contratado da CIA. Jogando fora todo floreio visual que ele e DP Newton Thomas Sigel pode pensar no livro - impressionante ouro impressionante e envolvente com uma série de 'transições práticas' que envolvem mover-se entre pessoas e conjuntos para comunicar passagens surreais de tempo e espaço em uma tomada - Clooney usa este conto, adaptado por Charlie Kaufman de uma 'autobiografia não autorizada' do próprio Barris, como um trampolim diretamente para o coração do entretenimento americano, o caos geopolítico e o desconcertante fio condutor entre os dois. É um filme surpreendentemente cínico, feito com algumas das técnicas de cinema mais divertidas que já vi no cinema recente; um canto de sereia de escolhas técnicas perfeitas para comunicar as teses provocativas que estão sendo feitas. Rockwell interpreta Barris como um homem que lentamente percebe a verdade das profundezas de sua desumanidade, e as profundezas da desumanidade de uma América que ele pode ser indiretamente (ou diretamente) responsável por exacerbar. O modo de televisão de Barris, um modo que vemos em pleno vigor não apenas na televisão improvisada, mas no discurso da Internet hoje, é avaliar as pessoas, competindo-as entre si pelos caprichos de nosso entretenimento mais básico, e quando eles não mais nos servirem, para 'mate-os', geralmente acertando um gongo grande e velho. Quão longe está para pular, pular e dançar erraticamente para literalmente matar pessoas por um tipo diferente de necessidade americana de violência, para erradicar ativos que não mais nos servem, para confortável sede de sangue? Claro, esse rastreamento literal de matar pessoas metaforicamente para literalmente matar pessoas (ou como Barris coloca, 'eu descarto as pessoas e ainda assim sou descartável') parece um pouco óbvio no papel. Mas, na prática, é executado de forma estonteante e consistente, com uma habilidade demoníaca e até mesmo fanfarrona que se concentra em uma sensação bem-vinda de distorção e ambiguidade. A queda da música do crédito final vai socá-lo no Nós vamos .

2. Os idos de março

Imagem via Sony Pictures Lançamento

Lançado durante o período relativamente otimista de Barack Obama primeiro mandato, um fato que você pode sentir na imitação do filme de Shepard Fairey o icônico pedaço de agitprop, Os idos de março só se aguçou em potência, em poder, em inquietante relevância para nosso cenário político contemporâneo (assistir a este filme durante, digamos, uma eleição presidencial carregada talvez não seja recomendado). 'Poder' é a palavra-chave neste recurso; baseado na peça Farragut North pelo futuro Castelo de cartas O Criador Beau Willimon (e fazer tudo o que mostrar que quer em menos tempo e mais eficácia), Idos de março retira todos os pôsteres do Fairey e se arrasta para trás da cortina frequentemente performativa até mesmo dos chamados 'democratas progressistas' para revelar que o poder, puro, sem verniz, poder pessoal, é o motor de cada decisão, não importa quão inclusiva seja a camada de tinta sentimentos.

Ryan Gosling é o nosso jovem aspirante a supervisor de campanha política que consegue passar por esse moedor de carne e tentar sair do outro lado. Ele desempenha esse papel de maneira maravilhosa, sutil e clara, mesmo enquanto luta com todos os tipos de incrível talento de atuação, incluindo o próprio Clooney (como nosso candidato a salvador ao estilo Obama com todos os tipos de segredos horríveis; outra compreensão perfeita de como se lançar) , Philip Seymour Hoffman , Paul Giamatti , Marisa tomei , e especialmente Evan Rachel Wood . Na adaptação de uma peça para a tela (com roteiro de Willimon, Clooney e colaborador frequente Grant Heslov ), Clooney entende que a essência do filme está principalmente em suas palavras e nas pessoas que as dizem. Como tal, existe uma pureza na construção da sequência da imagem; se foram os Confissões floreios e surrealismos, substituídos por uma comunicação direta dos fatos em todos os seus golpes cortantes. Isso não quer dizer que o filme não possui estilo, apenas um diferente, mais limpo e mais puro que consegue enfiar a linha na agulha entre a obscuridade dos thrillers de conspiração dos anos 70 e os dramas de prestígio dos anos 90 (para não mencionar outro queimador de uma trilha sonora de Desplat isso me deixa sério Quincy Jones vibrações).

Tudo isso resulta em um relógio desconfortavelmente divertido, um trabalho além de bem feito de incisividade devastadora que desnuda não apenas o idealismo de instituições americanas como 'eleições', mas de todos os seres humanos que afirmam se comportar para o bem dos outros seres humanos. Colocando de outra forma: Os idos de março tem uma foto de exame poderoso de uma bandeira americana que The Monuments Men só poderia sonhar.

1. Boa noite e boa sorte.

Imagem via Warner Bros.

O único filme da carreira de diretor de Clooney até agora que foi indicado ao Oscar de Melhor Filme, e por um bom motivo. Boa noite e boa sorte. leva todos os tópicos favoritos de Clooney - estruturas americanas tornando-se armadas, a interseção difusa entre informação e entretenimento degradante, a decadência e irrelevância da velha guarda, o desejo destrutivo de poder e o abismo mais amplo entre a superfície e a substância - e os funde todos em um filme de sensação perfeita, orgânico e esplendidamente tátil que vibra com um poder sutil em 90 minutos puros e limpos. Em construções sequenciais em preto-e-branco que parecem capturadas e ao mesmo tempo documental, enquanto ainda comunicam intencionalmente toneladas de significado autoral (DP Robert Elswit também foi indicado por seu trabalho), entramos na história do célebre jornalista da CBS Edward R. Murrow ( David Strathairn , perfeito) enquanto ele e sua equipe se transformam em soldados da linha de frente em uma guerra contra acusações infundadas, policiando dissidentes de opinião e pensamento e provocando o bullying sob o pretexto de puritanismo americano. Todos esses impulsos primários de energia Senador Joseph McCarthy , que os aficionados por história saberão, usou sua posição para insistir que muitos americanos eram comunistas, e além do fato fundamentalmente irônico de que a própria América foi fundada nos ideais ostensivos de liberdade de expressão, McCarthy nunca teve qualquer prova para sustentar sua fanfarronice superficial . Para um filme obcecado pela superfície, pelas lentes, com uma necessidade de lixar as bordas da subjetividade para o mais puro de objetividade possível (Elswit fazendo sua parte colocando constantemente outros quadros de televisão dentro de seu quadro de câmera), ele toma sua decisão mais astuta ao deixando McCarthy, como Murrow fez em seus programas originais, falar por si mesmo. Este filme é embalado com um elenco notável fazendo um trabalho notável - Strathairn, Clooney, Jeff Daniels , Ray Wise , Robert Downey Jr. , Patricia Arquette , Frank langella - mas McCarthy não tem a graça de um ator de primeira linha para interpretá-lo. Em vez disso, Clooney usa a arma mais poderosa à sua disposição: a verdade, ou o mais próximo que puder, de imagens de arquivo simples de McCarthy dizendo exatamente o que disse.

Boa noite e boa sorte. não apresenta esses pontos sociopolíticos de maneiras áridas, enfadonhas ou desinteressantes. Ao contrário de alguns de seus trabalhos posteriores, Clooney leva a ideia de 'mostrar, não dizer' ao seu ideal platônico; tudo o que aprendemos sobre esses personagens, seus objetivos e os resultados de suas ações é aprendido no tempo presente à medida que executam seus trabalhos (irônico, dado que tanto do trabalho em mãos é literalmente dizer coisas às pessoas). Como tal, tende a funcionar como um thriller processual envolvente, um agitador sem frescuras que sabe que não precisa colocar nenhum molho em uma receita fundamentalmente forte ( Aaron Sorkin , faça anotações). Um conflito importante do lado do filme é a aversão de Murrow por ter que apresentar um programa de bate-papo fofo com celebridades, uma espécie de 'um para eles' para dar a ele a pista de seus árduos esforços jornalísticos 'um para mim'. Mas Boa noite e boa sorte. prova que você pode ter as duas coisas; você pode entreter e informar, e essas divisões que Clooney está tão decidido a examinar são muito mais arbitrárias do que podem parecer à primeira vista.

Um nível de, bem, talvez não de 'esperança', mas de 'progresso sólido' ajuda a sombrear as bordas freqüentemente endurecidas de Boa noite e boa sorte. , aquele que dá a ele sua consciência, sua alma, e apesar de como Murrow pode querer uma tese sobre a verdade para operar, seu coração. Isso dá ao filme seu poder de permanência e relevância no tempo presente. Ele nos lembra, sem a necessidade de martelar o ponto sobre nós, que o trabalho árduo e puro de intenções e possível pode estilhaçar qualquer superfície performativamente agressiva em seu caminho. 'Boa sorte' faz parte disso, com certeza. Mas o melhor filme de Clooney nos mostra que a sorte pode e deve ser temperada e forjada com um bom trabalho também. Só então podemos ganhar nossas boas noites.