Como conseguir um emprego em animação no Walt Disney Studios

Na WonderCon 2015, os recrutadores da Disney oferecem dicas sobre como conseguir um emprego como animador no Walt Disney Animation Studios e na Disney Television Animation.

Na WonderCon neste fim de semana, eu me diverti cobrindo o painel Walt Disney Animation Studios e Disney Television Animation: Carreiras na Disney Animation com Camille Eden (Gerente, Recrutamento), Matt Roberts (Recrutador Artístico), e Brooke Keesling (Diretor, Desenvolvimento de Talentos), que compartilhou alguns dos diferentes papéis criativos que ajudam a fazer filmes de animação e programas de televisão. A discussão foi moderada pelo animador Disney Darrin Butters , que trabalhou em Big Hero 6 e Congeladas , e ofereceu uma visão dos bastidores dessa incrível forma de arte. O painel começou com uma curta exibição apresentando o filme e a animação de televisão mais populares do Disney Studios e terminou com uma sessão de perguntas e respostas com o público.



Os painelistas falaram sobre as diferentes abordagens de cada estúdio; como é trabalhar em um estúdio vertical onde tudo é feito internamente; o processo de desenvolvimento no pipeline do estúdio; o ambiente de trabalho colaborativo, rápido e divertido; como arte e tecnologia são combinadas; como todos que trabalham na Disney contribuem para o processo; a importância de permanecer fiel à visão de toda a organização; por que eles querem candidatos com um forte senso de apelo, estética e narrativa; seu programa de treinamento e oportunidades de estágio; o que procuram no portfólio de um candidato; as melhores posições de nível de entrada para recém-formados; e a importância do apoio dos pares e feedback honesto.



Foto via Sheila Roberts

Aqui estão 15 coisas importantes que você deve saber se estiver interessado em seguir carreira em animação no Walt Disney Studios:



  • Disney Television Animation é um ambiente de ritmo acelerado e geralmente tem cerca de 12 séries em vários estágios de produção a qualquer momento. Eles são programas dirigidos por criadores. Novas pessoas que desejam ser criadores vêm e apresentam ideias. Se aprovados, eles fazem pilotos e a DTVA decide quais deles terão luz verde para uma nova série. Eles também têm propriedades que levam ideias de propriedades existentes no legado da Disney.
  • Na Disney Television Animation, os criadores do programa estão no comando e trazem sua visão para a mesa, mas não são necessariamente os diretores de seus próprios programas. Porque há tantos shows acontecendo em um determinado momento, o criador do show supervisiona tudo isso, mas haverá diretores diferentes.
  • O Walt Disney Animation Studios é mais voltado para o diretor. Eles fazem um filme por ano. Eles estão atualmente trabalhando em seus 55ºfilme, Eles também têm um programa de curtas e projetos especiais. Seu conteúdo é desenvolvido em casa e seus escritores fazem parte do estúdio. Você tem que estar no status de diretor para lançar um filme.
  • O Walt Disney Animation Studios tem três padrões importantes, que são contar histórias atraentes, criar mundos verossímeis e personagens atraentes. Tudo começa e termina com história.

    Foto via Sheila Roberts

  • O processo de filmagem é dividido entre 14 departamentos em três grandes áreas: desenvolvimento, produção de elementos e produção de filmagens. Eles são um estúdio vertical, o que significa que tudo é feito internamente. É um ambiente muito colaborativo e seus departamentos trabalham juntos constantemente durante todo o processo.
  • Na Disney Animation, arte e tecnologia são combinadas e funcionam juntas. O estúdio conta com especialistas em tecnologia que trabalham em todo o pipeline.
  • O Walt Disney Animation Studios tem uma equipe de artistas de desenvolvimento visual, enquanto a Disney Television Animation procura funções muito específicas, como diretor de arte, designer de planos de fundo, pintor de planos de fundo e estilista de cores.
  • Os artistas de histórias no Walt Disney Animation Studio trabalham de maneira muito grosseira e gestual porque estão fazendo muitas iterações de muitas das mesmas tomadas e cenas repetidamente à medida que o filme se desenvolve. Na TV Animation, a história e as revisões são mais restritas.
  • A Disney não tende a contratar muitos escritores para animação de TV porque a maioria de seus programas é dirigida por storyboard e os artistas de storyboard estão fazendo a escrita.
  • Foto via Sheila Roberts

    Trabalhar na Disney Animation é divertido, rápido, e os artistas se dão muito bem e alimentam a criatividade uns dos outros. Você começa a trabalhar com seus colegas e aprender uns com os outros. Todos estão lá para fazer o melhor filme possível.
  • Se você está se candidatando a uma posição inicial, seu portfólio deve revelar sua capacidade de contar uma história, como um filme de estudante, história em quadrinhos ou história em quadrinhos que você criou. O estúdio está procurando por um desenho forte, uma habilidade para fazer uma variedade de estilos, e que você esteja observando da vida e não apenas desenhando de outros designs.
  • Um revisor de storyboard, que limpa os desenhos de storyboard de um artista de storyboard experiente, é um bom trabalho para iniciantes. Se a Disney Television Animation gostar de sua habilidade de narrativa, eles enviarão um teste de storyboard para considerar seu potencial.
  • O Walt Disney Animation Studios tem um programa de treinamento de desenvolvimento de filmes para artistas de histórias que acontece duas vezes por ano. As disciplinas variam de acordo com as necessidades dos estúdios. É uma orientação paga de 3 meses a 1 ano em que você é pareado com um artista residente da Disney. (Vamos para DTVATALENT@DISNEY.COM e DISNEYANIMATION.COM/CAREERS Para maiores informações)
  • Em um grande estúdio como a Disney, você tende a ser contratado para uma tarefa específica. É bom ter uma especialidade, como uma especialidade que se concentra na história, mas também ter uma secundária que se concentra, por exemplo, no design de personagens. A versatilidade em ambos os mundos torna você mais comercializável para a indústria em geral.
  • É um momento legal para tentar entrar na indústria da animação porque você tem os recursos do mundo ao seu alcance hoje. Cerque-se de um forte grupo de artistas que você respeita, que não necessariamente dirão apenas o que você quer ouvir, mas também o desafiarão e fornecerão um feedback honesto.

Confira a transcrição completa do painel abaixo.



Foto via Sheila Roberts

Moderador DARRIN BUTTERS: Vamos começar nos apresentando.

BROOKE KEESLING: Sou o Diretor de Desenvolvimento de Talentos em Animação da Disney Television Animation. A TV é um ambiente realmente acelerado, onde normalmente temos cerca de 12 séries em vários estágios de produção a qualquer momento. Nosso principal objetivo são os programas voltados para os criadores. Queda de gravidade foi criado por Alex Hirsch. Ele é o criador desse show. Ele é a pessoa que traz a visão para a mesa. Nós temos Penn Zero e Star vs. as Forças do Mal . Esse é o show de Daron Nefcy. Ela traz a visão para a mesa para aquele show. Temos alguns programas chegando, incluindo Future-Worm! e Picles e amendoim estará saindo em breve. Eles são muito engraçados. Nosso principal objetivo são os programas voltados para os criadores, mas também temos propriedades históricas, o que significa que podemos tirar ideias de qualquer propriedade existente no legado da Disney, como o Mickey shorts. Paul Rudish é a pessoa que está no comando da Mickey shorts. Ele tem uma longa carreira na animação. Ele pegou o que todo mundo ama em Mickey e pensou em como renovar isso enquanto se mantinha fiel a quem é seu personagem. Temos um cronograma muito rápido. Estamos sempre fazendo mais de um episódio por vez. Também estamos fazendo pilotos. Então, temos novas pessoas que querem ser os criadores de nossas próximas propriedades e eles vêm e nos apresentam ideias. E então, fazemos pilotos e decidimos qual desses pilotos queremos dar luz verde para uma nova série. Isso é Disney TV Animation.

CAMILLE EDEN: Eu gerencio o recrutamento no Walt Disney Animation Studios. Uma das maneiras pelas quais somos diferentes da animação televisiva é que fazemos um filme por ano e, além disso, temos um programa de curtas. Curta do ano passado, Celebração, realmente ganhou o Oscar. Temos projetos especiais também nos estúdios. Tudo isso combinado é parte do trabalho que fazemos na Walt Disney Animation. Nosso conteúdo é desenvolvido internamente. É tudo original no estúdio. Nossos escritores fazem parte do estúdio da Walt Disney.

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MATT ROBERTS: Eu cuido de todas as funções artísticas de ponta, como animação, desenvolvimento visual, história e modelagem. Somos mais orientados para o diretor, com exceção de nosso programa de curtas. Se você está lançando um filme em nosso estúdio, você deve estar no status de diretor. Não importa quem seja nosso diretor ou o que o filme seja, tentamos manter qualquer filme que fazemos dentro de três padrões muito importantes, que é contar histórias atraentes, criar mundos verossímeis e também criar personagens atraentes. Essas são três verdades que você deve encontrar em qualquer filme, seja um curta, projetos especiais ou um recurso que vem de nós.

Podemos falar sobre as diferenças nas funções criativas do estúdio?

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ROBERTS: Com o Walt Disney Animation Studios, nosso processo de filmagem é dividido entre 14 departamentos que estão em três grandes áreas: desenvolvimento, produção de elementos e produção de filmagens. Vou começar com o desenvolvimento. Somos um estúdio vertical, uma forma obscura de dizer que tudo é feito internamente para nós. Isso vai desde a história até a iluminação e o editorial na parte de trás. Somos um ambiente muito colaborativo. Não somos realmente um canal linear onde um departamento faz algo e, em seguida, joga o trabalho por cima do muro para o próximo departamento cuidar disso. Tentamos trabalhar de uma forma mais circular, onde todos estão resolvendo problemas juntos para nos certificarmos de que teremos um pipeline realmente limpo e suave e que todos estarão juntos nele. No que diz respeito aos papéis criativos no desenvolvimento, tudo realmente começa com uma história. A história é realmente conduzida pelo diretor, pelo chefe da história e pelo roteirista. Mas, na sala de história, são os três trabalhando com toda a equipe de história, que são todos os nossos artistas trabalhando juntos para resolver problemas e criar os mundos, dar corpo aos personagens e garantir que tenhamos um filme realmente divertido. Além disso, temos um plano de carreira que eu não acho que muitas pessoas conheçam, mas temos uma equipe de desenvolvimento que geralmente tem experiência em escrita. Eles trabalham com o diretor na frente também, para ajudá-lo a decifrar os mundos e dar corpo à história antes que recebam sinal verde e entrem em produção.

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No topo da história no front end, também temos o desenvolvimento visual, que são os artistas que estão fazendo todas as belas artes que você vê na 'arte dos' livros sempre que um filme é lançado. Eles são como pontas duplas. Eles podem fazer as coisas realmente divertidas e exploratórias com antecedência, o que ajuda o diretor a visualizar as ideias. Mas então, eles também têm um aspecto técnico real em seu trabalho, onde precisam fazer pinturas realmente técnicas ou reviravoltas de desenho para definir como os recursos precisam ser exibidos mais adiante na produção de CG.

EDEN: O próximo passo é a produção de ativos. É onde muitos dos personagens e ambientes são criados. Então, teremos modelagem e montagem. É um ambiente colaborativo. Esses departamentos trabalham juntos constantemente ao longo do processo e se unem. Em alguns estúdios, você pode tê-lo onde lida com um ativo e, em seguida, passá-lo para o próximo grupo. No Walt Disney Animation Studios, nossos departamentos trabalham juntos durante todo o filme. E então, uma vez que eles tenham trabalhado na produção de ativos, eles vão para a produção real de filmagens, onde as coisas vêm como efeitos e iluminação, onde você pega a cena e a ilumina. Ele vai até o estéreo. Tudo isso acontece no back-end. Novamente, essa colaboração pode ir do início ao fim do pipeline e vice-versa, mas nossas equipes estão constantemente trabalhando juntas. Outra área exclusiva do Disney Animation Studios é que a arte e a tecnologia se combinam. Trabalhamos constantemente com nosso departamento de tecnologia e também temos especialistas em tecnologia dentro de cada disciplina, às vezes que trabalham para todo o pipeline.

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Também temos o editorial que atua e depois o gerenciamento da produção. O gerenciamento da produção é do começo ao fim. Eles realmente conduzem o filme e ajudam a mover essas tomadas ao longo do processo. Então, novamente, você verá todo o cruzamento, frente e verso. Nós realmente temos que trabalhar juntos. Como diz o ditado, é preciso uma aldeia. Nós realmente acreditamos que todos no estúdio são cineastas porque todos fazem parte desse processo o tempo todo.

ROBERTS: Todos tomam notas sobre nossos filmes à medida que passamos pelas várias exibições e iterações.

BUTTERS: Isso é divertido porque você conta ao diretor e ao produtor o que achou do filme no palco em que está. Você pode dizer: “Não entendo por que esse personagem estaria motivado para fazer isso”, e você mande isso direto para o topo da cadeia. E eles ouvem. Eles lêem cada nota. É incrível. Uma coisa que também gostaria de salientar é que você não faz a história e depois segue para a animação. A história está trabalhando o filme inteiro.

ROBERTS: John Lasseter gosta de usar essa velha frase em que dizemos que nenhum de nossos filmes é concluído. Eles acabaram de ser lançados. Se você colocasse o poder nas mãos de nossos artistas, eles simplesmente continuariam retrabalhando para tentar tornar as coisas cada vez mais perfeitas. Mas chega a um ponto em que você tem que lançá-lo ao público e, com sorte, eles vão gostar.

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KEESLING: Os papéis criativos para a Disney Television Animation são um pouco diferentes. Como recrutador para nosso estúdio, muitas pessoas às vezes se candidatam a mim dizendo: 'Oh, eu quero fazer Vis-Dev, que é a abreviatura de desenvolvimento visual. Esse é um título que funciona mais para vocês. Você tem uma equipe de artistas Vis-Dev. Para a televisão, o Vis-Dev é dividido em todas as pequenas partes. O desenvolvimento visual seria o diretor de arte, designer de plano de fundo, pintor de plano de fundo e estilista de cores. Há alguém chamado estilista de cores em todos os programas. Eles escolhem todas as cores de tudo o que o pintor de fundo não pinta. E também temos artistas de storyboard e revisionistas de storyboard. Gosto de dizer aos alunos mais jovens que, se eles estão interessados ​​em histórias, fazer revisões de storyboard é um bom trabalho inicial para a Disney Television Animation. Então, todas essas funções são as que funcionam para nós. São designers e pessoas de storyboard. Então, no comando, está o criador do show e são eles que trazem a visão para a mesa. Os criadores do programa não são necessariamente os diretores de seus próprios programas, e isso pode ser meio confuso para as pessoas. Existem tantos shows acontecendo a qualquer momento. Temos um que eles ainda estão lançando as placas e ainda está nas miniaturas. E então, temos outro onde a história é mais desenvolvida. Então, o criador do show supervisiona tudo isso, enquanto haverá diretores diferentes. Cada equipe pode ter dois ou três diretores que trabalham em todos os diferentes episódios que estão por vir. É muito rápido, mas é muito divertido e há muitas camadas que acontecem em cada equipe. Esperançosamente, isso está claro para você. Existem muitas semelhanças com a forma como trabalhamos e, em seguida, existem diferenças sutis.

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ROBERTS: Mesmo estilisticamente quando ela está falando sobre história, para os artistas de história em nosso estúdio, queremos que você trabalhe de maneira muito grosseira, muito gestual, porque você está fazendo muitas iterações de muitas das mesmas tomadas e cenas repetidas vezes o filme se desenvolve. Então, precisamos que você trabalhe rapidamente, mas ainda com aquele forte senso de apelo, enquanto na Animação de TV, sua história e revisões são muito mais restritas.

KEESLING: Rápido e sujo. Eles são super soltos no início. Às vezes, são pequenas miniaturas em pequenos post-its. E então, conforme eles ficam mais felizes com a história, eles vão colocá-la em um lugar mais apertado. O que estamos buscando é uma espécie de animatic final bem apertado que irá então para o departamento de animação. Uma pergunta que sempre recebo é sobre escritores. Não tendemos a contratar uma tonelada de escritores para animação de TV porque a maioria de nossos programas é dirigida por storyboard, o que significa que os artistas de storyboard também estão escrevendo. Temos alguns programas que são guiados por roteiros, mas a maior parte deles é guiada por storyboard.

Como é trabalhar na Disney Animation? KEESLING: É um ritmo super rápido, mas é muito divertido. É um ótimo lugar para trabalhar. Os artistas sempre se dão muito bem. Estamos sempre alimentando os sucos criativos uns dos outros. É rápido porque há tantos episódios que precisam ser feitos, e as programações para os episódios não são tão longas. Então, nesse nível, se você gosta do ambiente de ritmo mais rápido, é definitivamente um lugar onde você prosperaria. É muito divertido, muito voltado para a equipe.

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Como chefe de recrutamento lá, se eu souber que uma pessoa está entrando em hiato de um programa, como se tivéssemos um artista de storyboard saindo de Vagar , Direi: 'Ei, Queda de gravidade , vocês precisam de um artista de storyboard agora? ” Tentamos manter nosso talento tanto quanto possível e temos muito sucesso com isso. Nós apoiamos muito e todos sentimos que estamos honrados por fazer parte do Disney Studio, o ambiente Disney. Temos um legado para manter. Precisamos ser fiéis à visão de toda a organização e fazemos o nosso melhor para defendê-la e nos divertir com ela. Isso faz parte do negócio de trabalhar para a Disney. Além disso, podemos ir para a Disneylândia, que gostamos. Portanto, há muitos benefícios em trabalhar na Disney. É uma empresa realmente divertida, voltada para a família e maravilhosa.

EDEN: Uma das partes da nossa cultura é o legado. Estamos atualmente em nosso 55ºfilme, Zootopia , que planejamos lançar na primavera do próximo ano. Estou muito animado com isso. Continuamos dizendo colaboração, mas é verdade. É um ambiente altamente colaborativo. É apenas parte da chave. Uma coisa especial que é incrível sobre o estúdio é que você trabalha com seus colegas e nós aprendemos uns com os outros. Nós partilhamos. É uma constante em tudo o que fazemos. É divertido trabalhar na Disney.

ROBERTS: O que eu realmente gosto no nosso estúdio é que ele tem muito pouco ego. Todos estão lá para fazer o melhor filme possível. Estamos muito, muito orgulhosos do sucesso de Congeladas e Big Hero 6 , mas basicamente comemoramos por uma semana, e então é como se tivéssemos que fazer Zootopia tão bom quanto possível. Então, é como voltar ao tubo para ter certeza de que estamos fazendo tudo o que podemos para trabalhar juntos e oferecer ao público um filme realmente bom.

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Cada vez mais, é arte e tecnologia trabalhando juntas. É como se ambos os lados estivessem inspirando um ao outro atualmente, onde a tecnologia diz: 'O que podemos fazer para realmente fazer nossa arte brilhar no reino de CG?' Ao mesmo tempo, nossos artistas estão ficando cada vez mais confortáveis ​​em falar com nossos engenheiros: “Esta é uma ideia que temos. Existe alguma maneira de construirmos uma ferramenta para tornar isso mais fácil para os próximos filmes? ” A cada filme, tentamos não nos repetir. Nós realmente queremos oferecer ao público uma experiência diferente. Nós realmente queremos empurrar a forma de arte e nossa produção de filmes com cada cavalo para fora do portão. Estamos fazendo tudo que podemos para mantê-lo entretido. Agradecemos por você ter vindo ver nosso filme.

MANTEIGAS: E apenas o fato de que eles estão reestruturando nosso prédio agora. Temos uma nova construção e é tudo voltado para nos tornar mais colaborativos, tornando mais fácil para nós sermos colaborativos, e isso é empolgante. Onde quer que vocês trabalhem, convença-os a comprar uma barra de cereal para você. Existem distribuidores de cereais e você pode descer com uma tigela e enchê-la. Eles têm uma geladeira com todo tipo de leite que você possa imaginar. Isso é tudo cobertura do bolo.

ROBERTS: Temos bagel Fridays onde eles oferecem bagels para todos na sexta de manhã. Temos frutas frescas.

KEESLING: Temos o chef escolhido a dedo por John Lasseter em nosso comissário. É pra valer.

ROBERTS: Nosso cereal é de marca. Somos a General Mills o tempo todo.

MANTEIGAS: Vamos abrir isso ao público para perguntas e respostas. Como você trabalha com outros departamentos, como marketing ou merchandising de produtos?

EDEN: O marketing faz parte do Walt Disney Animation Studios. Como Matt disse, somos um estúdio vertical, então temos nosso próprio departamento de marketing e nosso próprio departamento de finanças. Eles estão todos no estúdio conosco. Eles trabalham com uma empresa maior, mas, novamente, fazem parte desse pipeline durante o processo. Eles estão lá desde o início até o fim, quando o filme é lançado.

ROBERTS: Também temos uma função bem mais recente, que é a de embaixador de nossas outras divisões. Quando temos produtos de consumo e outras coisas saindo para nossos filmes ou vinculados aos parques temáticos, temos alguém que trabalha como representante de nosso estúdio que vai a essas divisões para supervisionar a qualidade das mercadorias que serão vinculadas um filme ou qualquer tipo de tema que irá representá-lo. Queremos ter certeza de que temos uma qualidade artística consistente representando nossos filmes.

Você está planejando trazer alguma das séries que estão na TV agora em um longa-metragem?

ROBERTS: Infelizmente, não sabemos. Onde está nossa cultura criativa agora, nossos diretores apresentam ideias originais em nosso estúdio. Acho que somos muito admiráveis ​​no que cada estúdio está fazendo.

KEESLING: O oposto está acontecendo mais agora. Há algumas coisas sobre as quais não posso falar, mas algumas coisas que eles fizeram antes de nós e agora podem estar dando um passo.

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Imagem via Disney

ROBERTS: O engraçado é que com o Mickey shorts, nós fizemos o Pegue um Cavalo curto, ao mesmo tempo que Paul Ruddish estava fazendo o Mickey shorts para eles. Não era para ser um empate. Foi apenas uma coincidência. E então, conforme cada filme era feito, acho que os criadores estavam se reunindo e dizendo: “Oh, o que você está fazendo?” e havia essa admiração mútua entre os diretores que achavam tão legal que vocês estivessem levando o Mickey dessa forma.

Quais são alguns dos cargos básicos para os quais um recém-formado poderia se inscrever? O que você recomendaria para alguém que deseja entrar no desenvolvimento de histórias e, eventualmente, contar histórias com a família Disney?

KEESLING: Para animação televisiva, uma coisa que procuro nos portfólios é que gosto de ver os filmes dos alunos. Se você vai para uma escola que não faz um filme, faça você mesmo, porque gostamos de ver sua capacidade de contar uma história. Também vejo histórias em quadrinhos e histórias em quadrinhos, então isso é algo que procuro nos portfólios. Um trabalho de nível básico seria um revisor de storyboard, que é uma pessoa que limpa os desenhos de storyboard que um artista de storyboard experiente teria desenhado. Candidatar-se a posições revisionistas é um bom caminho a percorrer. Enviaremos testes. Se estivermos procurando por um artista de storyboard em um programa ou um revisor de storyboard, podemos enviar um teste de storyboard para você. Você tem que ter seu portfólio aprovado primeiro, porque não queremos enviar um teste à vontade para centenas de pessoas. Mas se eles virem um vislumbre do que estão procurando em seu programa, enviaremos um teste e, em seguida, você o enviará de volta, e você pode ser a pessoa que consegue o trabalho.

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ROBERTS: Para nosso estúdio, na verdade temos um programa de treinamento de desenvolvimento de filmes para artistas de histórias. Não gostamos de colocar recém-formados em um filme imediatamente porque é muito estressante para alguém que nunca trabalhou em um filme antes. Nosso programa de trainees acontece duas vezes por ano. As disciplinas variam porque tentamos antecipar quais necessidades teremos no futuro, então, na verdade, esperamos prepará-lo para um emprego. É de 3 meses a um mentor pago de 1 ano em que você na verdade é par com um artista residente da Disney que vai ser seu mentor e mostrar-lhe o que fazer e tentar desenvolver suas habilidades durante esse tempo para tentar prepará-lo para trabalhar em um filme. É suposto ser para alunos de pós-graduação. Ele é projetado para artistas que estão de 0 a 3 anos fora da universidade, então essa é a estrutura. Queremos que você esteja mais no lado júnior porque queremos ver o potencial em você e queremos tentar transformar isso em como nosso estúdio faz filmes.

Com que frequência surge uma posição para um artista conceitual para uma animação para a televisão?

KEESLING: É difícil dizer com que frequência. Não seguimos um cronograma estrito de temporadas. A ação ao vivo é como a temporada de pilotos. Estamos o ano todo. Estamos iluminando coisas verdes à medida que elas se tornam novas e prontas para a luz verde. Então, eu não posso dizer com que frequência. Como eu disse antes, não usamos um artista conceitual. Não procuramos um artista Vis-Dev. Procuramos funções muito específicas. Então, procuro pintores de fundo. Procuro designs de personagens. Adoramos ver desenhos realmente fortes e gostamos de ver que você pode fazer uma variedade de estilos porque todos os nossos programas são diferentes uns dos outros.

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Da forma como o programa da minha escola é configurado, tenho que fazer uma escolha entre TV, filme, arte e escrita, mas quero fazer tudo. Qual caminho devo seguir?

KEESLING: Você tem uma vida inteira pela frente. Não deixe a pressão do homem para baixo, sendo sua escola, fazer você decidir hoje. Não deixe que eles te assustem. Escolha um e experimente, e se não for a coisa exata, apenas perceba que você não precisa aprender tudo o que precisa saber na escola. Você vai aprender muito quando sair e estiver trabalhando. Portanto, escolha o que parece mais próximo do que você pensa que deseja fazer. E se você mudar de ideia, você pode mudar de ideia. É um país livre.

ROBERTS: Quando você é contratado para um estúdio maior como nós ou a TV Animation, você tende a ser contratado para uma coisa específica. Não é como se você fosse flutuar em todos os lugares, mas dito isso, acho que é bom ter uma especialidade, como ter uma especialidade, mas talvez tenha uma secundária. Então, se história é o que você quer fazer, coloque muito foco na história. Mas se você também estiver interessado em design de personagens ou algo assim, eu ainda diria para desenvolver essas habilidades também, porque se você tiver essa versatilidade em ambos os mundos, ou até mais mundos do que isso, acho que você está se tornando mais comercial para a indústria em geral.

KEESLING: Tente conseguir um estágio enquanto estiver na escola, porque quando você é um estudante e está trabalhando em um estúdio, você começará a ver: “Oh, pensei que queria fazer isso, mas sério Eu quero fazer isso.'

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ROBERTS: Além disso, quando você está se inscrevendo, você quer que seu portfólio seja o mais específico possível, porque se você tiver muitas disciplinas diferentes em uma só inscrição, isso vai confundir, a menos que você seja incrível em todas elas.

EDEN: Quando você começar a fazer estágios, ou depois de se formar, conheça a cultura do lugar para o qual você está se candidatando. Certifique-se de que seu portfólio reflita isso. Se você está indo para a televisão, animação ou comercial, certifique-se de que seu portfólio reflita isso.

KEESLING: Eu diria para tornar sua presença conhecida. Publique constantemente no seu Tumblr. Estou constantemente olhando no Tumblr o que as pessoas estão postando. Coloque suas coisas lá fora. Fazer filmes de estudantes, para televisão, isso nos ajuda. (Para Matt) Não sei se vocês olham tanto assim. Isso é algo que eu olho muito.

ROBERTS: Certamente. Acho que é um momento muito legal para tentar entrar na indústria da animação porque você tem os recursos do mundo ao seu alcance hoje. Não é apenas porque você tem uma infinidade de estúdios por aí, mas sempre há livros de 'arte' sendo lançados. Muitos profissionais da indústria têm seus próprios tumblrs, blogs ou instagrams. Você pode entrar em contato e se conectar com artistas. E se eles se sentirem confortáveis ​​e tiverem permissão dos estúdios para isso, eles podem lhe dar um feedback sobre o seu trabalho. Você tem tantos benchmarks por aí para fazer conexões e obter conselhos. Eu também diria que, se você ainda está na escola ou conhecendo pessoas online, realmente se cerque de um grupo forte de artistas que você respeita que não vão necessariamente dizer apenas o que você quer ouvir e que vão desafiá-lo e dar-lhe um feedback honesto. Se você está apenas em casa trabalhando sozinho, você está trabalhando no vácuo. Você pode estar cometendo os mesmos erros repetidamente. Quando você está com pessoas que irão desafiá-lo e apoiá-lo, você tem alguém para trocar ideias e você vai crescer. Eu era um artista decente quando estava na faculdade comunitária. No segundo em que fui para Cal State Fullerton e estava naquela comunidade artística, senti que todas as minhas habilidades aumentaram como não aconteciam antes, porque estou em uma comunidade que está aqui para me fazer ter sucesso.

Imagem via Disney Animation Studios

EDEN: Isso remete ao que dissemos anteriormente sobre um ambiente colaborativo. Mesmo que você tenha pessoas experientes em nosso estúdio, elas ainda vão trocar ideias. Você acha que acabou, mas então você entra e compartilha com um grupo, e eles podem separá-lo e montá-lo de volta até que você encontre aquele personagem ou obra de arte. Então, não é apenas para alunos. É tudo ao longo da sua carreira.

KEESLING: Outra coisa que eu diria é que sejam bons uns com os outros na escola, porque se vocês continuarem na animação, vão trabalhar juntos por anos e anos e anos. Eu realmente não amo a palavra 'networking' porque soa como fazer amigos falsos que você usará para várias coisas. Mas comece a construir sua rede genuína. Ajudem uns aos outros em seus projetos e participem de organizações. Mulheres na Animação é uma delas. Eles fazem mixers todo mês e você pode começar a conhecer pessoas. Vá para WonderCon e todas essas coisas como voluntariado no Amy Awards. Existem diferentes maneiras de começar a conhecer as pessoas com quem você vai trabalhar. MANTEIGAS: Esta é uma grande dica na vida também. Seja honesto. Procure pessoas que sejam honestas para lhe dizer se isso é terrível, se isso é ótimo ou se precisa ser melhorado. Não dê falso apoio para que alguém concentre seus esforços em algo que é uma perda de tempo. Sam Harris tem um ótimo mini-livro chamado Deitado e é tudo sobre não afastar as pessoas da realidade. Se você vir alguém e ela perguntar sua opinião sobre um trabalho, diga a ela o que você honestamente pensa sobre isso e no que ela honestamente precisa trabalhar. Não mostre para sua mãe. Ela vai te amar, não importa o que aconteça.

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Que parte de nosso portfólio deve ser um desenho de vida, especialmente para pessoas que se candidatam a posições em desenvolvimento visual, plano de fundo ou história?

ROBERTS: Para nós, eu sempre digo para fazer duas ou três páginas no final. Você não precisa colocar muito, mas queremos ver seus fundamentos. Se você é um pintor, também gostaríamos de ver algumas de suas pinturas e estudos além de seu trabalho real de animação mais criativo. O desenho de animais é bom. Para aqueles interessados ​​em histórias, também é bom ver seus esboços de observação. Mas queremos saber se você está observando da vida e não apenas desenhando a partir de outros designs. Queremos algum tipo de verdade e autenticidade por trás de tudo que você constrói. Pesquisar, sair e estudar o mundo e as pessoas é realmente uma parte importante disso.

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EDEN: Só preciso ver o suficiente para saber que você entende o volume, a forma e a proporção. Não precisamos de uma tonelada. Eu posso ver isso em um portfólio que não tem desenho de vida se os designs dos personagens forem realmente fortes, mas não faz mal ter alguns lá. Simplesmente não precisa ser uma grande assembléia.

Sou estudante de animação e estou me perguntando o que você procura em um estagiário.

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KEESLING: Para nós, olhamos para as carteiras. Gostamos muito de ler as cartas de apresentação e ouvir sobre a paixão que você tem. Saber que você sabe o que nosso estúdio faz é importante. Às vezes, você pode dizer que alguém acabou de se candidatar a todos os estágios sob o sol e eles lhe enviam uma espécie de carta padrão que enviaram a todos os estúdios. Definitivamente, não estamos procurando por isso, mas por força em seu portfólio. Às vezes, se as pessoas me enviam um link para seu Tumblr e não o atualizam há muito tempo, eu fico tipo: 'Eles estão desenhando muito?' Se eu tenho que escolher entre duas pessoas e vejo alguém sempre adicionando coisas às delas ... Eu sei que você está na escola e tem muito que fazer, mas ... Se for Behance (site de portfólio online) ou Artimated, não realmente importa. Eu estava usando o Tumblr como uma espécie de pega-pega. É o que pareço estar vendo mais recentemente. É ver que você está tão envolvido e que come, dorme, vive e respira desenho e animação. E quadrinhos no seu trabalho pessoal também. Não apenas coisas que você acha que vão te dar o emprego. Queremos ver sua visão porque você pode ser o próximo criador de programas para nós.

ROBERTS: Se você quiser se candidatar a um emprego, é melhor ter um Tumblr separado que seja o seu portfólio, em vez de enviar seu Tumblr pessoal. Quero ver sua arte, mas não acho que deveria saber essa parte sobre o que está acontecendo em sua vida. Apenas tenha algo separado disso. Para nós, na verdade, temos estágios artísticos todos os verões, destinados a pessoas que ainda estão na escola e que voltarão a estudar no outono. Temos a tendência de apenas fazer estágios de redação. Procuramos o que parecemos em um profissional, mas mais no nível do aluno. Ainda queremos que você tenha um senso realmente forte de apelo, estética e narrativa em tudo o que fizer, mas estamos procurando mais potencial. Sabemos que um estágio não vai levar imediatamente a um emprego. Queremos apenas ver se essa pessoa pode se beneficiar ao aprender com nossos artistas por oito semanas. É a mesma escala, mas apenas faça o seu melhor e nos mostre o seu trabalho mais forte.

Tenho amigos que usam o software de animação Toon Boom para fazer arte e storyboard. Se eu estiver interessado em um trabalho de storyboard, preciso ter essas habilidades específicas quando tento me inscrever?

KEESLING: Para nós, você não. Se gostarmos da sua habilidade de contar histórias, como se lhe enviássemos um teste de storyboard e pensássemos que essa pessoa acertou em cheio e está nos deixando malucos, você poderia entrar no estúdio e poderíamos lhe ensinar sobre isso. A capacidade de contar uma história muito bem e clara e ter todos os elementos que precisam estar nesse trabalho é mais importante. A parte da tecnologia pode vir depois.

ROBERTS: É mais importante dominar os fundamentos e o conceito de apelo e, em seguida, trabalhar nas ferramentas a partir daí. Acho que o tornará mais comercializável se você conhecer certos programas. Para nós, temos plug-ins proprietários, mas a maior parte do nosso software já está disponível. Se você é visual na história, geralmente está apenas usando o photoshop em nosso estúdio. Em algo como para o desenvolvimento visual, apenas apoiamos o processo do artista. Então, existem algumas pessoas que ainda usam a mídia mais tradicional e podem digitalizar toda a arte mais tarde. Mas, é sobre o seu trabalho primeiro e depois as ferramentas, porque as ferramentas estão sempre mudando. O software não vai permanecer o mesmo ao longo de cinco ou dez anos agora.

KEESLING: Contar histórias é muito antigo.

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