POR DENTRO: 39 coisas que você deve saber sobre como fazer um filme na Pixar

Câmera! Açao! Luzes!

Nunca vou deixar de me surpreender com quantas pessoas e quanto tempo leva para fazer um longa-metragem, mas ao visitar o campus da Pixar em São Francisco em abril, tive a oportunidade de dar uma olhada especialmente em profundidade no que foi necessário fazer De dentro para fora e é um processo absolutamente alucinante. No dia seguinte à exibição da primeira hora do filme, tivemos a oportunidade de participar de cinco apresentações - uma para o departamento de história, uma para design de produção, uma para layout, uma para animação e uma para o departamento de iluminação. Cada um nos deu um passo a passo do que eles fazem diariamente, cobrindo as necessidades técnicas e criativas de seus empregos, mostrando exemplos de seus trabalhos e como o material muda ao longo da produção e muito mais.



Aviso: Este é um longo, mas foi difícil o suficiente evitar que esta peça tivesse o dobro do comprimento, porque havia tantas coisas fascinantes que precisavam ser feitas para trazer alegria, tristeza, desgosto, raiva, medo e a própria Riley para a vida na tela da maneira mais eficaz. Aqui estão 39 coisas que você deve saber sobre o processo de fabricação De dentro para fora dividido por departamento:



História com o codiretor Ronnie del Carmen

1. É aqui que tudo começa. “Quando começa, quase não há nada.” Del Carmen continuou: “O que temos é um conceito fantástico. Pete Docter diz, ‘Eu quero fazer um filme sobre uma menina de 11 anos e os jogadores em destaque são as emoções dentro de sua cabeça.’ ‘Claro! Vamos começar! 'Vocês vão para uma sala, sentam-se frente a frente e então,' O que vamos fazer? 'Não sabemos! Temos que descobrir o que é. Então, começamos a trabalhar com histórias. Contamos histórias um ao outro. _ Como você era quando era criança? Como são seus filhos? 'E então a primeira coisa que aparece é que a emoção principal deve ser Alegria, porque as crianças estão sempre felizes. Eles estão sempre pulando. Sempre parece que eles estão eternamente felizes. ”

2. As ideias nem sempre vêm com facilidade e, quando ficam presas, os cineastas trocam de marcha e começam a desenhar uns aos outros. “Haverá dias inteiros, talvez até semanas em que tudo o que você tenta falha e então vocês ficam sentados um de frente para o outro meio sem balas.” Del Carmen apontou alguns esboços de alguns rostos muito familiares pendurados na parede, incluindo ele mesmo, Jonas Rivera e Pete Doctor . 'É divertido. Isso meio que tira você desse modo de resolução de problemas. ”



3. O que faz um artista de história? “Como um artista de histórias, você consegue desenhar uma versão simples do personagem porque tem que desenhá-la centenas de vezes por dia. Centenas, cerca de 300, 400 desenhos por dia, talvez para uma sequência, talvez para parte de uma sequência. ” Obviamente, se você faz tantos desenhos por dia, precisa ser capaz de fazê-los rapidamente.

Imagem via Disney

4. Rascunhando a raiva. Del Carmen nos deu uma demonstração passo a passo de como desenhar a raiva. Pode ser difícil visualizar sem ver Del Carmen percorrer o processo por conta própria, mas aqui estão as etapas se você quiser tentar:



  • Comece desenhando um quadrado.
  • Para as sobrancelhas, você precisa de “um arco que sobe no topo e, em seguida, desenha duas linhas que representam as sobrancelhas”.
  • Agora coloque 'crescentes para os olhos' e 'a íris bem no topo'.
  • “A boca dele é o oposto daquele outro arco.”
  • Agora, para a parte de cima da camisa, e 'depois disso, você pode desenhar esses pequenos triângulos para o colarinho'.
  • 'No meio disso, você pode desenhar a gravata dele.'
  • 'O topo da calça dele realmente fica por trás daquela gravata.'
  • “Os braços dele são como esses pequenos tubos pendentes com punhos.” Os punhos são pequenos círculos no final de cada braço.
  • “Abaixo desse quadrado, você pode desenhar os sapatos” e “então, você pode simplesmente desenhar duas linhas para se certificar de que parece que ele tem pernas”.
  • 'E se você quiser sentir que ele está realmente carrancudo, você tem essas pálpebras inferiores que você pode desenhar 'e' depois disso, você pode colocar fumaça acima de sua cabeça como se ele estivesse realmente queimando.'

Imagem via Disney

5. Como obter a aprovação de um argumento de venda. “Você desenhava o início, meio e fim de [uma cena] e então, como o artista da história, ficava na frente dela ou na frente de uma tela digital e a lançava.” Como exemplo, del Carmen se levantou e essencialmente representou uma cena inteira, dando voz a cada personagem, enquanto apontava para os storyboards apropriados. (Foi incrivelmente divertido! Honestamente, eu poderia ter assistido ele representar o filme inteiro.) “Se você lançar algo assim, você descobre se funciona. Se funcionar, permanece. Se não, você tem que fazer de novo. ”

6. Escrever o roteiro foi um processo muito colaborativo. 'Pete e eu estaríamos conversando, contando histórias um para o outro.' Del Carmen continuou: “Nós escrevemos nossas ideias e parece um roteiro, se comporta como um roteiro, mas não havia ninguém encarregado de - não escrevemos um filme em que alguém em alguma sala especial, um escritor genial room, escreve todos os três atos e é perfeito e, em seguida, diz: 'Por favor, ilustre meu gênio'. Não. Isso não acontece ”. Ele explicou ainda: “Nosso processo de escrita é tentar algo, seja desenhado, escrito ou apenas lançado ao longo dos corredores. É assim que se faz. Não estamos apenas esperando, ‘Ah, gostaria que algum gênio viesse e escrevesse este filme’. Não, seríamos nós em uma sala como esta ”.

Design de produção com Ralph Eggleston

7. O que Eggleston faz? “Normalmente sou uma das primeiras pessoas no filme, uma das últimas a sair, e é para formar uma equipe para visualizar o filme. Trabalhamos com o diretor e a história para criar recursos visuais que possam contar essa história. Não somos apenas um adjunto. Nós não apenas projetamos coisas para a história. Fazemos parte do processo de contar histórias desde o início. ”

8. Inspirando-se em 'arcos cerebrais'. “O que eles são, na verdade, são fatias de tecido cerebral que foram injetadas com produtos químicos que emitem uma determinada cor sob diferentes luzes e você é capaz de ver diferentes camadas de neurônios.” Ele continuou: 'O filme não se passa no cérebro, é dentro da mente, mas realmente não queríamos nos negar algumas das pistas visuais que o público pode entender dos aspectos físicos do seu corpo.'

9. O mundo real vs. o mundo da mente. “Queríamos que os humanos estivessem um pouco mais reais para este filme, porque se quisermos fazer aquele desenho animado com esses caras, meio que temos que encontrar o equilíbrio.” Eggleston acrescentou: “O público precisava saber rapidamente onde você estava quando cortou de dentro para fora da mente.” Quanto aos próprios locais, Eggleston identificou alguns recursos que seriam específicos do Mundo Real e outros que seriam específicos do Mundo Mente. Fique atento para muita textura e contraste muito baixo no mundo real. No entanto, no Mind World, você verá “muitas cores saturadas, contraste muito alto e muitas superfícies translúcidas e emissoras de luz”.

Imagem via Disney

10. Como eles tiveram a ideia de tornar Joy efervescente e por que as outras emoções não poderiam ter o mesmo efeito. “A ideia realmente veio de um diamante.” Ele continuou: 'Trabalhamos na ideia de ela ser efervescente ou brilhante por cerca de oito meses e chegou ao ponto que não podíamos pagar por isso. Não tinha como. E então nós mostramos John Lasseter e ele disse, ‘Isso é ótimo!’ Nenhum dos outros personagens tinha, porque simplesmente não podíamos pagar. Quando John viu em Joy, ele disse, ‘Isso é ótimo! Coloque em todos os personagens. 'Você podia ouvir a pobre equipe técnica batendo no chão e o orçamento voando pelas alturas. ”

quais são alguns dos novos filmes da netflix

11. O que é um script de cores? “O script de cores é uma abreviatura visual que mostra luz, cor e textura na iluminação, nos figurinos e no cabelo. Faz parte do processo de design. ” Ele continuou: 'É uma versão abreviada dos storyboards, mas lidando com cor e luz e encenação e cinematografia e contraste. Uma das coisas que você pode ver é quando cortamos do Mundo da Mente para o Mundo Real as grandes diferenças entre as paletas de cores. ”

12. As Ilhas da Personalidade nem sempre foram ilhas. Em um ponto, eles eram os Pilares da Personalidade. “Essa ideia também mudou consideravelmente durante o curso da produção, porque eles já foram pilares e, depois, flutuaram no céu. Foi uma loucura o quanto mudou. ” Ele explicou mais. “A ideia era, se Riley tivesse se interessado por música em vez de hóquei por algumas semanas, tipo,‘ Oh, eu quero tocar tuba ’, sabe? E então a ilha da música pode ter começado a crescer e se ela tivesse se tornado realmente interessada nela e se tornado a maior tocadora de tuba do mundo, poderia ser a maior ilha em sua mente. Mas então ela perde o interesse nisso e meio que desaparece. ” Ele continuou: “A ideia é que eles já estão lá, eles podem estar lá, mas você pode construí-los, você mesmo pode melhorá-los. Você tem que fazer isso sozinho. Você tem que tomar a decisão de melhorá-lo. ” Ele acrescentou: 'E, claro, quando ela começa a perder o interesse em cada um desses elementos, eles começam a diminuir tanto em termos de cores quanto de valores e, em seguida, literalmente começam a entrar em colapso.'

Imagem via Disney

13. A cor do céu reflete o humor de Riley. “Só fica mais escuro com o passar do tempo durante o filme. É uma ideia simples, mas é uma ideia que pode ser obtida sem ter que declarar muito. E não queríamos ir tão longe a ponto de sugerir que Riley estava afundando em algum tipo de depressão profunda. Houve versões do filme que tendiam a ser assim e nós meio que continuamos recuando porque não é sobre isso que a história se trata, sabe? A história é realmente sobre Riley apenas se ajustando a um novo mundo. ”

14. O trem de pensamento já foi muito mais proeminente no filme. “Os fios da catenária e todos os suportes e os trilhos do trem estando em todos os lugares, poderíamos fazer com que parecesse bem em uma imagem, mas quando a câmera começou a se mover e tivemos todas essas fotos diferentes, ela ficou muito ocupada em todos os lugares e não t quero isso. Tinha que ficar claro que eles voltariam para a sede. Então, tivemos a ideia de que os trilhos do trem poderiam aparecer e desaparecer na frente e atrás do trem. A ideia de haver, novamente, eletroquímica, que é tudo sobre energia e luz e translucidez e faíscas. ” No entanto, eles tinham uma regra. “A única regra que tínhamos é que ele poderia ir a qualquer lugar na mente porque o trilho pode aparecer em qualquer lugar, mas se parava, tinha que ir para uma estação de trem, e originalmente tínhamos várias estações de trem na mente. Acho que foi reduzido para um. ”

15. Aqui está uma grande mudança a se observar nos cortes internacionais do filme. “O maior será quando você estiver na mente do pai. Internacionalmente, acho que eles estão assistindo futebol e aqui estão eles assistindo hóquei. ” Em um ponto, eles também brincaram com a ideia de que cores diferentes significam coisas diferentes em culturas diferentes, mas eles tiveram que deixar isso passar. “Exploramos a ideia de mudar isso, até exploramos a ideia de eles mudando de cor por um dia, talvez, mas, você sabe, tivemos que desmontar, simplificar.”

16. Eggleston não será capaz de realmente gostar de assistir De dentro para fora por vários anos. “É injusto porque agora eu vejo e tudo que vejo são as partes. Não consigo ver como um filme ainda, então não sei se funciona. ” Ele continuou: 'Não é justo porque daqui a cinco anos será a primeira vez que poderei realmente sentar e assistir o que realmente é.'

Layout com o Diretor de Fotografia Patrick Lin

17. Na animação, não são luzes, câmera, ação. É câmera, ação, luzes. Lin explicou: “Em outras palavras, primeiro é o layout, depois é a animação e depois a iluminação”. Ele continuou: “Estamos na linha de frente do pipeline de produção. Criamos a base para todos os outros departamentos seguirem, para colocarem em prática seu trabalho. E também somos o primeiro passo para definir como o filme será cinematograficamente. ”

18. Eles são muito semelhantes a uma equipe de câmera de ação ao vivo. “Nossa principal ferramenta é uma câmera, apenas nossa câmera é virtual. Mas embora seja virtual, é matematicamente verdadeiro. Tem lentes, distância focal, foco, f-stop, distorção, profundidade de campo e tudo mais. E imitamos os movimentos reais da câmera como se estivesse em uma pista, carrinho, guindaste, Steadicam ou portátil. ”

19. O departamento de layout também é responsável pela preparação. “A encenação é a coreografia da câmera e dos assuntos e como os movemos pelas cenas. Usamos enquadramento, composições e bloqueio para estabelecer movimentos e posições para personagens e câmera. ”

20. O trabalho de Lin começa em uma sala vazia. Como Lin explicou, eles começam com uma sala vazia, por exemplo, a sede do Mind World. “A primeira coisa que fazemos é trazer nossa câmera.” Depois disso, vêm os personagens digitais. Quando isso acontece, eles estão todos em poses em forma de T, com os braços estendidos, porque o departamento de animação nem tocou no material ainda. Lin continuou: “Nós também somos responsáveis ​​por definir a pose inicial do personagem. Então, agora nós os posamos e eu os movi para o ponto de partida, e então agora posso mover a câmera para obter o primeiro close-up de Joy. ”

21. Depois de descobrir todas as batidas da história, eles passam para a construção de filmagens. “Esta é a fase em que expandimos o bloqueio e o tempo e, se precisarmos animar a câmera, também o fazemos ao mesmo tempo.”

Imagem via Disney

22. Assim que estiverem satisfeitos com os movimentos da câmera, passará para o editorial. “É quando damos todas as fotos para o editorial, onde todas as fotos serão reorganizadas, serão cortadas ou expandidas, o bloqueio será refinado”. Uma vez feito isso, “esse é o layout final que entregamos para a animação”.

melhores comédias no amazon prime 2019

23. A diferença entre a linguagem visual para o Mundo Real e o Mundo da Mente. 'A ideia é muito simples. A ideia é que o mundo exterior é baseado em localizações reais, então deve ser realista, deve ser imperfeito e com falhas. O mundo interno é imaginativo, é virtual, então pode ser perfeito. ”

  • Distorção da lente: “A primeira coisa que examinamos para separar esses dois mundos é a distorção da lente. A distorção da lente é a imperfeição no vidro da lente durante a fabricação. ” Ele explicou ainda: “Fomos a uma casa de câmeras em Berkley e alugamos algumas lentes reais. Alugamos duas marcas, a Cooke S4 e a Ultra Prime, e colocamos um gráfico de distorção e filmamos o gráfico com cada uma das lentes e o que descobrimos foi que o Cooke tem uma distorção mais pronunciada do que o Ultra Prime, então medimos a curvatura de distorção de cada lente e modelamos isso em nossa câmera virtual. E esta é a primeira vez que a Pixar modelou uma lente com base em uma lente real. ”
  • Foco: “Na ação ao vivo, muitas vezes, o puxador de foco simplesmente perde o foco e é uma coisa muito natural para a ação ao vivo, e eu gosto dessa falha e imperfeição, então vou usar isso e colocar isso do lado de fora e do lado de dentro está sempre no foco. ”
  • Movimento da câmera: “Decidimos para o interior que usaremos um movimento de câmera mais mecânico com dolly, esteira, lança ou guindaste, um movimento muito controlado. Por fora, mais orgânico com zoom, câmera estável e câmeras de mão. ”

24. A equipe de Lin também usa algo chamado captura extensiva de câmera. “É assim que capturamos a câmera desbloqueada. Basicamente, filmamos como uma ação ao vivo. Já temos animação e capturamos os dados da câmera ao vivo. ” Lin puxou um vídeo de um operador de câmera andando por uma sala cheia de sensores, segurando um tripé com uma câmera montada nele. Ele explicou: “Na verdade, estamos imitando o movimento Steadicam porque não temos Steadicam”. Ele também nos mostrou algumas imagens de um operador de câmera saindo de uma resma de papel. Por quê? “Como o cinegrafista está saindo de um meio-fio, só precisamos imitar esse movimento.”

Animação com Shawn Krause, Victor Navone, Jamie Roe e Tony Fucile

25. O que um animador de direção faz? Roe explicou: “Muito do meu papel era fornecer suporte aos animadores e fornecer feedback criativo e construtivo para eles enquanto estavam trabalhando e também para animar o programa.”

26. O que os editores supervisores fazem? Navone explicou: “Também estamos dando feedback aos animadores, fazendo um pouco de animação, mas um de nossos grandes trabalhos é trabalhar com o produtor para garantir que a animação permaneça nos trilhos e que cumpramos nossos prazos, e também estamos trabalhando com outros departamentos para garantir, por exemplo, que os departamentos posteriores, como efeitos e iluminação, recebam o que precisam da animação e que os departamentos posteriores, como layout, nos forneçam o que precisamos para animar as tomadas. ”

27. O que exatamente o departamento de animação recebe do departamento de layout? Krause abordou esse assunto. “Quando conseguimos, a história está concluída com seu trabalho, o layout pegou os storyboards e os traduziu em conjuntos e colocou os personagens lá e escolheu as tomadas.” Ele continuou: “E então vamos obter tomadas e sequências e vamos transmiti-las aos animadores”.

28. Tudo sobre jornais diários. Depois que os animadores têm suas fotos, o material começa a fluir. Esse material é chamado de dailies. Como Krause explicou, “É uma reunião diária e vai acontecer às 9h e as pessoas vão se inscrever por meio do sistema para se inscrever, e pode ser cinco, pode ser 20 pessoas. Você nunca sabe quem vai se inscrever para mostrar seu trabalho ao diretor, e assim como em um filme de ação ao vivo, ele está dirigindo a performance. Vamos nos reunir e é muito bom para nós porque, ao contrário da maioria dos estúdios, nós chegamos aqui e a opinião de qualquer um é valorizada e nós debatemos ideias e olhamos as fotos e estamos todos cientes do que as pessoas estão aparecendo. ”

Imagem via Disney

29. Veja como Pete Docter faz anotações durante essas reuniões. Uma pequena sala de projeção está lotada de pessoas. Alguém anuncia: “O próximo é Denovan. Ele tem sua passagem IP de Alegria e Tristeza no 53F e 53C. ” Após assistir ao material, Docter oferece algumas notas. 'Você poderia movê-lo mais cedo para que a mão dela chegue lá um pouco mais cedo, estou falando como quatro, seis quadros, e depois apenas diminuir no final para que tenhamos um pouco mais de tempo para ler a cor mudar porque estou olhando para ela e espero que o ponto seja que vejamos, 'Uh oh, o balão,' e eu sinto que estamos apenas enganando isso um pouco. Mas não consegui nada na próxima tacada. Existe alguma razão pela qual não podemos finalizar isso? ”

30. Os estágios pelos quais uma cena passa enquanto está no departamento de animação:

  • De acordo com Roe, o material que vem do layout é “muito bruto, não há muita coisa acontecendo, as expressões estão fora do modelo, mas o ponto principal é dar informações ao animador sobre a encenação e os adereços e cenários e onde a câmera é e tempo. ”
  • Ela continuou: “A partir deste estágio, o animador tende a receber instruções do diretor e ele meio que explica o que está procurando em termos de história da cena e batidas importantes para lembrar de colocar lá, e então o animador tende também a coletar suas próprias referências, fazer suas próprias pesquisas, algumas pessoas representam na frente de uma câmera, algumas pessoas fazem desenhos para ter ideias ”.
  • Depois de coletar todos esses pensamentos, sugestões e ideias, é hora de fazer uma primeira passagem. Ela explicou: “Normalmente, a primeira passagem é muito difícil. Você não quer perder muito tempo com as ideias porque não sabe se elas estão indo na direção certa ainda. ”

    Imagem via Disney

  • É aqui que Tony Fucile pode entrar em ação. Ele observou: 'Às vezes, tão cedo eu posso não fazer alongamentos, mas neste caso em particular havia alguns bons fundamentos e a ideia de exagerar nas poses era algo com que eu brincaria . ” Ele puxa uma cena de Joy e essencialmente traça a animação, fazendo marcações que trazem mais a mão dela e outras que empurram seu peito para cima. Navone observou: “É apenas uma referência. [Tony não está] realmente efetuando os modelos CG, então cabe ao animador tentar fazer com que o modelo faça o que os desenhos de Tony estão fazendo. ”
  • Roe saltou de volta. “O animador pegaria então todas essas informações, feedback, esboços de Tony, que eles poderiam olhar em suas mesas, e tentaria chegar o mais perto possível disso como um modelo e faria outra iteração e quando eles sentissem pronto, eles iriam mostrá-lo novamente em diários, a segunda versão, que chamamos de bloqueio de segunda passagem. ”
  • Ela observou que há muito mais iterações, mas por uma questão de tempo, começou a explicar como é a versão final do trabalho de um animador. Quando uma cena sai do departamento, “ainda não tem o cabelo animado, ainda não tem o movimento do vestido. Isso é tudo para o departamento de simulação fazer depois de nós. ” No entanto, embora os elementos-chave ainda estivessem faltando, a tomada final foi significativamente mais detalhada e refinada que a versão inicial.

31. Quanto tempo normalmente leva para um animador ter uma cena aprovada? Navone explicou: “Esta cena tem cerca de cinco segundos de duração. Provavelmente, o animador levou três semanas para fazer. Talvez um pouco mais do que o normal, porque esta foi uma sequência bem inicial na produção, então ainda estávamos meio que descobrindo como Joy se move, então há mais tempo para exploração. Em média, um animador produz cerca de três segundos por semana de animação final. Essa é a nossa média histórica. É claro que vai variar dependendo da complexidade da cena. ”

Iluminação com Iluminação de Personagem Lead Angelique Reisch

32. O que Reisch tem que fazer antes mesmo de começar a iluminar os personagens. Ela explicou: “Trabalhei em estreita colaboração com o departamento de arte, com o departamento de personagens e com o diretor de fotografia para basicamente finalizar o visual dos personagens e de seus shaders e como isso iria funcionar. Eu também trabalhei com o departamento de personagens para testar os personagens apenas para ter certeza de que tecnicamente eles estariam prontos para entrar no departamento de iluminação e serem iluminados. E também servi como suporte de personagem para nossa equipe de iluminação. Tínhamos cerca de 35 pessoas, então, basicamente, se alguém precisasse de ajuda para iluminar um personagem ou suporte técnico, eu era basicamente aquela pessoa a quem eles procurariam. ”

33. O que um isqueiro faz? “Nossos trabalhos como isqueiros em um filme de animação são na verdade muito semelhantes ao papel de um cinegrafista em um filme de ação ao vivo, mas com uma diferença crucial - não temos que mover todas aquelas luzes pesadas todos os dias, felizmente! Todas as nossas luzes existem no computador, mas o que estamos economizando em força muscular, estamos definitivamente colocando em força cerebral porque temos que criar cada luz, cada sombra, cada componente completamente do zero. ”

34. Como os isqueiros abordam suas atribuições.

  • 'Quando tivermos uma nova foto, normalmente começaremos com um pastel do departamento de arte. ” Pastéis são a maneira mais econômica de o departamento de arte transmitir suas ideias. “Eles podem obter muitas ideias rapidamente e podem apresentar ao diretor muitas ideias que eles meio que esboçaram, ao passo que, uma vez que chega ao nosso departamento, torna-se muito mais caro fazer esse tipo de alterar.' Ela acrescentou: “O processo típico é que o departamento de arte obtenha a aprovação de um pastel de Pete Docter e, depois que um pastel for aprovado, ele será enviado ao nosso departamento”.

    Imagem via Disney

    os melhores programas para assistir compulsivamente
  • “O próximo passo é que nosso diretor de fotografia fará um lançamento conosco, onde eles falarão sobre o ponto principal da história desta cena, eles falarão sobre por que certas decisões de iluminação foram tomadas e então eles falarão sobre alguns dos a direção mais técnica que eles gostariam de garantir que nossa iluminação acertasse na cena. ”
  • “Portanto, agora temos uma tonelada de anotações para voltar à nossa mesa, sentar e dar uma primeira passada, e quando sentirmos que estamos prontos, vamos levar essa passagem para o diretor de fotografia no que chame orientações, e nós as realizamos, se não todos os dias, pelo menos a cada dois dias. Neste ponto, o diretor de fotografia vai dar uma olhada no trabalho que fizemos e se não estivermos indo na direção certa, eles farão anotações adicionais e ajudarão a nos colocar no alvo, mas se nós estão indo na direção certa, então eles ainda farão anotações, mas serão mais detalhados. ”
  • “Nós voltamos para nossas mesas e damos uma segunda passagem, e voltamos para o diretor de fotografia para mais anotações e voltamos para nossas mesas. '
  • “Quando o diretor de fotografia está feliz e eles sentem que a foto realmente transmite o clima que eles queriam, então aprovamos a foto e todos ficam felizes. E então recebemos mais tomadas e tudo começa de novo. Um isqueiro médio aprova cerca de duas doses e meia por semana. ”

35. Os Princípios de Iluminação: “Os princípios direcionam o olhar do espectador, criando profundidade, melhorando o humor, a atmosfera e o drama, transmitindo a hora do dia e revelando a personalidade e a situação do personagem.”

Imagem via Disney

36. Diferenciando o mundo real e o mundo da mente durante a iluminação. “Uma das coisas que fizemos no início foi o departamento de arte e o diretor de fotografia trabalharam juntos e decidiram que a saturação seria a maneira que íamos distinguir entre esses dois mundos. Portanto, o mundo humano em geral será menos saturado e o mundo da mente sempre será mais brilhante, mais alegre e mais saturado. ” Ela acrescentou: 'Não é apenas saturado e dessaturado, mas ao longo do filme, esses níveis de saturação vão realmente mudar dependendo do estado de espírito de Riley.'

37. Não é fácil iluminar um personagem que é uma fonte de luz. “Basicamente, tivemos que nos perguntar: 'Como vamos acender uma lâmpada?'” Ela continuou: “Normalmente, quando estamos iluminando personagens, confiamos muito no valor, que será apenas a claridade ou a escuridão para moldar de um personagem. Portanto, assim como na fotografia em preto e branco, você deseja uma boa gama de tons em uma imagem. A fotografia em preto e branco realmente ótima tem boas luzes, bom meio-termo e boas sombras. Então, vamos realmente olhar para as nossas imagens de forma completamente independente da cor apenas para ter certeza de que estamos atingindo essas faixas tonais quando estamos pensando em moldar. Em Joy, no entanto, muito cedo percebemos que tínhamos um grande problema. Ela é tão brilhante que você não tem aquela mudança dramática de valor em seu rosto para criar uma forma nela, então tivemos que criar uma maneira diferente de moldá-la. ” Reisch acrescentou: 'Estamos passando de alguns amarelos médios em seu nariz para alguns rosas realmente saturados aqui, então, basicamente, vamos usar cores neste filme em vez de valor para moldá-la.'

38. Destruindo o equipamento de iluminação de Joy.

  • 'Em primeiro lugar, ela só tem uma luz brilhante, que é apenas uma luz neutra, cor emissiva, apenas meio achatada para dar a ela seu nível básico de iluminação.'
  • “Em seu lado chave, ela tem uma luz de bumbo muito legal e dessaturada. '

    Imagem via Disney

  • “Movendo-se em seu rosto, sua luz principal também é fria e dessaturada, o que pode ser loucura pensar em usar uma luz azul em um caractere amarelo e, normalmente, todo mundo diria:‘ Não faça isso ’, mas nós fizemos! E realmente funcionou muito bem neste caso. '
  • “No meio da área do nariz dela, estamos adquirindo esses amarelos do meio e isso é por causa de sua luz de tecla suave e é apenas uma luz neutra.”
  • “Por seu lado fora do tom, temos um chute saturado muito forte e quente para reforçar essa mudança de cor.”

39. Agora que eles descobriram como iluminar a própria Joy, como ela iluminará os cenários e personagens ao seu redor? “Ela é nossa personagem principal, não uma personagem isolada, então ela estaria em tantas fotos que a luz precisava ser administrável para o departamento de iluminação configurar e usar em todas essas fotos. Então, felizmente, durante o desenvolvimento do filme nós descobrimos e ficamos incrivelmente animados ao descobrir que RenderMan estava trabalhando no que eles chamam de luz de área geométrica, ou luz de geometria. O que essa luz faz é permitir que você selecione um modelo e então vamos transformar esse modelo em uma fonte de luz. Isso era música para nossos ouvidos! Mas descobrimos que não estaria pronto a tempo para a nossa produção e eu fiquei tipo, ‘O quê ?! Este é o personagem perfeito para esta luz! 'Por volta de dezembro de 2013, eu dizia a todos,' Tudo que eu quero no Natal é a luz geométrica de Joy funcionando! 'Então, felizmente, levantamos bandeiras vermelhas e conversamos com pessoas suficientes que RenderMan se reuniu com nosso global pessoal de tecnologia e nosso pessoal de iluminação técnica e eles fizeram tudo funcionar para nós a tempo. Então, o implantamos com poucos testes em março de 2014 para a produção, mas felizmente acabou dando certo e usamos, até onde eu sei, todas as cenas do filme ”.

Caso você tenha perdido, aqui estão os links para o meu outro De dentro para fora / Artigos da visita da Pixar. O filme estreia em 3D no dia 19 de junho.

  • Jonas Rivera fala por dentro e onde encontrar O BOM DINOSSAURO Easter Egg
  • Entrevista INSIDE OUT: Pete Docter e Jonas Rivera sobre como fazer Joy Likable
  • DENTRO DO OUTRO Reação de filmagem: poderia ser um dos melhores da Pixar?
  • Imagens de dentro para fora e arte conceitual revelam como a Pixar deu vida às emoções