Acomode-se, aqui estão 22 das cenas mais inesquecíveis da história do cinema

Uma lista incrivelmente longa de planos incrivelmente longos.

As tomadas longas são a base da linguagem fílmica que, quando empregadas corretamente, podem deslumbrar e enriquecer. Eles são feitos virtuosos de coragem técnica, montados e dominados por técnicos e artesãos trabalhando no topo de seus respectivos jogos para coreografar um momento lindo e de arregalar os olhos. Mas não é o suficiente para ser tecnologicamente surpreendente. As melhores tomadas longas e ininterruptas são aquelas que nos levam mais fundo na história, revelam algo novo sobre os personagens ou transmitem informações com economia de diálogo ou exposição desnecessária. A longa tomada que combina forma e função é verdadeiramente inspiradora.



A longa tomada (ou “oner”) viu proliferação na era digital, quando filmes indicados ao Oscar, como 1917 pode parecer ter sido filmado em uma única tomada ininterrupta e dramas de TV (como a primeira temporada de Detetive de verdade ) conseguiu arremessos longos impressionantemente complicados Mas se há mais deles atualmente, isso significa que os que realmente estouram, realmente significam alguma coisa, são menos e mais distantes entre si.



Então, apresentamos a seguir uma coleção de tomadas incríveis e incrivelmente longas que continuam a deliciar.

Any Scene, Really • “Rope” (1948)

Imagem via Warner Bros.



Sobre um episódio de Dick Cavett Talk show muitos anos depois, Alfred Hitchcock disse que o motivo da filmagem Corda - com base na encenação de Patrick Hamilton que foi inspirado pelo infame caso Leopold e Loeb - em uma série de tomadas ininterruptas, foi que ele estava 'tentando colocar algum movimento no que é essencialmente uma peça de teatro'. Missão cumprida. John Dall e Farley Granger interprete dois jovens brilhantes que se propuseram a cometer o assassinato perfeito, estrangulando um ex-colega de classe e colocando seu corpo em um grande baú no meio de seu luxuoso apartamento em Manhattan. As longas tomadas de Hitchcock, que duravam tanto quanto a revista de filmes permitia (geralmente em torno de 10 minutos), servem para amplificar e aumentar a tensão e o suspense, enquanto os meninos dão um jantar em seu apartamento e um de seus convidados, interpretado por James Stewart , começa a descobrir seu delito. Os cortes entre cada tomada são lindamente escondidos, utilizando as mesmas técnicas que os cineastas usam hoje ao “costurar” várias tomadas para formar uma tomada ininterrupta. Uma das conquistas mais subestimadas de Hitchcock, parece ao mesmo tempo um avanço tecnológico para o diretor (foi também sua primeira cena em Technicolor) e uma narrativa; em uma frota de 80 minutos, é um de seus thrillers propulsivos mais ágeis.

Bomba no tronco • “Touch of Evil” (1958)

Imagem via Universal

A maioria das 'melhores listas de tiro longo' começa com esta beleza, a sequência de abertura para Orson Welles 'Brilhante Toque do mal . É com uma bomba sendo colocada no porta-malas de um carro, e aquelas pessoas desavisadas indo embora com a bomba no carro. Ao longo da cena, somos apresentados a nossos dois personagens principais - um homem da lei hispânico (interpretado por Charlton Heston , não pergunte) e sua adorável esposa ( Janet Leigh ) enquanto caminham em direção à fronteira EUA-México. O que é tão impressionante nesta foto não é apenas a maneira como ela se move, esticando o pescoço para ter uma visão quase de Deus do bairro mexicano empoeirado, com um olho em como o carro segue, geograficamente, pelas ruas, enquanto outras vezes crescendo para obter trechos da conversa de Heston e Leigh, sobre ele finalmente vindo para a América, e o que isso significa. Temos até a chance de ficar, com o casal na fronteira, enquanto o carro se enreda no trânsito. Não só a sequência é lindamente coreografada, mas também cobre muito terreno, em termos de história, de uma forma que nunca parece condescendente ou banal. Esta foto é recheado com rechear . E a linguagem da cena adiciona suspense e informa o que vai acontecer a seguir, quase agindo como um relógio tiquetaqueando. Quando o relógio finalmente termina, a bomba explode.



Hooper, Brody e o prefeito • “Tubarão” (1975)

Imagem via Universal Studios

Nos últimos anos, Steven Spielberg foi justamente aplaudido por seus oners invisíveis; planos gerais que realizam o trabalho de vários planos individuais, mas em uma tomada contínua e ininterrupta. Existem ótimos exemplos como este ao longo de sua carreira, desde a introdução de Marion em caçadores da Arca Perdida para a perseguição de carro em Jogador Um Pronto (e, sim, temos um exemplo totalmente animado disso posteriormente na lista) e há muitos grandes planos em mandíbulas , seu avanço comercial e o filme que o estabeleceu como um prodígio capaz de fazer grande arte dentro do restritivo enquadramento de Hollywood. Mas o melhor tiro, e um dos menos vistosos, é quando Roy Scheider e Richard Dreyfuss confrontar o prefeito escorregadio ( Murray Hamilton ) sobre o tubarão ainda estar lá fora. (Esta é a sequência que segue diretamente a cena de Dreyfuss encontrando o dente de tubarão gigante e a cabeça humana decepada.) É uma conversa com eles implorando ao prefeito para desligar as coisas e a coreografia dos três atores, enquanto eles caminham uma colina, que se cruza uma na frente da outra e finalmente termina na rua, com a câmera revelando um outdoor da cidade que foi vandalizada com a iconografia do tubarão, é intimista e deslumbrante. Não é um momento de tirar o fôlego imediato, com certeza, mas um que é incrivelmente impressionante, especialmente dada a quantidade de diálogo que todos os três atores tiveram que lembrar e o tempo necessário para aquela revelação perfeita do sinal. Simplismente maravilhoso.

Robert Redford faz uma ligação • “Todos os homens do presidente” (1976)

Imagem via Warner Bros

Todos os homens do presidente , Alan Pakula A obra-prima sobre a investigação que expôs a invasão do Watergate pelo que realmente era, surpreendentemente fotografada por Gordon Willis , que encenou uma série de momentos de bravura, como o tiro que se afasta de nossos corajosos heróis repórteres ( Robert Redford e Dustin Hoffman ) enquanto pesquisam na biblioteca. Mas seu momento mais impressionante é quando Redford está fazendo uma ligação. É enganosamente complicado - Willis fotografou o momento com uma lente de dioptria dividida e, ao fundo, os colegas de trabalho de Redford no Washington Post estão assistindo à inauguração de Nixon. Enquanto isso, Redford faz outra ligação, enquanto o primeiro chamador liga de volta. (A certa altura, Redford fica confuso sobre com quem está realmente falando.) A sequência continua indefinidamente, por mais de seis minutos (!), E a natureza ininterrupta da tomada aumenta consideravelmente a tensão e o suspense, então quando uma verdadeira bomba é revelada, terras duro . Este é um daqueles planos gerais que nunca aparecem em listas como esta, porque é tão sutil e discreto e as pessoas não estão, tipo, correndo por um castelo ou algo assim. Mas fala da habilidade e inteligência de Pakula e Willis e da imperturbabilidade de Redford por ser capaz de representar uma cena por tanto tempo e comunicar tanto dentro dela. Quando a sequência terminar, você não terá ideia de que está assistindo a uma única cena por mais de seis minutos. Mas você deve estar ciente de estar na ponta da cadeira.

Passeio de triciclo • “The Shining” (1980)

Imagem via Warner Bros.

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Quando O brilho estava em produção, foi nos primeiros dias do Steadicam e um dos primeiros filmes, depois de pioneiros como Destinado à glória (que muito próximo fez a lista), Homem da Maratona, e Rochoso , para utilizá-lo extensivamente. Garrett Brown , que inventou a tecnologia Steadicam, esteve fortemente envolvido com o filme e colaborou fortemente com o diretor Stanley Kubrick , que sugeriu modificações nas capacidades de reprodução de vídeo do sistema e ajudou a projetar um equipamento para capturar adequadamente a sequência de Danny andando de triciclo pelo assombrado Hotel Overlook. (Eles queriam ser capazes de capturar o ruído real das rodas na madeira dura e silenciá-los contra o tapete macio.) Essas sequências são fascinantes, é claro, mas também têm uma série de funções, a saber, acalmar o público para uma sensação de complacência (é apenas uma criança em uma bicicleta de brinquedo!) ao mesmo tempo que aumenta seus nervos e sua consciência da quietude do hotel (e de seus habitantes fantasmagóricos). Também estabelece a geografia do hotel - onde está localizado o salão de baile, em relação à cozinha, e assim por diante. Mas é precisamente isso que tem causado tanta consternação entre Brilhante obsessivos (e abriu vários buracos de minhoca conspiratórios) - na sequência de Danny atravessando o hotel, as coisas não batem. Ele vai pular andares, por exemplo, ou virar uma esquina em uma parte do hotel que ele nunca deveria ter encontrado. Provavelmente, isso ocorreu devido à configuração do conjunto, mas ele não parou Brilhante detetives investigando seus mistérios. (Basta observar o fabuloso Sala 237 documentário.) Com O brilho , nada é o que parece, mesmo a mais incrível e hipnótica foto de Steadicam.

“Vamos buscar sua filha” • “Poltergeist” (1982)

Imagem via MGM / UA Entertainment Co.

Esta é uma cena sobre a qual raramente se fala, mas é absolutamente incrível (só de assistir você pode sentir o suor escorrendo do puxador de foco enquanto eles estavam filmando). Dentro Poltergeist , há um momento em que a pequena médium (Zelda Rubenstein) decide que finalmente vai resgatar uma criança que foi raptada por forças fantasmagóricas. A cena começa com um de seus assistentes caçadores de fantasmas escrevendo um número em uma bola de tênis, e Rubenstein se dirigindo aos pais da menina ( Craig T. Nelson e JoBeth Williams ) e a equipe científica (liderada por Beatrice Straight ) Rubenstein anda quase na direção da câmera, mas há atividade acontecendo durante todo o profundidade da sequência, com Williams chamando seu filho desaparecido e Nelson emburrado nas costas. (O médico parece preocupado.) A câmera desce quando Rubenstein começa a obter mais informações do outro lado, e Nelson e Williams se apresentam. É quando ela tem aquela famosa conversa sobre qual pai disciplina mais o filho. Em seguida, ele dispara para o muito, muito mais alto Nelson, onde ele está quase olhando para a câmera, chamando por sua filha perdida. Rubenstein então recua para o fundo da sala, com o médico. A câmera então empurra e permite que Williams alcance a lente da câmera e fale com sua filha fora da tela. A sequência termina no passado, com Rubenstein entregando um diálogo mais assustador e a câmera movendo-se para uma maçaneta. (Nem é preciso dizer que, no final da cena, Jerry Goldsmith’s pontuação é realmente girando .) Como Todos os homens do presidente , a sequência é sutil e não chama muita atenção para si mesma, aumentando a intensidade de forma constante e brilhante até que seja pontuada por eles abrindo a porta. Você pensaria que essa cena daria crédito às afirmações de Spielberg dirigido por fantasmas Poltergeist , embora Hooper tenha empreendido momentos complexos semelhantes em filmes como The Funhouse e Força vital . Mais do que tudo, parece um verdadeiro encontro de mentes.

O Copacabana • “Goodfellas” (1990)

Imagem via Warner Bros.

Esta Bons companheiros A tomada é uma daquelas cenas que está em todas as listas de grandes tomadas ininterruptas, e por um bom motivo. Martin Scorsese é um mestre em planos gerais e linguagem cinematográfica em geral, e tão legal e inesquecível quanto o plano é, seguindo Ray Liotta e Lorraine Bracco conforme ele caminha pelo clube, ele também carrega muita narrativa e água do personagem. Este é Liotta expondo sua esposa ao seu novo estilo de vida de espertinho; ele dá uma gorjeta a todos os capangas na descida, atravessando corredores forrados de veludo e abrindo caminho pelo labirinto da cozinha (quando Liotta fica preso em uma mesa, não é apenas uma gafe charmosa, também mostra que talvez ele não seja bem tão estabelecido em sua persona máfia quanto ele pensa que é). Em todos os lugares, Liotta é saudada com respeito; Bracco está confuso sobre como ele continuou distribuindo notas de US $ 20 e por que deu as chaves de seu carro para alguém 'cuidar do carro'. É particularmente revelador que quando Liotta se senta, Scorsese (e o lendário cinegrafista Michael Ballhaus ) vire para ver outra mesa cheia de 'homens feitos' brindando ao sucesso de Liotta.

Também funciona como uma justaposição maravilhosa para o final do filme, quando a vida de Liotta está se desfazendo e ele está se tornando cada vez mais paranóico e arisco e sua mentalidade é caracterizada por cortes mais rápidos e movimentos de câmera mais maníacos. Mas naquela época, quando ele era realmente o homem, as coisas eram suaves e forradas de veludo. (Também dá uma ótima noção da geografia do próprio restaurante, algo que Quentin Tarantino pediria emprestado para fotos semelhantes em Pulp Fiction e Kill Bill, vol. 1 e Paul Thomas Anderson iria replicar descaradamente para a abertura de Boogie Nights .) Há uma razão para esta foto ser tão admirada e frequentemente imitada.

The Thing About Movies Today • “The Player” (1991)

Imagem via New Line Cinema

Outra foto que está em todas as listas de ótimas fotos de abertura é a foto de abertura de Robert Altman Afinação perfeita, sátira de Hollywood impregnada de ácido O jogador . Em uma tomada contínua, Altman e o cinegrafista Jean Lepine configura o filme inteiro - não apenas a abundância de personagens (este é um filme de Robert Altman, afinal) e seus relacionamentos interpessoais (incluindo Tim Robbins 'Executivo de cinema esgotado, nosso personagem principal moralmente nebuloso), mas também quem são esses personagens e como é o próprio estúdio de cinema. (A câmera não precisa fazer muito quando há tantos personagens ziguezagueando e ziguezagueando pelo quadro.) Mas talvez o mais crucial, ela define o tom do filme, com Fred Ward Chefe de segurança Fred Ward lamentando o estilo 'cut-cut-cut' da geração MTV e, na verdade, referenciando, diretamente, o Toque do mal tiro de abertura, que O jogador está claramente tocando. A tomada estabelece de forma rápida e econômica o mundo do filme, mas também estabelece quais regras podem ser quebradas no dizendo da história, que O jogador segue-se totalmente pelos próximos 120 minutos, com sua cavalgada de participações especiais, referências infinitas da cultura pop e metatextualidade (torna-se um mistério de assassinato que remonta aos antigos noirs). Altman muitas vezes ficava feliz em ligar a câmera e deixar os atores simplesmente irem, improvisando e falando uns com os outros; é tão emocionante ver seu comando da câmera ao orquestrar algo tão complexo e arregimentado, onde cada ator tem que acertar um alvo, dizer seu diálogo e sair do caminho.

Tiroteio em hospitais • “Hard Boiled” (1992)

Imagem via Golden Princess Productions

Ao contrário de algumas dessas outras cenas, onde o único plano geral sem dúvida aumenta a complexidade da cena, a primeira parte do tiroteio do hospital em John Woo É brilhante, sangrento Hard Boiled foi realmente construído para diminuir a quantidade de trabalho colocado no elenco e na equipe. Aparentemente, todos estavam tão exaustos com a produção (que se estendeu por mais de 100 dias), que Woo construiu a sequência para diminuir a quantidade de tempo necessária para as montagens e, assim, permitir menos estresse sobre o elenco e a equipe. A sequência foi fotografada dentro de uma engarrafadora da Coca-Cola desativada, cuja produção acabou de assumir. Se você nunca viu Hard Boiled , isso é justo, uma vez que não está prontamente disponível nos dias de hoje, mas chega ao clímax com nossos heróis ( Chow Yun-Fat e Tony Leung ) invadindo um hospital fortificado com bandidos. Existem alguns momentos na sequência, que são indiscutivelmente mais violentos e estilizados do que o John Wick filmes, onde Woo desacelera ou acelera, o que poderia ser um lugar para um corte, mas não, ele continua. O destaque da tomada é uma sequência em que Woo e Leung entram em um elevador que está descendo; durante o qual todo o conjunto foi trocado por um novo, então quando eles saem do elevador, o “andar” é completamente diferente. Gênio. Woo foi capaz de estabelecer o tamanho e a magnitude da ameaça que nossos personagens principais estavam enfrentando e orientá-lo geograficamente de uma forma que teria sido impossível se fossem cortes rápidos e sucessivos. A única coisa decepcionante na cena é como termina abruptamente.

Walk and Talk • “Raising Cain” (1992)

Imagem via Universal

Esta lista inteira pode estar repleta de lindamente coreografadas Brian De Palma longas tomadas; ele é uma espécie de mestre. E enquanto houver momentos em Carrie , Soprar , e até mesmo sua adaptação condenada de A fogueira das vaidades você poderia facilmente apontar, as cabeças de leitura têm um favorito desconhecido - o momento em Raising Cain quando Frances Sternhagen visita o departamento de polícia e fala com uma dupla de policiais (um deles interpretado pelo regular de De Palma Gregg Henry ), essencialmente entregando um depósito de exposição sem parar enquanto os personagens caminham por um prédio municipal com aparência dos anos 90. De Palma sabia como isso provavelmente teria sido enfadonho se tivesse sido entregue, digamos, em uma sala de conferências ou com uma série de cortes rápidos, então ele o encena como uma longa sequência de conversa, o tipo que faria Aaron Sorkin chore de inveja. A cena é impressionante em vários níveis, mas o que mais me impressionou em assisti-la novamente, além de um momento em que os atores parecem fazer uma pausa e olhar para a câmera reconhecendo que, sim, esta cena é longa e, sim, ainda está acontecendo , é o quão densamente povoada é a sequência. Há muitas pessoas neste prédio, não apenas os atores principais atuando, mas dezenas de figurantes naturalistas e alguns atores secundários no final da cena. Isso foi feito em um momento antes da costura, quando tudo tinha que ser real. E isso diz algo sobre De Palma como um cineasta, que saiu de seu apogeu e poderia ter tentado algo muito mais confortável, que ele acabou empurrando o envelope de uma forma tão ambiciosa artística e tecnicamente.

The Mirror • “Contact” (1997)

Imagem via Warner Bros.

Assisti a vários vídeos no YouTube sobre como o espelho disparou de Contato foi feito e ainda não tenho certeza se entendi. E isso faz parte da magia do momento. A foto é um flashback da versão mais jovem de Jodie Foster Personagem de (interpretado por Jena Malone ), cujo pai amado e inspirador ( David Morse ) entra em colapso, então ela corre freneticamente escada acima, a certa altura se transforma em câmera lenta, o que dá a sensação de que suas pernas estão presas na areia movediça (e nos faz torcer ainda mais para que ela se levante e ande). Ela finalmente entra no banheiro e abre o armário de remédios para pegar seus comprimidos. Mas quando ela chega ao armário, é revelado que toda a cena, que inclui movimento, câmera lenta e o personagem subindo um lance de escadas, foi refletida no espelho do armário. É absolutamente impressionante. Robert Zemeckis é um diretor que sempre esteve inatamente em sintonia com os avanços tecnológicos (e em breve abandonaria a produção de filmes de ação ao vivo para experimentar a animação de captura de movimento), então definitivamente há algum tipo de futzing gerado por computador envolvido na conclusão deste tomada. Mas a essência disso, o trabalho de câmera e o movimento reais, são reais. E o aspecto tecnológico não diminui o impacto em nada. Zemeckis, pelo menos na época ( Bem vindo a marwen dane-se), nunca usaria a tecnologia apenas como um truque legal; sempre teve que amplificar a profundidade emocional da tomada ou cena. Isso é definitivamente verdade para a foto no espelho, uma prestidigitação que ainda estou tentando descobrir.

O Estúdio de Televisão • “Magnolia” (1999)

Imagem via New Line Cinema

Desde a Paul Thomas Anderson Estreia sem fôlego com Hard Eight , ele sempre foi apaixonado por tomadas longas e ininterruptas (nos últimos anos, essas tomadas tornaram-se mais estáticas e menos vistosas). Mas reduzir o valor de uma carreira inteira de planos gerais para um único momento é difícil. Felizmente, Magnólia está aqui para ajudar. No YouTube, alguém rotulou-o de 'The 135 Second Shot', e é verdade - é muito longo. Mas isso também diminui um pouco de seu poder. É incrivelmente complicado seguir um par de personagens enquanto eles entram em um estúdio de TV caótico. Quando os dois personagens se separam, a câmera segue um e então, pegando carona em um personagem secundário, reencontra o outro personagem principal. A câmera nunca está flutuando, com uma visão do olho de Deus, é muito específico sobre quem ela escolhe rastrear e onde vai parar. Ele nos orienta geograficamente, já que a emissora de televisão (casa de outro personagem central e um game show que se torna um motivo recorrente) é de importância central. Mas, de forma mais crítica, reforça os temas do filme de interconectividade e suas obsessões estilísticas, incluindo personagens conversando uns com os outros e a praga bíblica prestes a juntá-los. Além disso, há uma referência a Corey Haim Fedorento direto para vídeo de 1996 Demolition High , então a foto também tem essa vantagem.

Orientação • “Quarto do Pânico” (2002)

Imagem via Columbia Pictures

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Sala do pânico é diretor David Fincher em sua forma mais sobrecarregada. Há fotos que atingem uma parede de concreto tão perto que você pode ver partículas de poeira vibrando, uma foto em que o chão desaparece como em um desenho animado para revelar o que está acontecendo sob ele e onde a câmera lenta é empregada no grau mais lento e suave imaginável. Mas se há uma cena que supera um filme já cheio de exageros, é a cena que se aproxima Jodie Foster Luxuosa casa geminada de Nova York enquanto um trio de ladrões tenta entrar. A tomada é fisicamente impossível - a câmera passa pelas alças da máquina de café e entra em buracos de fechadura - mas foi construída usando elementos que foram filmados durante toda a produção, incluindo vários atores presentes em várias partes da tomada (como Foster). E para uma cena extra, ele serve a um propósito de narrativa - dá a você o layout da casa (supostamente baseado no escritor David Koepp Em Manhattan), estabelece os três vilões que entram e permite que você saiba exatamente como eles poderiam entrar na casa (e como nossos heróis poderiam sair). E realmente é a coisa mais legal. Isso o prepara adequadamente para o passeio de montanha-russa que você acabou de fazer. É também uma evolução natural de tomadas semelhantes que ele conseguiu em Clube de luta e é super importante porque foi a última foto verdadeiramente vistosa de Fincher em sua carreira (até agora). Claro, houve fotos brilhantes em seus filmes posteriores, que também foram aumentadas por computador (a foto de cima para baixo do táxi em Zodíaco vem à mente), mas eles foram muito mais curtos e muito mais sutis. Não tem havido nada tão olhar para mim quanto o Sala do pânico baleado desde então. De certa forma, é o fim de uma era.

The Hammer Fight • “Oldboy” (2003)

Imagem via Tartan Films

Um homem. Incontáveis ​​bandidos. Um único martelo. Este é o cenário para a inesquecível luta de martelos em Chan wook-park A obra-prima (e a peça central de sua chamada Trilogia de Vingança) Oldboy. Choi Min-sik interpreta um homem injustamente acusado de assassinar sua esposa e preso à força por 15 anos. Quando ele é libertado, ele tem que descobrir quais forças sinistras estão por trás de sua prisão e desvendar por que ele foi realmente trancado em primeiro lugar. E também tem que espancar um bando de bandidos com um martelo. Aparentemente, a cena levou três dias para ser filmada e foi encenada 17 vezes diferentes. (Aparentemente, a única coisa artificial é a faca que está enfiada em suas costas.) O tiro dura tanto tempo que tem movimentos separados, quando Min-sik está cansado, os bandidos ficam cautelosos, e voltam novamente. Como uma onda. E além de ser uma das sequências de ação mais legais do cinema coreano moderno (não é pouca coisa), também contribui muito para informar o personagem de Min-sik. É alguém que não vai parar, mesmo contra probabilidades aparentemente impossíveis. É também alguém cuja mente talvez tenha sido conectada da maneira errada enquanto estava em confinamento solitário por 15 anos (ei, o cara também come um polvo vivo!) Agora que ele saiu, nada o impedirá de descobrir a verdade, mesmo que a verdade seja muito feio. Quando Spike Lee refeito Oldboy 10 anos depois, ele copiou a cena do martelo quase batida por batida, e mais tarde Lee afirmou que sua versão da sequência era ainda mais longa e impressionante, mas foi cortada por um estúdio nervoso. Essa foto ficou no YouTube por um tempo, mas foi removida. Claro, foi impressionante, mas não era como ver a luta de martelos em Oldboy e sendo surpreendido. Spike, desculpe.

Uma visita à ópera • “Nascimento” (2004)

Imagem via New Line Cinema

Há uma série de lindos planos gerais em Jonathan Glazer É cronicamente esquecido Aniversário , incluindo aquele que abre o filme e segue Nicole Kidman Marido de enquanto corre pelo Central Park na neve e cai morto. Mas a cena que ficou gravada em meu cérebro é aquela que ocorre depois que um menino aparece para Kidman e afirma ser a reencarnação de seu marido morto. Depois, ela vai para a ópera. E conforme a ópera está acontecendo, a câmera começa na platéia, ultra-ampla, e fica mais e mais e mais perto até que o rosto de Kidman ocupa todo o quadro e ela começa a chorar. Cabe a nós decidir o que está acontecendo em sua mente, embora seja bastante aparente que ela está tentando descobrir se essa criança é ou não uma fraude ou algum vigarista astuto, e o que isso significa se seu marido voltou do túmulo, na forma de um menino. Isso é muito em que pensar. No entanto, como mulher da alta sociedade, ela tem certas obrigações. Como a ópera. Também ajuda o fato de o próprio Nascimento ser tão operístico, pelos movimentos de câmera surpreendentes (foi filmado pelo falecido Harris Savides ) para Alexandre Desplat A partitura que consome tudo para a natureza de conto de fadas da história, tornando o cenário de ópera perfeito. E se você ainda não viu Aniversário , deixe que isso seja uma desculpa perfeita para você finalmente assistir.

Ataque de carro • “Filhos dos Homens” (2006)

Imagem via Universal

Outra cena que é incrivelmente difícil de descobrir, mesmo que você tenha assistido a filmagens dos bastidores, é a perseguição de carro em Filhos dos homens onde os personagens principais (incluindo Clive Owen e Julianne Moore ) são parados por uma multidão furiosa. A complexidade da foto é realmente algo - há carros em chamas, uma perseguição de motocicleta, efeitos de movimento (alerta de spoiler: alguém não consegue sair do carro vivo), efeitos de fogo e algumas manobras muito complicadas. É absolutamente sem fôlego fazer um filme, tornado ainda mais intenso e assustador pela forma como a cena começa apática, com Owen e Moore fazendo um jogo de flerte com uma bola de pingue-pongue (a bola é definitivamente animada por computador) e brincando. Como tudo o mais em Filhos dos homens , o caos irrompe inesperadamente e com pouca fanfarra. E há ainda mais suspense e perigo extraídos do fato de que, neste ponto da história, Owen não sabe que outro passageiro no carro é o último ser humano nesta distopia futurística a ter sido engravidado naturalmente. Portanto, o fato de que ela poderia facilmente ter levado a bala na garganta é uma possibilidade real e aterrorizante.

A tomada foi realizada com algum tipo de braço mecânico maluco que foi preso ao teto da câmera e se moveu para entrar no carro (com o lado oposto do carro completamente aberto), mas mesmo assim é difícil ter certeza de como Alfonso Cuaron , Emmanuel Lubezki e o resto da equipe conseguiu. (Pode ter havido alguma costura digital, também, olhe para a estrada no início e no final da cena.) De qualquer forma, ele fez isso, é uma rolha e configuraria os feitos igualmente impressionantes em Gravidade e Roma .

The Tank Chase • “The Adventures of Tintin” (2011)

Imagem via Paramount

Só porque uma cena é totalmente animada não torna isso mais fácil. (Pense em quantas tomadas excepcionalmente longas você viu em qualquer longa-metragem de animação, gerado por computador ou desenhado à mão.) E certamente há muita coisa acontecendo no único filme de animação de Steven Spielberg, As Aventuras de Tintim . A sequência é uma perseguição elaborada, com o jovem detetive Tintin ( Jamie Bell ) e seu companheiro bêbado ( Andy Serkis ) perseguindo o vilão ( Daniel Craig ) e um par de pergaminhos extremamente importantes. De certa forma, parece a expressão máxima do amor e domínio de Spielberg pelo tiro único que realiza o que vários outros tiros separados normalmente fariam, só que desta vez ele está livre das regras da física, das limitações da tecnologia ou do comprimento da revista de cinema. Aqui, Spielberg foi libertado. Mas, em vez de exagerar, ele ainda se concentra em todos os personagens (incluindo momentos dedicados tanto a um cachorro quanto a um falcão), seguindo-os enquanto eles descem por uma estrada, fazendo com que represas se abram e todos os tipos de caos acontecer (eventualmente um tanque se envolve). E quando você pensa que a sequência acabou, Continua , incluindo o momento em que uma motocicleta se torna um monociclo em uma linha telefônica. É uma sequência de bravatas, perfeitamente realizada por Spielberg e os feiticeiros da Peter Jackson Weta Digital, mas cheio de personalidade (Serkis dispara uma bazuca na direção errada), humor e sagacidade, encapsulando a alegria de ler os quadrinhos belgas originais.

Subway Fight • “Hanna” (2011)

Imagem via recursos de foco

Enquanto a maioria das listas de melhores planos gerais inclui uma referência a Joe Wright Encenação da invasão de Dunquerque, por meio de uma tomada contínua, em Expiação , escolhemos outro filme de Wright e (em nossa estimativa) uma longa tomada ainda mais impressionante. Em seu thriller Hanna , Wright se afastou de peças de período austero para dirigir uma história de espionagem totalmente moderna, mas ainda manteve seu classicismo técnico. A foto em questão segue o ex-espião de Eric Bana quando ele sai de um aeroporto e caminha em direção a um metrô. Quando ele aponta para o metrô, ele está cercado por capangas (enviados por Cate Blanchett como um diretor feiticeiro da CIA), que ele deve então despachar. (Eles não têm ideia do que está vindo para eles.) Muito do cinema de ação moderno, definido por filmes como o extremamente influente Identidade Bourne e suas sequências, são definidas por cortes rápidos, transformando um tiroteio ou briga em algo abstrato e cubista. A abordagem de Wright é oposta, já que ele e o diretor de fotografia Alwin H. Küchler mova a câmera ao redor de Bana, sempre mantendo-o no quadro, o que fornece uma grande consciência espacial e significa que não há cortes para, digamos, um valentão removendo uma faca de sua cintura (ou algo assim). E enquanto a luta em si é rápida e brutal (quão bom é quando Bana joga a faca naquele cara?), O ritmo lento do tiro que leva à luta, já que apenas segue Bana ao redor, aumenta a tensão e intensidade , especialmente com o prenúncio do graffiti por trás de Bana que faz referência ao CCTV e os anúncios de óculos que apresentam um par de olhos gigantescos e ameaçadores. Eles estão sempre assistindo. Outro elemento da foto que o torna superior ao Expiação é a pontuação de lendas eletrônicas britânicas Os irmãos químicos . A música deles apenas aumenta a intensidade da cena, às vezes soando literalmente como alarmes.

“Fuck That Mirror Like You Mean It” • “Magic Mike” (2012)

Imagem via Warner Bros.

Steven Soderbergh , principalmente nos últimos anos, tem dito que não quer ter um estilo específico; que ele quer ser quase invisível, atendendo às necessidades de qualquer história que esteja servindo. Isso, claro, é impossível. Soderbergh é um dos estilistas mais brilhantes do cinema, e sua personalidade transparece independentemente do filme (como se qualquer outra pessoa tivesse feito Contágio do jeito que ele fez). Mike mágico é um de seus filmes mais engenhosos, desde os engenhosos cartões de título indicando a época do ano até os números de dança habilmente fotografados e coreografados. Mas um dos melhores momentos é uma única tomada longa que você pode não ter percebido que era uma única tomada (lá vai ele com sua invisibilidade novamente). É uma sequência onde Matthew McConaughey , estadista stripper mais velho, está treinando o jovem Buck Alex Pettyfer nas formas de sedução no palco. McConaughey está falando com ele o tempo todo, enquanto outras strippers trabalham ao fundo, enquanto ele se dirige tanto a Pettyfer (“Você olha em volta, você provoca, você seduz”) e o público, possibilitado pela proximidade da câmera com os atores e a maneira como McConaughey ocasionalmente olha para a câmera (através do espelho). A fisicalidade de McConaughey é elétrica e a câmera claramente o ama; parece um prazer passar tanto tempo na presença dele. (Soderbergh também conta uma ótima piada visual quando McConaughey recua e podemos vê-lo com o menor par de shorts já fabricado.) A cena termina com uma grande linha de diálogo, e a perfeição do momento é auxiliada pelo fato de que o diálogo da cena começa antes que a cena anterior termine. Quase invisível.

por que Stephen King odiava o brilhante

Bem-vindo ao Tomorrowland • “Tomorrowland” (2015)

Imagem via Disney

Esta é outra foto 'costurada', combinando várias fotos diferentes em uma tomada perfeita. Mas é tão artisticamente impressionante e tecnicamente ambicioso que exigiu inclusão. Na foto, nosso corajoso herói Casey ( Britt Robertson ), é magicamente eletrocutado para Tomorrowland, um universo alternativo onde a ganância corporativa e o jogo político estão ausentes, e a imaginação desenfreada e os avanços da tecnologia o transformaram em uma utopia futurística brilhante. Assim que ela é transportada, a cena começa e viaja com ela, enquanto ela caminha pelo movimentado centro de uma cidade, embarca em um monotrilho flutuante e quase decola em um foguete (destino desconhecido). Diretor Brad Bird e cinegrafista Claudio miranda , utilizando um formato maior e mais quadrado que foi preferido na década de 1950 (2,20: 1) e fez essa sequência parecer ainda mais impressionante em IMAX. O que torna essa sequência notável é que a câmera está em constante movimento e Robertson está claramente em algum tipo de local em pelo menos parte da tomada; em vez de mascarar os 'cortes' com movimento, a atividade da câmera, sem dúvida, tornou a sequência mais difícil de misturar. (Amei aquele flip que começa a cena também.) E isso sem dizer a composição e a infinita mágica de pós-produção fornecida pela Industrial Light & Magic, incluindo espaçonaves totalmente animadas, monotrilhos e uma série de piscinas flutuantes nas quais você pode mergulhar . (Isso é Space Mountain no fundo também!) Existem também dezenas e dezenas de extras, alguns dos quais têm diálogos, e que estão todos perfeitamente cronometrados e equipados com suas melhores roupas de Tomorrowland (com uma vibe decididamente retrógrada). E está tudo pronto para Michael Giacchino Pontuação perfeita do arremesso. A resposta para Terra do Amanhã foi decididamente misturado, mas esta foto é um showstopper inegável e um testamento para a imaginação ilimitada e engenhosidade que daria a Bird um lugar no Tomorrowland, com certeza. Querer ir?